Bandas y artistas de Reggae

País : Jamaica

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Noticas : Bandas y artistas de Reggae

«Nunca fui educada en los estilos», asegura Concha Buika (Palma de Mallorca, 1972). No hace falta que lo jure, tan solo hace falta echar un vistazo al currículo que ha acumulado desde que publicó su debut en 2000, «Mestizüo», para comprobarlo. Tan pronto se junta con la intérprete india de sitar Anoushka Shankar, como es invitada a tocar en el Blue Note de Nueva York por el mismísimo Chick Corea. «Y lo peté», asegura. Puede ficharla Seal para participar en uno de sus discos o grabar un tema con Nelly Furtado. Colaborar con una cantante de fado como Mariza o subirse a un escenario con guitarristas de jazz y flamenco como el Niño Josele o Pat Metheny. O puede cantar junto al trompetista Terell Stafford y llenar también el Carnegie Hall, con Chucho Valdés, para presentar un disco de homenaje a Chavela Vargas. Concha Buika y Chuchoo Valdés publicaron «El último trago», en 2009- ABC «Mi madre bailaba todo igual, ya fuera música africana, heavy metal, la sintonía del Telediario o la música clásica. Ella venía de una tribu de Guinea y todo lo resumía en música de blancos o de negros, pero lo escuchaba todo con la misma pasión. Así es como nos educó», cuenta la cantante mallorquina, antes de presentarse en Madrid, de nuevo junto al maestro Chucho, este sábado en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII de Madrid (20.00 horas). Conoció al pianista cubano a finales de la década pasada. Buika ya había publicado cuatro discos, entre ellos, «Niña de Fuego» (2008), el mismo que catapultó su carrera internacional y que fue elogiado por medios como «The New York Times», «The New Yorker» o «Miami Herald». Fueron sus dos primeras nominaciones a los premios Grammy Latinos. Chucho Valdés, hijo del gran Bebo Valdés, ya era conocido como uno de los mejores pianistas del mundo y uno de los grandes referentes de la historia del jazz latino. Una leyenda que el pianista empezó a forjar con Irakere, el grupo que fundó a mediados de los 70 para revolucionar la música cubana, mezclándola con elementos del rock, la música clásica y la música tradicional afrocubana, además del jazz. «Me impresionó conocer al maestro. Me sentí una privilegiada», asegura Buika, sobre el hombre que, a lo largo de las últimas cuatro décadas, ha compartido giras mundiales con leyendas como Dizzy Gillespie, Herbie Hancock, Carlos Santana, Michel Legrand, Michel Camilo, Chano Domínguez, Wynton Marsalis, Joe Lovano, Max Roach, Ron Carter o Tito Puente, por citar solo a algunos. «Recuerdo la llamada de mi representante para darme la noticia: “¿Una colaboración con el maestro Chucho? ¡Ay, qué maravilla!”, grité. Ni me lo pensé, por supuesto. Fue una bendición, un regalo de Dios», confiesa Buika, en una entrevista que rezuma espiritualidad (llámenlo poesía o como prefieran) por sentencias como: «La música vive más allá del tiempo», «soy un pájaro, y los pájaros no son de ningún sitio» o «las canciones vienen del cielo y se dirigen hacia nuestro cielo personal». Las artista mallorquina de sangre guineana contesta desde Miami, la ciudad a la que se trasladó en 2011, para poder atender la fuerte demanda de conciertos que tenía en Estados Unidos. Asegura que, para ella, grabar un disco y salir a tocar con Valdés fue «como si recibiera un Grammy o un Oscar». Como un pequeño paso que dio «hacia algo que es maravilloso: la eternidad», pero que en ningún momento se puso nerviosa: «¡Ay, papi! A mí no me da miedo nadie. Tengo temor a Dios y a Hacienda, pero no a las personas. Soy soberbia de nacimiento, lo siento. Es un pecado capital que me encanta. Sentí que era algo que estaba en mi camino y que me lo merecía. Creo que las personas tenemos que valorarnos más, sobre todo en España, que nos hemos criado con la zapatilla en la colleja». Desde entonces, Buika no ha dejado de jugar con el flamenco, el jazz, el soul, el pop, el rhythm & blues, el reggae y, en la última etapa, con el rock. Ya lo destacó Pedro Almodóvar cuando, en 2011, seleccionó dos canciones suyas —«Por el amor de amar» y «Se me hizo fácil»— para la banda sonora de «La piel que habito»: «Al verla atraída por géneros musicales tan diferentes y mezclarlos todos con tanta gracia y espontaneidad, uno no puede dejar de pensar que hay un futuro más brillante mientras se pueda testificar la evolución ilimitada de esta intérprete infinita». «Mi estilo ha cambiado mucho desde que actué por última vez con Chucho Valdés —reconoce—. Me puse la chupa de cuero y me fui hacia el rock & roll, hacia el ruido. Me alejé del romanticismo y de las músicas más tradicionales… Me lo estoy pasando muy bien». «Lo único que me importa es la buena música. Si un tema me suena bonito y la persona me parece simpática, acepto cualquier colaboración. Que sea músico puede, incluso, darme igual. Si Rafa Nadal me ofreciera cantar un tema, lo canto con él. ¡Y con su tío! Todo lo que suene bien será bienvenido», añade la cantante entre risas, con una idea clara: «Lo importante es que la gente lo goce».
Source : abc.es | 2017-07-01 03:18:20.0
Con una propuesta latina y exótica, que explora diversos géneros como reggae, ska, cumbia, salsa y swing, Villa Exótica se consolida como una banda multicultural con miembros de diferentes rincones del mundo.
Source : La Jornada | 2017-06-30 08:42:48.0
Con un retraso notable pero cortés, y sobre un escenario desnudo y minimalista, Joaquín Sabina desprecintó en Madrid las canciones de su último disco y barnizó lo mejor de su repertorio. El de Úbeda dio un concierto elegante, fresco y rejuvenecido, con el que confirmó que podrá dedicarse a esto hasta que le dé la gana. Sabina entró al Palacio de los Deportes con el bombín por montera, agradecido por verse entre amigos. «No miro las fechas de las giras porque me agobio -dijo-, pero teníamos grabadas a fuego las fechas de Madrid. ¡Siempre es emocionante volver a casa!». Y con esas se cantó la mitad de su último disco sin apenas tomar aire. Empezó con «Lo niego todo», como una declaración de intenciones por lo que pudiera venir, y a la quinta canción ya había descorchado el reggae con «¿Qué estoy haciendo aquí?», el tema que evidencia que Sabina sigue ambicionando nuevos sonidos y nuevas formas de llegar. Para producir «Lo niego todo», Sabina tiró de Leiva, con quien ya había intercambiado letras, favores y acordes. De un telefonazo le sacó de una tumbona en la playa, donde el «ex» de Pereza estiraba las piernas tras la publicación de su tercer disco, pero, al contrario que en el concierto que dio en Londres, Sabina no tuvo al rockero como artista invitado. El público le perdió el respeto a las buenas formas con «Lágrimas de mármol», que es un canto al que me quiten lo «bailao». Sabina se tomó un descanso y, como si el jefe hubiese abandonado la oficina, Pancho Varona tocó «La del pirata cojo» para llevar la rebeldía y el rock canalla al WiZink Center, donde empezaron a sobrar las sillas. Aún quedaban casi dos horas de concierto, pero los himnos no entienden de fatigas. Voces aliadas Uno de los grandes aciertos de Sabina, y el que le permite poner a cantar al talludo y al adolescente, es saberse rodear. Tiene la humildad de pedir consejo y el talento para conservar una banda por la que no parece pasar el tiempo. La voz de Mara Barros hizo un cameo en el descanso del maestro, pero se destapó de manera definitiva y rotunda con «Y sin embargo te quiero», que fue el anticipo de la fase más acústica del concierto. Es ahí cuando le sale a Sabina la vena flamenca, porque uno es de Úbeda y no tiene por qué esconderlo. Él se define como un hombre de provincias y termina las canciones agarrándose el brazo izquierdo, como si el aplauso le infartara. Hubo tiempo para el «Ruido», para dejarse caer «Por el boulevard de los sueños rotos» y para gritar una vez más «19 días y 500 noches», un tema al que no le arrugan ni los días, ni las noches, ni «la voz de lija» que dijo tener Sabina antes de ceder el testigo a Antonio García de Diego, su guitarrista de cabecera. Esa fue la penúltima pausa del maestro antes de redondear un concierto en el que pareció quitarse años. Se le vio sudar como un debutante y aturdirse mirando al fondo del Palacio de los Deportes, donde están las entradas más baratas y los seguidores más gritones. «Es jodido cantar después de Jaime (Asúa)», reconoció Sabina tras la actuación de su guitarrista. Dice el de Úbeda en «Lo niego todo» que no es «ni cantante de orquesta ni el Dylan español». Y es verdad. Lo que diferencia a Sabina y su banda de una orquesta cualquiera es que todos lo hacen bien. Hizo amago de despedirse con «Y nos dieron las diez» y «Princesa», pero el público le advirtió: «Eh, Sabina, así no se termina». Acabó con «Pastillas para no soñar» cuando todavía resonaba el «Nos dijimos adiós, ojalá que volvamos a vernos». Hoy, sin ir más lejos, tienen una segunda oportunidad.
Source : abc.es | 2017-06-22 03:31:35.0
3 La cita, que contará con un amplio programa de actividades paralelas, se celebrará del 21 al 23 de julio
Source : elperiodicodearagon.com | 2017-05-30 03:55:01.0
Dirigidos a niños de 2 a 8 años, los «Mininanais» forman parte de un proyecto que propone educar en valores a través de canciones marchosas con ritmos que van desde el rock hasta el reggae. Estos temas son entonados por cuatro criaturas dibujadas en 2D con estética maorí, pero de factura española. Lanzados hace apenas dos meses, los vídeos, que abordan asuntos como el miedo a la oscuridad, se recogen en un canal de Youtube, que ya supera las 560.000 visualizaciones y 2.700 suscriptores, y en la página web www.mininanais.com Enmarcada en la celebración, el próximo 17 de mayo, del Día Internacional del Reciclaje, la última entrega es «Baila el Bura-Bura, recicla tu basura». Con este vídeo tratan de concienciar, a través de la música y el baile, a los niños acerca de la importancia que tiene tratar los desechos como corresponde, para así proteger el medio ambiente. Además, los «Mininanais» hacen campaña junto a Ecoembes y aterrizan en cerca de 800 colegios de toda España para sensibilizar a los más pequeños en la impostancia del reciclaje. Así, el Día Mundial del Reciclaje y con el hashtag #ReciclaYBaila, los alumnos de los centros educativos pertenecientes a la Red EducaEnEco (en Castilla y León, Madrid, Canarias y Extremadura) podrán alguna actividad relacionada con el reciclaje e inspirada en este último vídeo. Los pequeños podrán mandar murales, vídeos, fotos, disfraces, hacer sus propios personajes con manualidades… los trabajos serán publicados por Ecoembes en sus blog y canales dedicados a educación ambiental Rock, reggae, rap… no hay ritmo que se les resista a estas criaturitas. «Desde el principio, quisimos cuidar mucho la calidad, tanto de la animación como la producción de las canciones -explica Marta Corral, creadora e impulsora de este proyecto- pero sobre todo nos parecía muy importante el contenido y el mensaje de cada canción, por lo que no dudamos en contar con asesoramiento pedagógico especializado en el mundo infantil y que cada detalle estuviese supervisado y controlado». En lo que se refiere a las temáticas, cada canción nace pensando en los pequeños y en su desarrollo: superar un miedo, adoptar un hábito, fomentar la psicomotricidad y se completa pensando en los mayores aportando el ritmo adecuado para crear un momento de diversión familiar.
Source : abc.es | 2017-05-11 01:23:58.0

Un acuerdo de pena que declara "penalmente responsable" a Eustacio Fidel Guerra Saldaña, conocido como El Tachi, fue avalado por el juez de Garantías del Primer Circuito Judicial de Panamá, Carmelo Zambrano.

Al cantante de reggae, de 19 años de edad, se le impuso una pena principal de 60 meses de prisión, "como autor del delito contra la seguridad colectiva, en la modalidad de posesión de arma de fuego", detalla una nota del Órgano Judicial. Como pena accesoria, a Guerra Saldaña se le prohíbe portar armas de fuego.

El juez de la causa avaló también la petición de la defensa de El Tachi con base en el artículo 65 del Código Penal, que establece la sustitución de la pena principal de prisión por el trabajo comunitario de labores de ornato y aseo, que el sentenciado "deberá realizar ante la Junta Comunal de Puerto Caimito, en La Chorrera, Panamá Oeste, por un período de 120 semanas, los días lunes, miércoles y viernes".

Además, el juez Zambrano ordenó que el arma de fuego aprehendida fuera destruida.

El caso de Eustacio Fidel Guerra Saldaña se encuentra en la instancia de un juez de cumplimiento, quien "velará por la fiel ejecución del acuerdo de pena".

El reguesero fue detenido el pasado 29 de marzo, por agentes de la Policía Nacional, en el sector de la 24 de Diciembre. Dentro del vehículo que conducía, debajo de los pedales, había un arma de fuego y Guerra Saldaña no tenía permiso para portarla.

Source : prensa.com | 2017-05-10 19:34:03.0

ANIMACIÓN ESPAÑOLA
Se trata de un proyecto lanzado por un grupo de profesionales de la Comunicación y Educación que propone educar en valores a través de canciones marchosas con ritmos que van desde el rock hasta el reggae.

'Los mininananais', la animación educativa que triunfa en la Red
Source : formulatv.com | 2017-05-08 14:58:00.0
Félix Ortiz (Zion) y Gabriel Pizarro (Lennox) nacieron y se criaron en la ciudad puertorriqueña de Carolina, el caldo de cultivo donde entró en ebullición la mezcla de reggae panameño y dembow jamaicano que dio lugar al reguetón. «Muchas de las estrellas del género vivíamos allí cuando éramos niños, y nos conocíamos entre nosotros», recuerda Lennox (con banda azul en la foto). Quizá sea por eso por lo que, a pesar de su estética agresiva y chulesca, en este movimiento musical predomine la camaradería entre artistas, al contrario de lo que sucedió, por ejemplo, durante los años del boom del gangsta-rap. «Los primeros años del reguetón en Carolina eran muy underground y había que ir a sitios un poco peligrosos para escucharlo. Pero nunca ha habido rivalidad insana entre los músicos, y yo creo que eso tuvo bastante que ver con el hecho de que enseguida se convirtiera en una música de todo el pueblo», asegura Zion. A pesar de tener una trayectoria musical de más de quince años sólo cuentan con tres discos en su haber, un ritmo realmente bajo que se debe a ciertos problemas con la industria. «Estuvimos seis años sin poder publicar ninguna producción, por un problema con el contrato con nuestro anterior sello. Tuvimos que luchar muy duro para obtener nuestra libertad, hasta que en 2015 pudimos firmar con Warner», cuenta Lennox. «Sí, todo ese tiempo nos mantuvimos dando conciertos exclusivamente», añade su compañero. Zion & Lennox rechazan «las letras que degradan a la mujer», pero encajarían a la perfección en el típico perfil de reguetonero del siglo XXI, si no fuera por otro detalle que los distingue: aman los álbumes y el formato físico. «Lamentablemente hoy toda la industria y el público parecen estar orientados a los singles digitales», dice Zion. «Nosotros queremos recuperar la vieja pasión por los discos, y no sabemos cómo lo haremos, pero intentaremos convencer a la gente. Quizá haciendo discos más cortos, no lo sé...». En cualquier caso, ambos están convencidos de que tienen mucho futuro por delante, igual que el propio reguetón. «Ha habido un boom muy fuerte en los últimos diez años, que poco a poco tendrá que estabilizarse –opina Lennox–, pero lo que está claro es que es una música que llegó para quedarse». «Sí, el bombazo que ha pegado la canción ‘Despacito’, de Luis Fonsi con Justin Bieber, también ayudará», dice Zion, demostrando que lo de la camaradería es cierto: «No tenemos envidia, nos alegramos mucho por él».
Source : abc.es | 2017-05-05 03:43:12.0
The Skatalites, padres y fundadores de la música ska & reggae completan el cartel del Festival Cultura Inquieta. La banda actuará el 23 de junio, dentro del Festival Guacamayo, un festival en sí mismo dentro del Cultura Inquieta, que sumará más de 8 horas de música, interculturalidad, convivencia, vanguardia y mestizaje.
Source : europapress.es | 2017-04-25 13:04:08.0
La banda sonora de un paseo por el barrio madrileño de Carabanchel suena a reguetón. En sus calles, sus plazas y sobre todo en sus parques, los adolescentes pasan el rato escuchando los últimos hits de la música latina en sus smartphones, y no son exclusivamente hijos de inmigrantes colombianos,venezolanos, puertorriqueños o dominicanos. Muchos de ellos son jóvenes españoles que no sólo consumen música latina, también compran ropa en boutiques latinas, se cortan el pelo en peluquerías latinas, incluso les piden a sus padres que les compren productos típicamente latinos cuando van a hacer la compra. Quieren parecerse lo más posible a los ídolos del perreo, y aunque esto se ve en muchos barrios obreros de la capital, en Caribenchel no es difícil encontrar a padres desesperados porque sus hijos ya ni siquiera quieren comer comida española. El «latin urban», más que una moda, es una cultura. La industria y la prensa musical llevaban años sin verlo venir, como no vieron venir al rock’n’roll, al hip-hop o a la cultura de club hasta que ya habían conquistado a la juventud. Es ahora, tras el coqueteo de Justin Bieber con la escena latina (su colaboración con Luis Fonsi ha batido récords esta semana) cuando los efectos de este boom se han hecho más evidentes, pero fue en 2004 cuando todo empezó con el lanzamiento de una canción llamada «Gasolina» de un tal Daddy Yankee, el primer gran hit internacional de un nuevo género llamado reguetón. Un término que fue acuñado en 1988 por el productor panameño Michael Ellis, que fundió las palabras «reggae» y «tone» para describir la nueva música que se hacía en su país, descendiente directa de las músicas traídas por los inmigrantes jamaicanos. En castellano por primera vez Igual que el gospel y blues no hubieran nacido sin el traslado forzoso de esclavos africanos a América, el reguetón no habría visto la luz de no haberse construido el Canal de Panamá, que obligó a contratar a unos 150.000 trabajadores procedentes de las Antillas. Estos inmigrantes llevaron con ellos músicas como la rumba, el mambo, el chachachá y el reggae, que se fueron fusionando con la cultura local hasta que en la década de los ochenta empezaron a surgir artistas como El General, Chicho Man, Calito Soul, Nando Boom o El Apache Ness, que innovan con el reggae al interpretarlo en castellano por primera vez. Rápidamente sus canciones hacen el camino de vuelta, llegando a oídos de músicos caribeños que terminan de moldear el estilo. El puertorriqueño Luis Armando Lozada Cruz, alias Vico-C., copia la idea de usar el idioma de Cervantes para grabar el primer rap en castellano. Y por el lado estrictamente musical, los jamaicanos Steely & Clevie definen el patrón rítmico al grabar la canción «Dem Bow». De la fusión de este ritmo y de los fraseos rap en castellano surge el reggaeton. Sin apenas aparecer en los medios, el género fue creciendo casi en el «underground» hasta la publicación de la mencionada «Gasolina», que fue la canción que lo cambió todo. Desde entonces el ascenso del «latin urban» ha sido vertiginoso, aupando a sus artistas hasta lo más alto. Hoy, sus grandes figuras tienen muchos más millones de seguidores en las redes sociales que las estrellas del pop o las leyendas del rock, y acaparan los primeros puestos de las listas de descargas y casi todo el tráfico de los portales de streaming. Entre otras cosas porque sus fans nunca se despegan del móvil.
Source : abc.es | 2017-04-19 11:00:38.0
Amparo Sánchez (Alcalá la Real, 1969) llegó a Lavapiés en los años 90, cuando el barrio madrileño estaba en plena efervescencia. «Veías gente de razas y culturas diferentes, que estaba llegando a la ciudad; oías música latina, africana... y yo fui absorbiendo todo eso», recuerda la artista, jienense de nacimiento y granadina de adopción. Aquel ambiente ecléctico y multicultural le dio todo el espacio que necesitaba para crecer. «Llegué a Madrid cantando blues, soul y rock and roll. De pronto, sentí la libertad para hacer canciones de otros estilos porque nadie me conocía ni esperaba nada de mí. Empecé a escribir temas diferentes y a cantarlos en directo, siempre en lugares pequeñitos de Lavapiés y Malasaña, donde podía investigar y experimentar. A la gente le encantó. Y entonces se corrió la voz: “Hay una chica en Lavapiés, andaluza, que transmite muy buen rollo”», relata la cantante, a quien el boca a boca la lanzó a los brazos de la industria musical. En «El coro de mi gente»; detrás de cada canción hay una historia de amistad, fraternidad, admiración, respeto y cariño.Amparanoia Ahora, se cumplen 20 años desde que ella y varios músicos lanzaron «El poder de Machín» (1997), el primero de siete discos (uno de ellos recopilatorio y otro grabado en vivo) bajo el distintivo de Amparanoia —que dejaron de usar en 2008 y al que han vuelto por petición popular—. Para celebrarlo, este viernes sale a la venta «El coro de mi gente», una recopilación de los temas más emblemáticos del grupo, interpretados junto a otros artistas. Todos ellos «amigos», personas con las que ya había trabajado y compartido «vivencias personales y musicales»: «Cada uno ha elegido la canción por motivos personales y por su relación conmigo. Por ejemplo, Jairo Depedr o escogió “Somos viento” porque hicimos juntos un documental en México que también se llama así y en el que esta canción es el eje central. Manu Chao eligió “La noche”, un tema que grabamos juntos y que es el más representativo de nuestras colaboraciones y de nuestra amistad. En “El coro de mi gente”; detrás de cada canción hay una historia de amistad, fraternidad, admiración, respeto y cariño». Cada artista le da un toque especial a las canciones. Muchas veces, las transforman. «Es maravilloso el caso de Fito Cabrales [que interpreta “La Fiesta”]. Nos sorprende a todos porque hace una versión acústica a guitarra y voz, grabada en una toma. Choca porque él tiene un sonido más rock y no te lo esperas. Mari de Chambao se lleva la canción [“Mar Estrecho”] a su terreno. Ellos dos son los que destacan de alguna manera con unas versiones inesperadas. En esta ocasión, no nos hemos esforzado tanto en pensar cómo iba a ser el resultado final, sino que hemos dejado que todo fluya y nos hemos adaptado a lo que pedían los artistas. Ha sido un proceso maravilloso», afirma Amparo. El coro de mi gente Entre las quince canciones que componen el disco, hay una nueva: «El coro de mi gente». Compuesta e interpretada con Macaco, «quizás represente más a la Amparanoia de ahora», que quiere transmitir un mensaje positivo. «Tenemos que hacer propaganda de lo que queremos, no de lo que ya sabemos que tenemos. Yo creo que hay una corriente de humanidad en todo el mundo que apuesta por la paz, la unidad y la positividad. Prefiero quedarme con esos términos, que es lo que me interesa», cuenta la artista, que tampoco duda en asegurar que, «en la parte de la estrofa, también hay una visión de la realidad. Dedicada a los optimistas, a los soñadores, a los buscadores, a los desaparecidos… también refleja el mundo en que vivimos, pero mirando a la revolución que queremos hacia lo que merecemos». Videoclip en que Amparanoia y Macaco interpretan «El coro de mi gente»- YOUTUBE Al igual que en el resto del álbum —donde estilos tan variopintos como la electrónica, la cumbia, el reggae o la salsa se mezclan y se funden—, la nueva canción deja entrever la influencia de la música hispanoamericana, por la que Amparo siempre ha mostrado debilidad: «Al llegar a Madrid vi a Chavela Vargas en directo, salió el disco de música cubana “Buena Vista Social Club”… se juntaron muchos factores. Empezó a llegar otra música a mi vida y yo a sentirme identificada con su manera de comunicar: por la lengua y por los ritmos; porque la sentía muy cercana a nuestra rumba, al ska, al punk… la relacionaba con todo. La humanidad ha estado siempre viajando, así que encuentras puntos en común donde vayas. Me ha pasado en los Balcanes incluso, que es otra cultura diferente. La música es un lenguaje universal y nos une. Y, precisamente, Latinoamérica es una fuente de inspiración inagotable porque hay muchas cosas nuevas». Con la música se paraba el tiempo, mi padre sacaba a bailar a mi madre, se sonreían… todo ya fluía de otra manera. La gente estaba contenta. Amparanoia Aunque, quizás, su fijación por la música latina le venga desde casa. «Mis padres escuchaban mucho a Antonio Machín, quien nos trajo algo de fuera a una España muy gris, en la que todo era muy igual. De pronto, aparecía en la televisión, con sus maracas y su sonrisa. Era increíble», rememora Amparo, quien asegura que la música siempre ha estado muy presente en su hogar: «Tanto en la habitación de mi hermano como en la cocina había un aparato de radio. Recuerdo que desde pequeña me fascinaba ver el efecto que tenía la música en los mayores, cómo cambiaban. Siempre los veía estresados con los horarios, las responsabilidades y las obligaciones; pero con la música pasaba algo: se paraba el tiempo, mi padre sacaba a bailar a mi madre, se sonreían… todo ya fluía de otra manera. La gente estaba contenta. Creo que eso es lo que más me enamoró, aparte de la música en sí». Veinte años de premios En una sala de los estudios madrileños de Warner Music, Amparo continúa repasando la historia de su grupo; un rosario de discos, canciones, experimentos y descubrimientos en el que encuentra un punto de inflexión: el premio que les otorgó la cadena de radio británica BBC en 2005. Aunque asegura que los galardones nunca han sido su objetivo, reconoce: «En ese momento miré hacia atrás: de dónde venía, lo que me costó llegar hasta ahí siendo madre soltera desde muy joven, mi familia, mi música… Sentí felicidad y pensé que algo no habría hecho tan mal cuando me habían dado ese premio». Además, cuenta que a partir de ese momento se le abrieron las puertas de países en los que nunca había estado, nuevos mundos a los que asomar su mirada curiosa. «Vinieron años de girar muchísimo y de disfrutar de ese reconocimiento», dice, echando la vista atrás. En su libro, «La niña y el lobo», Amparo cuenta el infierno que vivió a manos de su expareja, quien la maltrataba Inquieta y emprendedora, cuenta que, a pesar de que la música no le deja mucho tiempo libre, le apasionan la Literatura, leer y escribir; que le interesan las terapias alternativas para conocer cómo la mente afecta a la salud y que lleva «casi tres años estudiando bioneuromoción, una ciencia humanista que relaciona nuestras emociones con las enfermedades». También da charlas sobre su libro, «La niña y el lobo» (2014). Una historia autobográfica sobre la violencia machista en la que narra el infierno que vivió desde los 18 hasta los 24 años junto a su expareja. También cuenta cómo logró hacerse fuerte, cortar con esa situación y salir adelante. «Cuando publiqué el libro, me dije a mi misma: “si sirve solo a una mujer, habrá valido la pena”. Somos muchas las que pasamos por esto y me encanta recibir mensajes de: "esto me da fuerzas para tomar mis decisiones", "eres un ejemplo a seguir"… cosas bonitas que dice alguien que lee una historia que es muy dura». Conciencia social Su experiencia es la que también le empujó el año pasado a viajar al Congo, de la mano de la ONG Alboan, para conocer de cerca la situación de las mujeres que, allí, son víctimas de la violencia sexual (proyecto «Synergie»). Una experiencia de califica de «increíble»: «Vas con la intención de ayudar a esa gente y, cuando vuelves, ves que son ellas las que te han ayudado a ti, las que te han enseñado y te han salvado». Las mujeres que se atreven a denunciar que las han violado acuden a una casa de acogida regentada —solo por mujeres—, donde se les atiende para que salgan «fortalecidas, con una profesión, teniendo claro que son las dueñas de su vida y de su realidad», a pesar de haber pasado por «algo muy duro y traumático». A la vuelta de su viaje, Amparo tenía que hacer una canción, «Mama Africa». «Ellas [las víctimas de la violencia sexual en el Congo] me dijeron que no podía ser triste porque ellas eran supervivientes y no víctimas. Así que hice una canción con ese mensaje», relata la artista, que, ilusionada, declara: «Es una campaña que para mí ya no va a terminar; te quedas ligado para siempre a estas mujeres. Ahora estoy deseando hacer un concierto que vamos a planear a lo largo de este año para seguir recaudando fondos. Y con el corazón prendido, porque es un ejemplo de dignidad, de fuerza, de superación. Hablar del Congo siempre me emociona». Videoclip «Mama Africa»- YOUTUBE
Source : abc.es | 2017-03-31 15:54:39.0
Franco Battiato, Residente, Alpha Blondy, UB 40, Michel Camilo y Tomatito, Rosalía, Rodrigo Leao y Scott Matthew, Juanito Makandé y el Canijo de Jérez, María Gadú y Leyla McCalla son los primeros nombres confirmados para la 23 edición de La Mar de Músicas, el festival de Cartagena que se celebrará del 14 al 22 de julio de 2017. Cuando se configure el programa al completo, cuyas entradas s pondrán a la venta a finales de abril, está previsto que sean más de cincuenta los grupos que se acerquen a este ciclo que, en esta ocasión, tendrá un Especial Sonidos Latinoamericanos con cerca de veinte grupos procedentes de doce países de Iberoamérica. Según explicó el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Cartagena, David Martínez Noguera, para esta edición es que «no nos vamos a ceñir a un país en concreto, sino que hemos querido reunir los diferentes estilos musicales que definen el sonido de América Latina y su cultura, que en muchos aspectos es muy parecida a la nuestra». El viernes 14 de julio, la inauguración correrá cargo de Residente, el exmiembro de Calle 13, que presentará su primer álbum en solitario. Franco Battiato, otro de los grandes reclamos del festival, se acercará a la ciudad murciana el 20 de julio. Michel Camilo y Tomatito darán conocer en directo, el 16 de julio, el exquisito álbum conjunto «Spain Forever», con el que componen la trilogía que comenzaron en 2000. Ese mismo día actuará Rosalía, una de las cantaoras que ha trascendido el mundo del flamenco con el disco «Los Ángeles», grabado junto a Raül Fernández Refree. La veterana banda británica UB40 comparecerá el viernes 21, con su suave sonido reggae. Un género del uno de sus mejores representantes, sobre todo en lo que tiene que ver con su vertiente africana, es Alpha Blondy. El músico de Costa de Marfil actuará el 22 de julio. Más información en la web del festival.
Source : abc.es | 2017-03-29 20:10:50.0
Sting se nos hizo mayor en cuanto empezó a juguetear con orquestas y se rindió a las bondades del pop adulto y mullido, pero la muy rentable gira de reunión de The Police le sirvió de bálsamo rejuvenecedor y desde entonces ahí sigue, pasándoselo en grande entre pellizcos de electricidad, contorsionismo reggae y clásicos revitalizantes. Ni rastro, pues, del oxigenado profeta de lo zen o del dandy del pop perfumado. No están y, de momento, tampoco se les espera. Menos aún ahora que lo que parecía un capricho de escenario se ha colado en el estudio y ha infectado (para bien) la grabación de «57th & 9th», protagonista de una noche en la que sólo los clásicos de The Police rivalizaron con su presente. Así, entretenido en darse esquinazo a sí mismo, el británico regresó a Barcelona siete años después de descorchar su ampulosa aventura sinfónica en la ciudad y, una vez más, volvió a presumir de olfato pop y de energía renovada. Es cierto que su capacidad de convocatoria no hace más que cotizar a la baja y que ha pasado de agotar sin demasiados problemas recintos como el Palau Sant Jordi a conformarse con las 4.620 personas que anoche llenaban el Sant Jordi Club, pero sus bazas siguen siendo las mismas. A saber: voz rasposa como de lija envejecida, una formación de combate poco dada a las florituras y medios tiempos como «Shape Of My Heart» y «Fields Of Gold» estratégicamente situados para modular la intensidad entre chispazo y chispazo. Encantado, pues, con esta terapia de choque que se ha autorrecetado, el británico estrenó gira europea echando mano de The Police con dos rescates de alto voltaje -«Synchronicity II» y «Spirits In The Material World»-, despachó a las primeras de cambió una fibrosa y ruda versión de «Englishman In New York» y se pasó buena parte de la noche intentando demostrar que el reciente «57th & 9th» es de lo mejorcito que ha grabado en los últimos años. Un extremo difícil de creer viéndole medirse con medianías como «I Hung My Head» y «Down, Down, Down» aunque no tan descabellado cuando llegaba el turno de «I Can’t Stop Thinking About You» y «50.000» y todo, desde el estribillo a las ganas, parecía estar en su sitio. El fantasma de Bowie apareció en el escenario para aletear tras «Message In A Bottle» y capitanear una versión acorazada de «Ashes To Ashes», prólogo de lo que buena parte del público estaba esperando desde que sonaron los primeros acordes de «Walking On The Moon» y se abrió la veda a los grandes éxitos de The Police. Una ventana con vistas al pasado por la que desfilaron, frescas y lozanas, «So Lonely» y una kilométrica «Roxanne» -también se coló por ahí una «Desert Rose» con sobredosis de exotismo- y que, ya sin frenos, abrazó en los bises los laureles del pop efervescente con «Next To You», «Every Breath You Take» y una desnuda «The Empty Chair». Lo dicho: terapia de choque para retornar al pop y quitarse unos cuantos años de encima.
Source : abc.es | 2017-03-22 11:52:42.0
El artista español que más ha marcado el último lustro de éxitos musicales en España no ha sido Pablo Alborán ni David Bisbal. El cantante y DJ Juan Magán, máximo exponente nacional del reguetón y el electro latino, ha colocado en los últimos años más canciones que ningún compatriota entre la lista de éxitos más vendidos en España. Este sábado ofrecerá un concierto en Madrid, el domingo en Barcelona, y el próximo fin de semana en La Coruña y Bilbao. Juan Magán, autor de «Bailando por ahí» y «Se vuelve loca», ha situado canciones en el top 50 todos los años desde 2008, a excepción de 2010, según el ranking elaborado por Promusicae, la asociación de productores musicales. En los últimos cinco años, 14 canciones. En 2012 y 2015 situó cuatro éxitos cada año. El año pasado, otros dos. En los últimos dos años se ha escuchado más reguetón que nunca en la última década en España. Una música de origen caribeño, influido por el reggae y el hip hop, con frecuente producción electrónica. En 2015, de las 50 canciones más vendidas, 22 eran reguetón puro o mezclado, entre ellas la número uno, «El Perdón», de Nikki Jam y Enrique Iglesias. En 2016, la cifra bajó hasta 17 canciones del top 50; aunque repitió número uno, de nuevo Enrique Iglesias, esta vez con Wisin, en «Duele el corazón». Desde 2012 ha habido 70 canciones de reguetón puro o mezclado en el top 50, mientras que, por ejemplo, del flamenco solo hay 13 de esas 250 obras. Descontando el omnipresente pop, en todas sus formas, y el rock, en todas sus variantes, solo el dance y el house, combinado con todo, ha triunfado más que el reguetón en España. Juan Magán, a pesar de ser el más presente, no ha conseguido situar ninguno de sus hits en el primer puesto. El cantante Enrique Iglesias, por el contrario, ha logrado colocar tres números uno, consecutivos los tres últimos años, siempre acompañado de artistas de reguetón: «Bailando» (2014, con Gente de Zona y Descember Bueno); «El perdón» (2015, con Nicky Jam); y «Duele el corazón» (2016, con Wisin). Ningún otro artista, nacional ni internacional, tiene más de un número uno en la última década. Enrique Iglesias y Juan Magán colaboraron juntos en «Noche y de día», uno de los éxitos de 2014. Ningún artista internacional supera tampoco a Magán en presencias en el top 50. El segundo puesto es para el músico y cantante de reguetón y electro pop Pitbull, de Miami con origen cubano, con diez canciones. Empata en número con el pop, la copla y el flamenco del malagueño Pablo Alborán. Les siguen, también al margen del reguetón, David Guetta, Rihanna y Justin Bieber. Después, artistas latinos que se han mezclado en mayor o menor medida con el reguetón: Marc Anthony (cantó «La gozadera» con Gente de Zona); Enrique Iglesias (sus últimos éxitos son puro reguetón), J Balvin («Si necesitas reguetón, dale», canta en «Ginza») o Shakira, que ha combinado con reguetoneros como el colombiano Maluma en «Chantaje».
Source : abc.es | 2017-03-16 20:35:00.0

Un año después de ser campeón de la liga de fútbol nacional por primera vez, Panamá Viejo FC desapareció. No descendió a segunda división ni cambió de nombre o de barrio. Se esfumó. Cual estrella anónima en el firmamento, se extinguió sin despedidas ni homenajes.

No había mucho qué hacer tampoco. Las bancarrotas apenas si dejan el tiempo justo para liquidar. Y así ocurrió con Panamá Viejo FC.

Otro equipo de primera división, Tauro FC, adquirió a los jugadores que le interesaban. Los demás tuvieron el camino libre para buscar nuevos contratos. Como Blas Pérez, por ejemplo, quien obtuvo su primer título nacional con Panamá Viejo en 2001 y que ante el descalabro se fue al Árabe Unido de Colón.

No se puede decir que la bancarrota llegó por sorpresa. El dueño del equipo panamaviejero era Roberto Mock, un hombre que tenía un puesto de frutas en un solar al comienzo de calle Primera, frente al océano Pacífico. También tenía una empresa de fletes y acarreos, pero en el histórico barrio lo conocían por sus naranjas y guayabas.

La absorción por el Tauro, gestionada por el hijo de Mock –quien fungía como presidente del club– suponía la desaparición definitiva de Panamá Viejo FC. Hasta ahora. Paulino Mitre, un empresario y cantante de reggae en español, decidió revivir el equipo, que hoy juega en segunda división. No es la misma franquicia, pero lleva el nombre del barrio, utilizan los mismos colores y se representan con un logo bastante similar.

La resurrección del Panamá Viejo FC se construyó en familia. Rodney Ramos era el jugador creación en el equipo ya extinto. Llevaba el número 10 en su espalda y fue quien anotó el gol que les dio su primer y único título nacional. 15 años después, su hijo, con el mismo nombre, le tocó marcar el tanto en la copa distritorial que los llevó a segunda división. Es la magia del fútbol.

UN BARRIO DE HISTORIA

Panamá Viejo fue la primera ciudad europea en el Pacífico. Fue fundada en 1519 bajo el nombre de Nuestra Señora de la Asunción. Sirvió como punto estratégico para las riquezas que venían arrebatadas desde Perú. De allí, las montaban en mulas, cruzaban 80 kilómetros en medio de la jungla espesa hasta llegar a Nombre de Dios, en el Atlántico, donde las cargaban a algún barco rumbo a España.

En 1671, la ciudad se incendió como consecuencia del ataque del pirata británico Henry Morgan, quien saqueó lo que pudo y abandonó el lugar un mes después. Dos años más tarde, los españoles fundaron una nueva ciudad a ocho kilómetros al oeste. Amurallada, esta vez. Y del viejo asentamiento solo quedaron las ruinas.

Pasaron los siglos y la ciudad de Panamá se expandió. A mediados del siglo XX, fue repoblada el área de la ciudad abandonada. Esta vez con gente pobre, que construyó unos cuantos caserones al lado del patrimonio histórico mundial.

Con los años vinieron las calles y las avenidas. Y también el fútbol.

El equipo Panamá Viejo FC se fundó alrededor de 1985 de la mano del oncólogo Álvaro Aguilar. El médico volvió aquel año de estudiar en España. Allá, cuenta, participó en cuanta liga de fútbol pudo. Regresó con un cocker spaniel, ese perro de orejas largas y pelo sedoso. Aduana lo envió a hacer cuarentena en Panamá Viejo. Aguilar, que vivía en Betania, fue a buscar un día a su can cuando vio a un grupo de jóvenes jugar fútbol entre las ruinas de la mítica ciudad. Se acercó, le gustó lo que vio y habló con otros dos hombres que observaban el partido. Les comentó que había talento, que había que hacer un equipo. “Hazlo tú, entonces”, recuerda Aguilar que le contestaron aquella tarde.

Ese día también nació el apodo del equipo. “Recuerdo que jugaban entre las ruinas y de repente aparecían cangrejos, con ese movimiento singular de ellos: salen, se entierran y aparecen por otro lado. Parecido a lo que hacían los muchachos con el balón. Por eso les comenzamos a decir los cangrejeros”, dice el oncólogo.

Pasaron los años y el club jugaba sin pena ni gloria. Hasta que llegó a la primera división de la Asociación Nacional Pro Fútbol (Anaprof) en 1990. Allí se mantuvo por varios años. A veces clasificaba a la segunda ronda de la liga. Pero hasta ahí. El equipo estaba conformado en su mayoría por gente del barrio, como casi todos los equipos del fútbol panameño en esa época.

Y de repente: problemas. Había rebeldía y hasta rumores de narcotráfico. Aguilar primero hizo una purga. Pero siguieron los conflictos. Un día le lanzaron un botín a la cara. Entonces optó por vender el club. En 1995, Roberto Mock lo compró.

Mock era de Panamá Viejo y su esposa también. Tenían la empresa de fletes y acarreos y la frutería frente al mar, con lo que supuso podría hacerse cargo de un equipo de fútbol de primera división. Lo que no tenía era tiempo, por lo que fue su hijo, Roberto Tito Mock, quien asumió la presidencia del club.

Por aquella época, el equipo costaba unos $3 mil mensuales. Casi todo se gastaba en salarios de jugadores: entre $25 y $50 por partido. La mayor parte salía de lo que aportaban los patrocinadores, que por entonces eran $15 mil anuales.

Un año después de asumir Mock, en 1996, hubo otro problema de disciplina, lo que finalmente provocó cambios. El presidente de Panamá Viejo le propuso dirigir el equipo a Gary Stempel, un británico/panameño que había estudiado educación física en Inglaterra y que se había especializado en fútbol comunitario.

Stempel acababa de llegar a Panamá a probar suerte como director técnico, después de varios años de trabajo con jóvenes ingleses. Su proyecto proponía incorporar a la comunidad un equipo e intentar cambiar la mentalidad de los pequeños futbolistas. Y a Mock le encantó la idea. El camino hacia el título comenzaba a tomar forma.

CAMINO A LA GLORIA

Durante el tiempo entre la final y el día que asumió Stempel hubo muchos cambios. Por ejemplo, dejaron de entrenar entre las ruinas de la primera ciudad europea en el Pacífico americano, donde en más de una ocasión un jugador se cayó y se rompió la cabeza con las históricas piedras. Su nuevo lugar para practicar era la cancha de la Universidad Santa María la Antigua.

En los dos escenarios, Stempel siempre se encargó de llevar a jugadores en su automóvil, un Hyundai Accent de segunda mano. “Recuerdo que metía como a seis jugadores y los iba llevando a cada uno a sus casas”, dice.

También comenzaron a contratar jugadores que no fueran del barrio: Ricardo Patón Phillips, Alberto Blanco, Anel Canales, Juan de Dios Pérez, Víctor Herrera Piggot, Óscar McFarlane y Blas Pérez. Este último, quien jugaría después en Colombia, España y Estados Unidos se convertiría en el segundo mayor goleador de la selección de Panamá.

Pero el equipo mantenía la esencia del barrio. El capitán era Juan José Julio, la recuperación en la media era asunto de Gary Ramos; y la creación, de su hermano, Rodney Ramos.

Desde pequeño, Rodney Ramos siempre fue un referente del fútbol en Panamá Viejo. Cuando todavía no estaba marcada la cancha en calle 5ta., justo a un lado de los vestigios de lo que otrora fuera el convento de San Francisco, jugaba con los vecinos en un solar detrás del antiguo convento de la Concepción. Por aquellos días el mejor era Chimbo, quien nunca jugó fútbol profesional y de quien pocos recuerdan su nombre real. Pero Ramos ya daba muestra de su talento: la pisaba, jugaba con la cabeza levantada, sabía leer el fútbol.

“Era un jugador honesto, un zurdo educado. Tenía mucha visión, mucha calidad. Siempre cumplió en la cancha, nunca llegó tarde, nunca faltó a un entrenamiento, siempre siguió instrucciones. He tenido la suerte de trabajar con miles de jugadores en Panamá. El más serio y profesional fue Rodney”, dice Stempel, quien ha sido director de todas las categorías juveniles panameñas, además de entrenar al San Francisco FC.

Por eso Ramos se convirtió en el 10 de Panamá Viejo FC; el 10 cangrejero. Era un especialista en los balones parados: anotó tres goles olímpicos en la Anaprof. Por eso le tocó cobrar el penal que le dio el único título a su club.

Aunque dicen, Mock y Stempel, que ese no fue el primero ni el único. En 1999, los cangrejeros ganaron un título extraño: ese año, la liga panameña quiso dividir el torneo anual en dos. Un apertura y un clausura. Panamá Viejo ganó el apertura, pero el clausura nunca se jugó. La liga prefirió volver a instalar el torneo largo, por lo que en las estadísticas oficiales aparece el Tauro como el campeón de la temporada 1999-2000.

La final de aquel extraño apertura fue casualmente contra el Tauro, que ganó Panamá Viejo por 2 a 0. Aquel día, recuerda Stempel, fueron a celebrar a las oficinas de Romosa, la empresa de fletes de los Mock, que estaba frente a Costa del Este, muy cerca del barrio Puente del Rey. “De repente se escucha una balacera muy cerca de allí. Todo el mundo se echó al piso. Después llegó la Dirección de Investigación Judicial. Fue mi primera balacera en Panamá. Mi bienvenida”, asegura.

Gracias a ese título, Panamá Viejo jugó la liga de campeones centroamericana. Le ganó al Saprissa de Costa Rica y avanzó hasta segunda ronda.

El torneo siguiente lo ganó el Tauro. Y entonces, la hazaña.

PROEZA CANGREJERA

Aquel 4 de febrero de 2001, el primer tiempo terminó a favor de Panamá Viejo 3 a 1. Dos goles de Erick Martínez y uno de Phillips para los cangrejeros; Luis Parra, el campeón goleador del torneo, para Tauro.

El estadio lucía verde y amarillo, los colores de Panamá Viejo. Casi tres cuartos de los fanáticos que fueron ese día eran cangrejeros. “Recuerdo ese partido por la emoción y la expectativa del barrio. Hubo un señor que pintó su casa de verde y amarillo con un cangrejo en la parte de adelante”, recuerda Stempel. El éxtasis era tanto, que habían opacado a los seguidores del Tauro, de Pedregal, un barrio mucho más grande que Panamá Viejo, y cuyo equipo ya poseía cinco títulos. En ese momento era el club más ganador del fútbol panameño. La clásica historia de David contra Goliat.

En el segundo tiempo, el gigante despertó, y con otro gol de penal de Parra y un tanto de Mario Méndez, el Tauro empató el encuentro y obligó a jugar tiempos complementarios. Aquel año, la liga introdujo otro cambio en el formato y estaba a prueba el llamado gol de oro. Una especie de muerte súbita: en el momento que un equipo anotara, allí mismo acababa el partido.

Y Panamá Viejo salió a la carga. Phillips remató desde fuera del área chica con una volea que rozó el poste derecho; Ramos cobró un tiro de esquina que pegó en el travesaño. “Mira este gol olímpico”, cuenta Ramos que le advirtió al juez de línea. Panamá Viejo avisaba.

Cuando faltaban apenas unos minutos para que terminara el primer tiempo extra, Ramos le puso un pase por arriba de la defensa a Blas Pérez, quien dominó el balón dentro del área rival y luego fue derribado. Penal. Enseguida, Ramos tomó el balón. El tiro era suyo y de nadie más.

“Todo el mundo quería patearlo. Yo tomé la bola y les dije que yo lo iba a patear. El día anterior habíamos hecho un torneo de penales, en el que eliminábamos al que fallaba, y yo lo gané. Por eso tomé la responsabilidad. [Óscar] McFarlane (arquero del equipo) quería patearlo. Estaba como desesperado. Y para ese momento se necesitaba calma. Yo no estaba nervioso. Todos los años que jugué Anaprof (12 años), solamente fallé un penal”, narra Ramos sobre ese momento.

Tomó carrera e hizo una pausa antes de patearlo. Vio que el arquero rival dio un paso hacia su derecha, así que remató hacia su izquierda. O a la derecha, si el lector prefiere visualizarlo desde atrás del arquero. Intentó llegar, pero aquel paso no le permitió alcanzar la pelota. El estadio estalló con el gol: Panamá Viejo, un barrio ínfimo, un equipo sin recursos, conseguía el máximo título del fútbol nacional.

El final no podía ser de otra manera. “Si alguien hubiera escrito una novela del equipo, de cómo un equipo de un pueblo chico ganó un campeonato, el triunfo tendría que ser con gol de Rodney. Y así sucedió. Se cumplió el romance. No había más nadie para anotar ese gol. Su papá tenía todos los recortes de periódicos del equipo guardados. Sabía cada evento, cada historia. La familia Ramos era y es Panamá Viejo”, asegura Stempel.

Afuera del estadio apareció entonces una especie de camión de Romosa. Allí subieron jugadores y fanáticos y fueron en caravana hacia Panamá Viejo, donde los pocos que no fueron al estadio los recibieron como héroes.

La euforia no duró mucho. Al comienzo de la siguiente temporada ya había rumores de la crisis económica del equipo, que luego se evidenció con algunas quincenas que se pagaron tarde. El equipo no asimiló el ambiente en lo futbolístico y no jugó bien. Hasta que llegó la noticia: al final de la temporada, serían absorbidos por el Tauro, que contrataría a los jugadores que le gustaban, y el resto tenía que resolver por su cuenta. Del cielo al infierno.

“He tenido muchos dolores en el fútbol panameño, pero ese ha sido el más grande. Ese equipo estaba para muchas más cosas, para cosas grandes”, afirma Stempel.

Mock explica el descalabro de la siguiente forma: “primero le cayó una demanda laboral a la empresa y luego una demanda civil a mí. No había ni dinero ni tiempo para esos problemas”.

Mock era amigo de varios de los accionistas del Tauro, quienes le propusieron asumir parte de la deuda del equipo a cambio de su absorción. Mock, incluso, se convirtió en el quinto accionista del Tauro. “Al final de la primera temporada después de la fusión, faltó dinero y los socios tenían que poner su cuota: $3 mil cada uno. Yo puse lo mío y les avisé que me saldría”, narra Mock.

LA RESURRECCIÓN

Panamá Viejo FC no desapareció en espíritu después del desastre. Eduardo Ponce, un panamaviejero fanático de fútbol que manejaba un taxi, organizó un equipo de futsal. Se llamaba Ambar FC, pero representaba al barrio. Usaba sus colores y era alentado por la misma fanaticada.

Pasaron varios años así hasta que Paulino Mitre –conocido en el mundo artístico como Linopau– decidió armar un equipo que jugara en la liga distritorial. Para ello llamó a los Ramos: Rodney Ramos (padre) sería el técnico, y el hijo sería el 10, el jugador insignia.

Mitre, un cantante de reggae, se asoció con su disquera, un diputado de gobierno y otro de oposición y financiaron al equipo.

El nuevo Panamá Viejo FC logró su clasificación a segunda división en un partido que le ganó por 2 a 0 a River Plate. El primer gol fue tras un pase de Rodney Ramos, hijo. El segundo, el propio Ramos remató con fuerza un balón que despejó la defensa y lo clavó en la escuadra.

Por requisitos de la segunda división, Ramos padre dejó de ser el técnico. El equipo se ubica hoy en la mitad de la tabla.

En la liga satelital, una especie de torneo alterno en el que participan juntos la primera y la segunda división, Panamá Viejo está en semifinales. Para ello eliminó al Tauro en penales. El último lo cobró Rodney Ramos, hijo. En este fútbol hay cosas que no cambian.

Source : prensa.com | 2017-03-12 06:05:00.0
Joaquín Sabina es uno de esos autores que no deja indiferente a nadie, que arrastra multitudes a golpe de versos –aquí y allende los mares– y que provoca titulares con cada declaración. Así que la publicación de su decimoctavo disco de estudio, «Lo niego todo» –a la venta el 24 de marzo–, merecía una buena puesta en escena. En las oficinas de Sony en Madrid se reunió el pasado jueves a una serie de invitados para saborear estas nuevas canciones, con la presencia del propio autor, quien explicó que se ha rodeado de gente nueva, especialmente Leiva –también agradeció la ayuda en las letras de su colaborador habitual, Benjamín Prado– porque «a mis musas les habían salido varices y les olía ya el aliento». «Hacía mucho que no sentía este entusiasmo», señaló. Tanta es su alegría que reconoció que, al contrario que otras canciones, donde no lograba materializar lo que tenía en la cabeza, con estas «no solo no me da vergüenza escucharlas, sino que estoy muy orgulloso de compartirlas». A continuación pasamos a analizarlas una a una. «Quién más, quién menos» Abre el álbum con el tono intimista y confesional que impera en el álbum. «Mi espada de Damocles era afilada,/ cortaba en dos mitades la madrugada,/ un pie en el tango y otro en el más allá», nos dice. En este comienzo se nota mucho el gusto «americano» de Leiva, guitarra «slide» incluida. «No tan deprisa» El ritmo es más vivo, abandona el aire confesional y Leiva toma también un protagonismo especial a través de la producción. La música no está tanto al servicio de la voz, sino que parece más el trabajo de una banda. Además del aire americano, hay cierto swing bluesero, como no podía ser menos en un explícito homenaje a J. J. Cale. En la letra, se alternan ripios y aciertos: «Cose mi estrella en la bandera del desertor»; «vendo una rima/ cámbiame el clima». «Lo niego todo» Primer single y tema apropiado para emocionar a sus fans. La nostalgia impregna la canción, con un piano que acentúa esa tristeza. Se van añadiendo arreglos que dan esa impresión de «crescendo» que, lógicamente, aumentan el impacto emocional. Sabina se retrata negando estereotipos, y habla de lo innombrable, de Hacienda: «He defraudado a todos/ empezando por mí». «Postdata» Otra vez el tono crepuscular, pero ahora con música tex-mex y ambiente de verbena popular, como para bailar «agarrado pero sin apretar». Describe un desamor con esos versos clásicos «sabinianos»: «De tanto ser felices se me olvidó quererte»; «ni tú eras para tanto ni yo soy para ti»; «cuando te haya olvidado aún te echaré de menos» «Lágrimas de mármol». Segundo single y una magnífica letra crepuscular. La voz llega justita y saca a colación enfermedades pasadas: «Dejé de hacerme selfies al ombligo/ cuando el ictus lanzó su globo sonda». Es preciso en sus descripciones: «El futuro es cada vez más breve y la resaca más larga». Deja el último verso, «si me tocó bailar con la más fea,/ viví para cantarlo» como un torero dando un último muletazo. «Leningrado» En este momento se recupera al Sabina vividor. Narra una conquista en un lugar tan improbable como la antigua Unión Soviética: «Me doctoré en tus labios de pasión/ en una sórdida pensión de Leningrado». Quizás sea todo una metáfora: «Porque la revolución/ tenía un talón de Aquiles al portador». «Canción de primavera» El paso del tiempo es de nuevo protagonista, pero vuelve el «estereotipo» de depredador sexual: «Conseguí llegar a viejo verde mendigando amor/ ¿qué esperabas de un pendejo como yo?»; «si se te olvidan las bragas/ en mis últimos jardines/ te regalo una biznaga de jazmines». Es un tema menos pop, y con la música puesta al servicio del fraseo peculiar de Sabina. «Sin pena ni gloria» Aquí se impone el poeta de toda la vida, en música y letra, con versos de nuevo en primera persona, hablando de todo y de nada: «Mientras subo del abismo/ mientras el miedo se enfría,/ mientras solo soy yo mismo/ de cara a la galería». «Las noches de domingo acaban mal» Vuelven los aires rockeros. Sabina utiliza el recurso de describir cada día de la semana con el humor que le es característico: «Algunos lunes duran todo el año/ algunos martes soy un animal/ los miércoles son húmedos y extraños/ de algunos jueves es mejor no hablar/ lo viernes dan películas de miedo/ los sábados te vas y yo me quedo...». «¿Qué estoy haciendo aquí?» Quizás la mayor sorpresa por el género escogido para vestir la canción: reggae. Describe varios personajes urbanos, entre ellos un bróker que «juega al primer toque con el Dow Jones, el Ibex y el Nikkei», y una pareja de relación tóxica: «Encarna y Charly han vuelto a las andadas/ vaciando una botella de coñac./ Se gritan porque ya no hay nada que hablar./ Al alba Encarna llora en la comisaría/ su ojo es una mancha de sandía». Temática dura para esos aires caribeños. «Churumbelas» A ritmo de una rumba que recuerda muy obviamente a «19 días y 500 noches», nos encontramos con la canción más fresca y divertida: «Yo que espío desde mi ventana/ cada mañana a las sultanas de Lavapiés/ me estoy muriendo de ganas/ de casarme con las tres». «Por delicadeza» Leiva comparte micrófono con Sabina en esta balada que cuenta la típica historia de desamor, sello inconfundible de la casa: «Ayer te quise por amor al arte, hoy por delicadeza». Un final apropiado.
Source : abc.es | 2017-02-18 01:22:40.0
Niega él mismo que sea el Bob Dylan español, pero Joaquín Sabina es uno de esos autores que no deja indiferente a nadie. Y menos a su sello discográfico, Sony, que sabe que tiene en sus filas a un músico muy especial, a una gema que hay que tratar con mimo. Así que este jueves organizaron en sus oficinas una escucha del disco, a un mes de su publicación, con un puñado de selectos invitados y la presencia del propio autor, que apareció como un fantasma a mitad del proceso auditivo y, una vez finalizado este, dijo unas palabras que supieron a poco en lo extenso, pero a mucho en el contenido. Al igual que en las letras de sus canciones, Sabina siempre sabe resumir toda una filosofía en una o dos frases. Según el de Úbeda, «las canciones deberían explicarse por sí solas», así que se limitó a explicar un poco el proceso de realización de su obra, y su agradecimiento infinito a Benjamín Prado y Leiva, grandes artífices, junto a él mismo, de este disco. Su mayor ilusión ha sido encontrarse renovado: «A mis musas le habían salido varices y les olía ya el aliento», así que apostó por «gente más joven». Y, por lo que se ve, el resultado ha sido satisfactorio: «Hacía mucho que no sentía este entusiasmo», avisó. Su esperanza es que esta «felicidad creadora» sea contagiosa: «Ojalá hayamos podido transmitirla». Tanta es su alegría que reconoció que, al contrario que otras canciones, donde no lograba materializar lo que tenía en la cabeza, con estas «no solo no me da vergüenza escucharlas, sino que estoy muy orgulloso de compartirlas». «Lo niego todo», que saldrá a la venta el 10 de marzo, se compone de doce canciones. Dos de ellas ya se han dado a conocer: la que da título al álbum y «Lágrimas de mármol». La primera dio bastante que hablar: un Sabina intimista se retrataba abjurando de todas las definiciones que circulan por ahí acerca de su persona. Además, su referencia al fisco sirvió para dar contenido a aquellos que se declaran sus enemigos. Por su parte, «Lágrimas de mármol» también se recreaba en la parte de los sentimientos propios, bañados en nostalgia: «El tren de ayer se aleja, el tiempo pasa, / la vida alrededor ya no es tan mía, / desde el observatorio de mi casa / la fiesta se resfría». Pero no se trata de un álbum de recreación personalista (enseguida hay quien ha identificado este trabajo como de despedida), aunque es el tono que impera, con temas como «Quien más quien menos» o «Canción de primavera». También encontramos las historias canallas de siempre. Los recuerdos de la aventura sexual efímera, aunque sea en un lugar tan poco propicio como la antigua Unión Soviética («Leningrado»); el clásico desamor («Postdata»); la divertida historia de tres gitanas de Lavapiés («Churumbelas»); o un sorprendente reggae de contenido social («¿Qué estoy haciendo aquí?»). La mano de Leiva se deja notar en ese aire americano, acentuado por alguna guitarra slide, pero también suena al Sabina de siempre, con su fraseo, su voz cascada, su guiño personal, y esos versos que de vez en cuando le salen castizos y redondos: «Yo que espío desde mi ventana / cada mañana a las sultanas de Lavapiés / me estoy muriendo de ganas / de casarme con la tres».
Source : abc.es | 2017-02-17 13:15:39.0
Este lunes 6 de febrero Robert Nesta Marley Booker, más conocido como Bob Marley, la leyenda del ...
Source : terra.com.ar | 2017-02-06 19:57:24.0
El músico francés de padres gallegos, Manu Chao, ha lanzado tres nuevas canciones a un tiempo: «No solo en China hay futuro», «Words of Truth» y «Moonlight Avenue», esta última con la colaboración de la actriz griega Klelia Renesi, bautizando al dúo con el nombre de Ti.Po.Ta. Todas ellas se pueden descargar de forma gratuita en la página web de Manu Chao. El anterior trabajo del exlíder de Mano Negra y pionero de la fusión entre el rock, el reggae, la rumba, el pop y otros estilos de procedencia sudamericana, es «La Radiolina», de 2007. Así que estas tres calmadas canciones podrían formar parte de un nuevo disco o, incluso de dos (uno de ellos bajo el nombre de Ti.Po.Ta. Las imágenes que se contemplan en el videoclip de «No solo en China hay futuro» fueron rodadas en un bar de Barcelona, durante una celebración vecinal, y representan un canto a la amistad, según informa la revista «Billboard».
Source : abc.es | 2017-01-24 00:49:36.0
Jenny and the Mexicats es una banda multicultural que reúne a Jenny (inglesa), Icho y Pantera (mexicanos) y David (español) para crear perfectos ritmos de jazz, rockabilly, folk, flamenco y reggae que aderezan con cálidas sonoridades latinas, llevándonos en un instante de México a Jamaica y de Londres al Caribe.
Source : europapress.es | 2017-01-22 11:15:21.0
El cantante africano de reggae Alpha Blondy y el teclista británico Georgie Fame actuarán en la segunda edición del BBK Music Legends Festival, que se celebrará los días 2 y 3 de junio en el municipio vizcaíno de Sondica. La organización del festival ha informado hoy de la incorporación de estos artistas, que se suman a un cartel encabezado por el músico irlandés Van Morrison. El cantante costamarfileño Alpha Blondy, que actuará en Sondika con su grupo The Solar System -doce músicos originarios de Barbados, Francia, Costa de Marfil y Jamaica-, es una de las leyendas del reggae contemporáneo y uno de los mayores exponentes mundiales de los sonidos 'roots' de las últimas décadas. El británico Georgie Fame, un precursor de los sonidos pop y rhythm and blues de los primeros años sesenta que cristalizaron con grupos como los Beatles y los Rolling Stones, y quien ha compartido escenario con otras leyendas como Muddy Waters, Gene Vincent y Eddie Cochran, desempeñó durante 12 años -de 1992 a 2004- funciones de director musical de la banda de Van Morrison. «El león de Belfast» será precisamente el cabeza de cartel de la segunda edición del BBK Music Legends Festival, que en su primera cita, en 2016, contó con Jethro Tull, Graham Nash, Bob Geldof, Los Lobos, Elliott Murphy & Band, David Lindley y Nina Hagen, entre otros. El festival, que se celebra en el Centro Ola BBK, tiene su origen en el ciclo de conciertos Music Legends, que desde 2011 ha llevado a la Sala BBK de Bilbao a artistas como John Mayall, Eric Burdon, Dr. John, Allen Toussaint, Johnny Winter, Marianne Faithfull, Ten Years After y Bob Geldof.
Source : abc.es | 2017-01-09 12:17:43.0
Año 1977, el del jubileo de plata de Isabel II de Inglaterra. Un tipo llamado Gordon Matthew Sumner, más conocido como Sting en los garitos, camina hacia la oficina de empleo de la calle Lisson Grove (Londres). Cuando pasa junto a una casa victoriana repara en un Bentley negro con chófer de librea. Del auto se bajan Sid Vicious, Johnny Rotten y Steve Jones, tres de los miembros de los Sex Pistols, con sus pantalones de cuero y su pelo de punta. El cuarto, el batería Paul Cook, está asomado a una ventana del citado edificio. «Iban muy pasados de vueltas, bebiendo latas de cerveza y gritándole a Paul, que parecía divertirse con sus payasadas», recuerda Sting en su autobiografía, Broken Music (Ediciones B). «Si hubiera tenido una cámara de fotos habría captado un retrato perfecto de Gran Bretaña en el año del jubileo, con sus irónicas contradicciones y sus díscolos e hilarantes retoños. Me gustaban los Pistols. Lo único que les envidiaba era que ellos no tenían que ir a firmar el paro aquel día y yo sí». Sting (Wallsend, Inglaterra, 1951), líder de The Police, tal vez la banda más exitosa de la década de los 80, tiene hoy aún menos que envidiar a aquellos gamberros cuya gloria fue una luz de bengala (en especial Sid Vicious, muerto de una sobredosis de heroína en 1979, a los 21 años de edad), aunque a finales de los 70 casi todos querían ser como ellos. Por ejemplo, Stewart Copeland, percusionista y auténtico fundador de The Police. «Le entusiasmaba el punk, músicos sin formación que desdeñaban la delicadeza y la técnica para decantarse por una energía pura y sin aditivos», escribe Sting. «Decía que quería formar parte de aquello, que iba a ser como una ola que se llevaría por delante todo lo demás». El carismático Sting pensó que «enarbolar la bandera de la oportunidad» para asaltar la industria discográfica era plausible. Copeland había escrito dos temas que podrían entrar en el canon punk: Fall Out y Nothing Achieving, adaptadas al pulso anfetamínico de su batería. Next to You, que abre el álbum de su debut, Outlandos d’Amour, tiene raíces punk. Pero ahí se acabaron las bromas. En agosto de 1977, en el festival de Mont-de-Marsan (Francia), Sting y sus socios patinaron porque «el público, que prefiere a los grupos de estricta observancia punk, les consideró poco menos que unos impostores que pretenden subirse al carro», señala Joan Sardá en su libro The Police (Ediciones Robinbook). Sting está a punto de componer Roxanne, «una canción romántica de amor (un anatema en aquellos momentos)», que iba a cambiar la historia de la banda. New wave, reggae blanco... Qué más da la etiqueta. The Police entró en órbita gracias al talento de Sting, la mezcla de ritmos jamaicanos con el pop-rock británico y el olfato de Miles Copeland, hermano de Stewart y mánager del grupo. El dinero y la posteridad estaban en la traición al nihilismo punk, en dejarse de postureos: eso lo entendió también The Clash, abanderado del movimiento cuyo London Calling (1979) está considerado uno de los mejores discos de la historia. Los tres acordes, los berridos y las crestas de colores no rentaban. De los rescoldos surgieron nombres (cada uno en su estilo) como Elvis Costello, Blondie, Siouxsie and the Banshees, The Cure y The Pretenders, por citar unos pocos. Chrissie Hynde (Akron, Ohio, 1951) en su incendiaria autobiografía A todo riesgo. Memorias airadas de una Pretender (Malpaso) habla de aquellos tiempos tempestuosos que precedieron al éxito, del atracón de juergas y drogas y de su relación con los Sex Pistols. Casi se convierte en la señora de Sid Vicious antes de la relación de este con Nancy Spungen, una groupie a la que Hynde despreciaba. En su opinión, había convertido al gurú del punk en un «calzonazos encoñado». «Todo había ocurrido demasiado rápido para Sid. La fama, las drogas y Nancy se habían fusionado en una sola cosa. La cara de Sid había terminado siendo una versión pringosa y distorsionada de sí misma», describe. El 12 de octubre de 1978 Spungen apareció muerta con una puñalada en el abdomen. Tenía veinte años. Vicious fue acusado de asesinato. El «caballo» se lo llevó sin que mediara juicio. Y el pálido y desgarbado guitarrista James Honeyman-Scott, antes de morir de una sobredosis de cocaína -otro hijo de su época-, rescató a Chrissie Hynde de la fiebre punk para escribir la historia grande de Pretenders.
Source : abc.es | 2017-01-02 00:16:03.0
Nel, el Chopo no necesita, aún, comunity manager; menos un planner, y quienes piensan sólo en un target dress code, no son choperos de abolengo. El Tianguis del Chopo no sólo es una plaza trendy en boga para millennials in put, también es un espacio rocanrolero con compromisos culturales; es un lugar clásico de la cultura alternativa, subterránea, no es una startup; es una propuesta nacida y mantenida durante más de 30 años por artistas de diversas expresiones creativas y sostenida por las diferentes culturas juveniles surgidas en ese mismo lapso: chavos seguidores del new wave, punk, hard, metal, progresivo, dark, posjipismo, rupestre, pop, reggae, poesía, teatro, fotografía, performance, literatura, periodismo, cine y toda la parafernalia rockera. Es la guarida/fortaleza/escaparate de grupos de rock de todas las tendencias sonoras, igual, de chavos que cada sábado salen de su barrio con estrafalarios atuendos roqueros, vestimenta indispensable de un ritual a veces heredado que sirve de carta de identificación para toparse, sin bronca, con cuates de otras colonias, pero con la misma onda, o para ligar alguna morra para ir a chelear al UTA después de pirarse del tianguis a eso de las cinco de la tarde.
Source : La Jornada | 2016-12-31 07:50:04.0
Tres años después de Al sur de la luna, Little Pepe está de vuelta con Templao (Boa/Germaica Iberia), un nuevo álbum repleto de luz y ritmos de todos los colores para llevar su mensaje de amor y vida desde su Málaga natal hasta el más alejado confín.
Source : europapress.es | 2016-12-30 14:30:43.0
El Centro Cultural Mexiquense Bicentenario (CCMB) en Texcoco se convirtió en un espacio para jóvenes con la realización del Festival de Arte Urbano, que desde el 3 y hasta el 10 de diciembre da cauce a 96 actividades artísticas y culturales, como conciertos de ska, reggae, performances, danza y talleres, así como artes plásticas.
Source : La Jornada | 2016-12-06 07:59:53.0
Siguen cantando torcido el estribillo de «Vamos», arreando zarpazos de distorsión abollada en cuanto uno se despista y birlándole a Neil Young su «Winterlong» para devolvérsela chamuscada, humeante y hecha un auténtico guiñapo. Siguen, en fin, a lo suyo, celebrando el último grito como si fuera el primero y retorciendo unas canciones gloriosamente disfuncionales y abolladas que envejecen de maravilla. «¡Vamos a jugar por la playa!», brama Frank Black en pleno éxtasis de agudos mientras el público, obediente, se entrega al arrebato recreativo de una banda que, doce años después de reaparecer en escena para reivindicar su peso capital en casi todas las familias del pop y el rock independiente, anda apurando su segunda o tercera juventud gracias al impulso rejuvenecedor del reciente «Head Carrier». A veces, es cierto, les puede el piloto automático y el saberse en la carretera para cobrarse en diferido todo ese respeto que en su época, eclipsados por unos focos que sólo tenían ojos y oídos para el grunge, apenas se tradujo en dinero contante y sonante, pero con un repertorio tan brillante y la presencia de Paz Lenchantin cubriendo con solvencia la baja de Kim Deal es difícil, muy difícil, que las cosas salgan mal. Máxime cuando la noche se presenta tan propicia como la de ayer en el Sant Jordi Club de Barcelona: entradas agotadas, primera actuación de los de Boston en la ciudad en un recinto de aforo medio tras su resurrección de 2004 y mucha gente con ganas de pisotearle el juanete al vecino al ritmo febril de «Here Comes Your Man». Viejas costumbres convertidas en nostálgica tradición por un público que, en su mayoría, andaba saludando o despidiéndose de los cuarenta. El relevo generacional, en este caso, debía andar la mar de ocupado montando guardia a pocos metros a la espera del concierto de mañana de Justin Bieber. El caso es que los Pixies, poco dados a la teatralización y con un elegante y sobrio diseño de luces como único añadido, empezaron un tanto deslavazados, picoteando de aquí y de allá y brincando del surf con pedigrí de los Surftones de «Cecilia Ann» a la calma chicha de «Wave Of Mutilation» y del reggae contrahecho de «Mr. Grieves» a las pesadillas acústicas de «Nimrod Song». Sin embargo, en cuanto recuperaron la brújula y la electricidad empezó a chisporrotear, la noche vino rodada. Incluso canciones recientes como «Talent», «Tenement Song» y «All I Think About Now» encajaron sin demasiados problemas en un concierto de corte antológico que dio protagonismo a sus cuatro discos clásicos y exprimió a conciencia esa obra de arte que es «Doolittle». Sólo les faltó acordarse de «Monkey Gone To Heaven» –y, ya puestos, de su abigarrada versión del I Can’t Forget» de Leonard Cohen– para que la noche fuese completamente redonda. A cambios, los de Boston firmaron un tramo final de auténtico infarto encadenando «I’ve Been Tired», «Isladencanta», «Caribou», «Gouge Away», «Tame», «Bone Machine», «Debaser» y «Hey». Una final de matrícula en el que Black se dejó la garganta antes de despedirse entre las brumas de «Into de White». El último grito, una vez más, como el primero.
Source : abc.es | 2016-11-21 12:26:40.0
Méx. El Festival Ska Tex 2016 congregó a 20 mil personas que disfrutaron las actuaciones de bandas como El Gran Silencio, La Tremenda Korte, Caligaris, Los Korucos y Rebel Cats, entre muchas otras que amenizaron la fiesta más grande de rock y ska del estado de México. La fiesta tuvo lugar este sábado en el municipio de Texcoco y recibió también, en sus dos escenarios, a bandas de Argentina, Chile, Estados Unidos y México, que inundaron el recinto de la Feria Internacional del Caballo de ska, reggae, roots, ska core y roacabilly.
Source : La Jornada | 2016-11-21 08:26:09.0
En la intrahistoria del rock, Shepherd’s Bush es el barrio del Oeste de Londres donde estalló el volcán de The Who. Las bombas del Blitz de Hitler sacudieron duro allí en la guerra y andando los años se construyeron en los solares devastados torres de vivienda social. No es un lugar vistoso, aunque exuda solera musical. Allí grabaron The Beatles su primer especial para la BBC. El barrio cuenta además con un teatro de 1903, el Sheperd’s Bush Empire, con 2.000 butacas, que desde 1953 a 1994 estuvo al servicio de los espectáculos en vivo de la BBC. Hoy es una sala de conciertos de solera, por donde han pasado los Stones, Bowie, Oasis o Elton John. Pero seguramente en ninguna de esas citas se alcanzó la pasión de este domingo con una velada… ¡de reguetón colombiano! J. Balvin, un reguetonero de Medellín de 31 años, de gira por Europa, arrolló en su parada londiense. El artista colombiana puso el cartel de «no hay billetes» en el Shepherd’s Bush Empire, ante una parroquia formada casi al completo por sus compatriotas (en Londres viven unos 30.000 colombianos), que lo veneraron, enarbolando incluso muchas banderas de su país. Balvi, que en realidad se llama José Álvaro Osorio Balvín, es la estrella emergente del reguetón, en cuyo último disco, «Energía», colabora Pharrell Williams. Su exitosa propuesta, que ya le ha valido un Grammy latino, consiste en restarle un poco de caspa machista al género y hacerlo más pop. O dicho en sus propias palabras: «Hago un reguetón sexy, pero no vulgar, y para todas las edades». El cantante explica que le gusta el reguetón «porque es la extensión del pueblo». Parece cierto. Mientras que el rock se ha convertido en un ejercicio de revisionismo, cuyas grandes figuras son santones que llevan décadas en cartel, en la velada de Balvin se veía un tipo de comunión emocional por parte del público que ya no se encuentra (y menos entre el frío respetable anglosajón). Todo, claro, adornado además con esas pinceladas de color un poco kistch de cierto mundo hispanoamericano: había alguna chica con pantalones cortos de lentejuelas plateadas y entre ellos abundaban las viseras de béisbol, o los peinados rompedores de laterales afeitados coronados por un barroco tupé. Los móviles echaban humo ante los recitados de Balvin, cuyas canciones son todas de ritmo casi clónico, y cuyas letras son de este pelaje: «Si necesitas reguetón, ¡dale! / sigue bailando, mami, no pares». La parroquia balviniana lo grababa todo con sus teléfonos «selulares» y las tres plantas del teatro movían la cadera. Balvin hizo gala en Londres de un gusto textil un tanto discutible: cazadora de damero blanca y negra, camiseta de bandas horizontales, vaqueros ceñidos para unas piernas fornidas y botas de tacón con incrustaciones de brillos. Lo acompañaba una banda de bajo, batería, guitarra, teclados y una gran mesa de bases pre programadas, donde un rapero y corista le hacía la segunda voz. El espectáculo se completaba con jóvenes bailarines de sudaderas de capuchas y movimientos sincopados de escuela hip-hop. Balvin, algo más potolillo, seguía como podía las coreografías. Su gran truco escénico consistía en pararse en seco, mirar al público retador sin decir nada, y luego hacer un gesto pidiendo apoyo. Huelga decir que la respuesta era de rendición atronadora. A diferencia de lo que sucede actualmente con muchos artistas españoles, renuentes a invocar a su país cuando actúan fuera ante un público mayormente español, Balvin sí hizo una apelación patriótica. En la tercera canción declaró su amor por Colombia, que recibió un aplauso orgulloso. Todas las canciones fueron en español, aunque dirigió unas frases en inglés de agradecimiento al público local por asistir, aunque poco británico había allí. Solo se hablaba castellano el domingo en el venerable Shepherd’s Bush Empire. El triunfo del reguetonero en Londres se ha repetido en Italia, Holanda, Alemania y Suiza, donde alguna de sus canciones, como «Ginza», se han convertido en himnos de la subcultura de las discotecas, incluso en Turquía y Bulgaria. Fascinados con lo anglosajón hasta lindar el papanatismo, la crítica convencional en España suele desdeñarse el reguetón, que no deja de ser una exitosa creación de la cultura latina. Nació en Panamá, a comienzos de los noventa, como una fusión del reggae y el rap, pasado por el tamiz de la cultura hispanoamericana y con unas letras rompedoras, de fuerte carga sexual y también sexista. Pero la gran eclosión como fenómeno de ventas llegó en 2005, con «Barrio fino», del portorriqueño Daddy Yankee, hoy de 39 años, que viene a ser el Elvis del género, con 18 millones de discos vendidos en todo el mundo, aunque seguramente la mayoría de los españoles no saben ni quién es. En Daddy Yankee se inspiró J. Balvin, que empezó con el rock, impresionado por Nirvana y Metallica, pero que pronto giró al reguetón, «la música del pueblo». Balvin le ha quitado sus aristas machistas al reguetón –en su país la prensa cotillea sobre la orientación sexual del propio músico- y hasta se ha presentado a cantar en el festival italiano de Sanremo. «A mí me gusta, e ella le gusta», frasea hasta la saciedad en una de sus canciones. Y después de verlo en acción no cabe duda: a su público le gusta. Y mucho. Su objetivo es el mercado estadounidense. Sabe que pueden entrar hablando castellano porque allí viven –Trump mediante- más de cincuenta millones de hispanoamericanos.
Source : abc.es | 2016-11-14 13:40:59.0
Del 13 al 20 de Agosto Benicassim fue la capital del reggae, con diecisiete horas diarias en un total de siete escenarios y con miles de asistentes en[...]
Source : noticias.info | 2016-11-08 15:38:05.0

La Autoridad de Turismo de Panamá (ATP) aprobó 700 mil dólares para las primeras licitaciones de la celebración del Carnaval 2017 en la cinta costera.

De acuerdo con información publicada en PanamáCompra, 110 mil dólares serán para la alimentación de los funcionarios de seguridad que trabajarán en el área del 24 al 28 de febrero.

En total, la empresa que gane esta licitación deberá entregar 10 mil 600 comidas diarias, entre desayunos, almuerzos y cenas.

Otra de las licitaciones puestas en marcha para los carnavales 2017 es sobre la instalación de tres tarimas.

Para este renglón, la ATP destinará 350 mil dólares e incluirá pantallas gigantes, sonido y luces durante cinco días.

Entretanto, la entidad encargada aprobó también 240 mil dólares para la contratación de los artistas que participarán en estos eventos.

De momento, la lista de bandas y cantantes no ha sido revelada.

Sin embargo, el pliego de cargos señala que serán contratados 16 artistas de típico, 40 de reggae, 5 de pop-rock y 16 orquestas de salsa.

Los ganadores de las licitaciones se darán a conocer en las próximas semanas.

Restan todavía otras licitaciones para el Carnaval 2017, tales como baños públicos y camiones de agua para culecos, entre otras.

Source : prensa.com | 2016-11-08 13:25:00.0
Con la que hoy empieza ya son seis las ediciones que se han celebrado de Tapapiés, la Ruta Multicultural de la Tapa y la Música de Lavapiés, y cada año se presenta más sugerente y variada, con nuevas propuestas que convertirán el barrio en un vibrante punto de encuentro gastronómico y artístico. Y es que además de aumentar en cinco el número de tapas de 2015, esta edición incorpora 14 nuevos establecimientos a la ruta. En esta ocasión participan 88 bares y restaurantes (a los que se suma una veintena de locales y tiendas gourmet de los mercados de San Fernando y Antón Martín), donde se podrán degustar 120 tapas que fusionan las cocinas del mundo con la gastronomía española, a 1,50 euros cada una y acompañadas de una cerveza. Más de veinte países de cuatro continentes ofrecen 69 tapas internacionales, a las que se suman 51 inspiradas en la gastronomía española. El particular mapamundi de Tapapiés se amplía por primera vez a Dinamarca, Siria e Israel, y la cocina india vuelve a ser la más representada, con 13 tapas. Le siguen México con ocho, Italia con cinco y Brasil con cuatro. Aunque 16 tapas versionan castizos platos madrileños, la cocina de la cornisa cantábrica goza de similar protagonismo. Ocho tapas recogen influencias de Asturias, cinco del País Vasco, tres de Galicia y una de Navarra. Además, este año Tapapiés llega más verde que nunca porque los vegetarianos podrán probar 56 de sus 120 tapas. Habrá doce sin carnes ni pescados y otras seis serán para consumo vegano, al estar elaboradas sin huevos, leche ni cualquier otro producto de origen animal. Otras 38 tienen opción vegetariana o vegana, y también se prestará especial atención a los alérgicos al gluten. con 25 tapas aptas para celiacos, al no llevar gluten de trigo, cebada, centeno y avena. La música, compañera perfecta de una jornada de tapeo, vendrá de la mano de 60 conciertos a pie de calle que se repartirán por todas las áreas del barrio los fines de semana del 21 al 23 y del 28 al 30, desde el mediodía hasta la caída de la noche. Treinta bandas nacionales fusionarán rap, groove en crudo, french world music, capella, swing, rock’n roll, y reggae, entre otros estilos., compartiendo escenario con animaciones de teatro y circo callejero, con especial atención al público infantil. Además, varias salas de la red Lavapiés Barrio de Teatros ofrecerán descuentos en su programación del lunes 24 al jueves 27, y una treintena de comercios del barrio integrados en Chollopiés también lanzarán grandes ofertas en sus diferentes productos. El mundo online tampoco se le resiste a esta sexta edición, ya que desde Tapapies.com y una app para móviles y tabletas de descarga gratuita se pueden visualizar todas las tapas y los vídeos de los artistas participantes. Así, desde cualquier dispositivo el público puede seguir la ruta y votar sus tres tapas y actuaciones musicales favoritas. Chulapas y rancheras Algunas de las tapas de esta edición tienen un sabor netamente castizo, como la «vermutapa» madrileña de La Inquilina (Ave María, 39), que conjuga tradición y modernidad con regusto cañí. o la cazuelita de «garbanzos Marymonte» de La Pianola (La Fe, 6), aderezados con salsa romesco, sepia, berenjena y pimiento sobre pocillo de gambas. Entre las muchas tapas mexicanas está el divertido «taco-jonudo» de La Ronronera (San Carlos, 7) marina la carne de cerdo en zumo de naranja, chile chipotle y ron añejo, todo servido en una base crujiente sobre cama de frijol. De las 15 fusiones internacionales de Tapapiés, dos pasan por Oriente Medio. Por ejemplo, la patera siria-griega-mexicana «bienvenidxos refugiadxs» de Achuri (Argumosa, 21) combina kefta de cordero con tzatziki sobre ensalada pico de gallo con bulgur, y la brocheta de albóndigas de cerdo «polpettone della nonna» de Il morto che parla (Salitre, 31) se cocina con calabacín en vinagre, albahaca y perejil con salsa de yogur y hierbabuena. No faltarán las tapas asiáticas, como la japonesa ‘zazimi’ de Su&Si (Argumosa, 30) o el «ajoblanco de shitake y escamas de kale» de Amores Berros, en el Mercado de San Fernando. Barrio de Lavapiés
Source : abc.es | 2016-10-19 21:37:29.0
El artista de teatro y poeta barbadense Winston Farrell no se engaña. Reconoce que la mayoría de los jóvenes no se interesan mucho por la poesía, aunque sí la música y en particular el reggae dancehall, ritmo que el también dramaturgo emplea para hacer poesía en el escenario, a la vez que crear conciencia, con muy buenos resultados.
Source : La Jornada | 2016-10-11 07:00:21.0

Humberto Vélez es una voz crítica en una sociedad complaciente. Hoy afila su creatividad y habla de egos, arte, cultura y política.

Panamá: ¿público exigente?

No tiene claro qué significa la exigencia. Quiere más, pero no sabe qué es más.

¿Se puede triunfar siendo crítico, hay que ser complaciente o una cosa no va contra la otra?

Ahora la mayoría de los artistas quiere agradar y ser celebridad. Como La Agrado de Almodóvar en Volver, a la gente le gusta sonreír y venderse al mejor postor. Así no se puede ser crítico.

Cada vez hay más arte… ¿Cada vez es mejor?

Artista y productor; estudió Derecho y Cinematografía. Ha expuesto en el Tate Modern de Londres, el Centro Pompidou de París, la Bienal de Venecia, Shanghai, La Habana, entre otras. Cofundó el proyecto de arte y educación Visiting Minds.

Lo contrario. Hay más superficialidad, como en la TV. Los artistas no quieren estudiar ni profundizar, no leen, no ven pintura ni se informan. Es como un cineasta que no ve películas y quiere hacer algo bueno: imposible.

Ahora como que todo es considerado arte…

Como si fueran zapatos. Lo que mejor te quede y lo que te combine. Y mañana tienes que comprarte otro.

¿Puedo estudiar arte aquí y salir preparada?

No. Es como en boxeo. Para foguearte tienes que salir.

Usted dice que el panameño no se ríe de sí mismo, pero somos alegres…

Pero no tenemos esa ironía con nosotros mismos. Estamos a la defensiva y negamos la realidad cuando se trata de nosotros.

INAC. ¿El problema es presupuesto o capacidad?

Interés. Ningún gobierno, aparte de los tristes gobiernos militares, contradictoriamente, se ha interesado en la cultura. Y si no hay voluntad no va a haber nada.

¿Qué dice del INAC que los artistas hayan tenido que hacer un evento para recaudar fondos para poder ir a la Bienal? Usted ha
estado en varias.

Siguen su línea histórica: nunca han dado dinero para ir a ninguna bienal. Yo dejé de tocar las puertas del INAC hace décadas. Era una pérdida de tiempo.

¿Hay rosca en el arte?

Toda la que se pueda comer hasta que la barriga te explote.

¿Más gente visita los cementerios o los museos?

La mayoría de los museos parecen cementerios. Y sin flores.

Usted ha presentado obras en el Biomuseo. ¿Hay baja asistencia ahí por el precio, el desinterés o porque hay poco que ver?
La entrada hace inalcanzable que la mayoría pueda ir. Y hay salas no acabadas.

¿Qué le dicen en Inglaterra cuando dice que es de Panamá?

No sabían de Panamá hasta los Panamá Papers. Hoy dicen sombrero Panamá, Noriega y Panamá Papers.

El panameño que más suena allá.

Roberto Durán.

El que no suena.

Rubén Blades.

¿La educación panameña sensibiliza a los niños para que les interese el arte?

Los desensibiliza.

La tierra soñada, Guachimán o Merry Britannia. ¿Cuál de esos trabajos suyos lo llena más?

Merry Britannia (flota en un mar de mentas Pascual).

Un artista panameño que admira.

Julio Zachrisson.

¿Se puede vivir del arte en Panamá?

Se puede desvivir, eso sí.

¿Se fue por eso?

Me fui en 1990, porque quería saber del arte y viajar. Y en Panamá no podía crecer. Todos ahí terminan agradando a los demás... Así no iba a poder avanzar.

¿Hay cultura aquí?

Sí, una fuerte cultura popular: lo mejor que tenemos. Cultura intelectual, pocos. Y cuando uno muere, parte de nuestra historia también: no hay reemplazos.

¿Quiénes quedan vivos así?

Alfredo Castillero, Brooke Alfaro, Carlos Fitzgerald, Adrienne Samos, Danilo Pérez, Pedro Altamiranda, Rubén Blades…

¿Cómo hacer que el panameño se interese por la cultura?

Educación por mil.

Hay plata para las iglesias, pero no para la cultura. ¿Qué opina?

Vamos a tener que poner una sacristía y velas en los museos, a ver si le dan plata.

La fórmula para democratizar el arte.

Respetar al público.

Muchos en Panamá lo condenaron por trabajar con Miss Panamá en 2013 para escoger a Miss Education. ¿Qué le enseñó ese proyecto de la sociedad?

Que la gente no se atreve a hacer cosas distintas.

Algo parecido a Panamá de cada país en los que ha vivido.

Trampa en Suiza, un poco de “creídez” en lo mediterráneo y boxeo en Inglaterra.

¿Qué sigue teniendo Panamá mejor?

A pesar de todo, todavía somos algo ingenuos.

Palabras con las que reconoce a un panameño en cualquier lado del mundo.

Ayala ver…, awe… y dizque.

En cada país en el que ha vivido ha desarrollado una rama. ¿El que abarca mucho no aprieta poco?

No, hay que tomar las oportunidades y para eso salí de Panamá.

En marzo presentó una obra sobre gallos de pelea. ¿Por qué los toros no y los gallos sí?

No soy amante de los gallos, pero siento fascinante la ceremonia, porque se relaciona con sangre y erotismo.

En 2002, Eudoro Silvera dijo que a usted le dieron el tercer lugar de la bienal de Panamá solo por lo novedoso, pero que no sabría distinguir entre ‘reggae y una sinfonía de Beethoven’. ¿Siempre piensan así ‘los de siempre’?

Eso es tan pasé que me da risa. El tiempo es el mejor juez para arte, política, todo.

Alfredo Sinclair también criticó a los curadores por ‘confundir al público’ poniendo a competir géneros tan distintos…

En Panamá no nos habíamos puesto al día.

Ya que habló de política, su opinión del gobierno.

Muy suntuosa capilla donde no todos pueden rezar.

Y del pasado gobierno.

Un supermercado de corrupción.

Un mensaje para el ministro de Turismo.

Que nos tomen en serio. Somos más que rascacielos y casinos.

Para la directora del INAC.

Que consiga dinero. Si no, no va a poder trabajar.

¿Qué lo hizo dejar de ser abogado?

Me aburrí de la formalidad.

Su arte, dice usted, se refiere a los problemas de las relaciones humanas y de la justicia. El mayor problema de las relaciones humanas.

No escucharnos.

¿Existe la justicia en Panamá?

A veces.

¿Qué no ha cambiado en Panamá desde que usted se fue?

El desinterés en terminar bien las cosas.

No se va de Panamá sin comer…

Mamallena, mafá, galletas de limón Pascual y platanitos.

Source : prensa.com | 2016-09-18 05:05:00.0
El próximo viernes 2 de septiembre a partir de las 23:00 horas se celebra en Madrid el concierto ?Play for Ethiopia?[/c[...]
Source : noticias.info | 2016-08-26 10:06:48.0
Corría el año 1975 y los Rolling Stones andaban enfrascados en la composición de su disco Black and blue, batallando con su propia capacidad creativa y tratando de perfilar un puñado de nuevas canciones, entre las que había una titulada Never stop, con aires reggae y que terminaría siendo descartada.
Source : europapress.es | 2016-08-24 16:18:43.0
03.45Pues Bolt ya está con su show, dando la vuelta de honor con la bandera de Jamaica y con la de Brasil. Fantástica carrera del jamaicano. 03.40Segundo lugar para De Grasse y tercero para Lemaitre. 03.37ORO PARA USAIN BOLT. El octavo de su carrera en unos Jugos. Es eterno Usain. Qué manera de ganar. Pero qué bueno es 03.36Todo listo. Se viene otra gran final de velocidad. A sus marcas, listos... 03.35Presentan a los finalistas y Bolt se marca un bailecito. El público enloquece 03.33El canadiense Andre de Grasse, bronce en los 100 metros, corre por la calle cuatro. Es el principal rival de Bolt ya que ni Blake ni Gatlin se lograron clasificar en la final 03.32Corre por la calle 6 Usain Bolt 03.30Salen los finalistas al estadio. Comienza el show de Bolt, que no deja de saludar a la grada 03.28Termina la ceremonia de medallas del lanzamiento de peso. Ahora sí que se viene la gran final de los 200 metros. 03.23El atleta más veloz del planeta quiere esos dos oros que le hagan inmortal. El de 200 metros y el del 4x100 en los que son sus últimos Juegos. Veremos si el canadiense De Grasse le da guerra 03.00Hola, buenas noches. Otra vez Usain Bolt en escena. Otra vez el mejor atleta de todos los tiempos en el estadio Olímpico de Río. El jamaicano disputa como gran favorito la final de los 200 metros, que tendrá lugar dentro de emdia hora, a las 3.30 horas. Aquí te la vamos a contar en directo Apareció más serio. Era su última carrera olímpica individual. Del oro nadie dudaba. Pero Usain Bolt quería más: el récord del mundo (19.19). Batirse a sí mismo. Bolt contra Bolt. De ahí el rictus grave. Al fin un rival a su altura. Midió con mimo los dos pasos y medio hasta los tacos de salida. Miró el suelo de la calle 6, mojada por una inoportuna cortina de fina lluvia. Malo. El viento pegaba en contra (0,5). Peor. Sólo cuando notó las cámaras se vio al Bolt esperado. Se marcó un contoneo de salsa. Dirigió una mano a su grada y con la otra se palmeó el corazón. «Os quiero». Es mutuo. La grada le coreó: «¡Usain Bolt! ¡Usain Bolt!». En un último guiño antes de ajustarse a los tacos enarcó las cejas tres veces. Pero era una broma seria. Esta vez tenía un enemigo de altura. «Yo no dudo jamás», dice. Y no lo hizo. Había agresividad en su mirada, la que siempre ha tenido bajo su sonrisa. La marca de los depredadores. Salió a por el récord desde la primera patada. Ejecutó una maravillosa curva. Ya estaba solo. A solas con aquel 19.19 que marcó en Berlín en 2009. Está acostumbrado. Lleva años compitiendo contra el cronómetro. No se relajo ni un instante. Se exprimió mientras sus teloneros ya no contaban. Y ahí, justo al final, se lo notó algo inusual en él: el sufrimiento, el límite. Quería y no podía. Por una vez la recta se le hizo larga. Hasta echó la cabeza adelante al entrar con la mirada fija en el marcador. Entonces gritó: «¡Ahhhhh!». No. Mientras frenaba lanzó un golpe al aire de rabia. Medalla de oro y buen registro, pero sin récord: 19.78. Ni él había podido con el mejor Bolt. La decepción le duró lo que la megafonía tardo en poner a Bob Marley. «Reggae Nigh»’. Noche de reggae en Río. Y de oro para Bolt. El octavo. Su tercera final olímpica consecutiva en los 200 metros. Ahí sí se batió a sí mismo. Tres de 100 y tres de 200. Dicen que el hombre no puede volar. Un hombre, sí: Usain Bolt. Para ser una leyenda no basta con una hazaña. Hay que repetirla. Apenas cuatro noches después de ganar la final olímpica de los 100 metros volvió a ser el rayo de la final de los 200. Como en Pekín 200. Como en Londres 2012. A la historia del deporte le costará generaciones pasar la página del mejor atleta nunca visto. Esta próxima madrugada tiene cita con sus últimos diez segundos olímpicos: la final de los 4x100 con Jamaica. Si también vence, encadenará nueve oros seguidos. «Y ya seré inmortal». Ya lo es. En 2008 vino del futuro para, desde su altura de 1,96 metros, reinventar las leyes de la velocidad, y ahora que cumple 30 años y se retira regresa a ese futuro. A la posteridad. ¿Quién volverá a dominar así tres Juegos? De esa inmortalidad habla Bolt. Se ve viejo, rodeado de nietos, con dificultades ya para bajarse de la hamaca. ¡Maldita espalda! Y con la sonrisa satisfecha de quien, ya al final de su vida, ve cómo nadie ha sido aún capaz de hacer lo que él ha hecho ahora. «Seré el hombre que ganó nueve oros». Sólo le falta uno. Algo menos de diez segundos de vuelo... Y despegará hacia ese lugar que sólo ha pisado él. La final de los 200 metros es su coto. «Siempre ha sido para mí mucho más especial que la de los cien». Los 100 son su juguete; los 200 su vocación desde que pisó una pista. Quería irse de su carrera con una obra maestra. Bolt batió en la final de Pekín 2008 el viejo récord de Michael Johnson. Un año después lo rebajó hasta los 19.19, cada vez más cerca de la barrera de los 19 segundos, del límite humano. De eso se trataba esta pasada madrugada. De ganar otro plazo en la inmortalidad. Cuando rompió por dos centésimas el récord de Johnson dijo que había sido una «carrera rápida, pero no buena». Le quedó ese resquemor que no ha podido quitarse. En Río lo intentó por última vez. En apenas veinte pasos ya había atrapado a francés Lemaitre, un blanco en un planeta negro. La curva le dejó en solitario. Potencia, velocidad, equilibrio y electricdad. Parecía que la pista le daba calambre. El estadio rugía. Detrás, en la pelea por la plata, el joven canadiense Andre de Grasse tomaba ventaja. Lemaitre, Gemili y Martin compartían el mismo centímetro en la lucha por el bronce. Pero para verles hubo que esperar a la repetición. Eran invisibles. Todos miraban a Bolt. Su ventaja. Sus dientes blancos. Su figura al galope. Ojos locos. Y, por sorpresa, Río asistió a su agónico final. Entró consumido. Ni el oro le consoló al principio. Fue el único que bajó de veinte segundos. De Grasse celebraba la plata (20.02). Y Lemaitre le gritaba a Río su felicidad con los brazos abiertos. Al fin bronce, compartido con el británico Gemili. Lemaitre, un blanco en el podio de los 200 (el anterior fue el griego Kenteris en 2000). Su tiempo, 20.12, es el mismo que marcó Bruno Hortelano en las series clasificatorias. Al español le reclama el futuro. De eso sabe Bolt. Desde Pekín 2008 ha conquistado la eternidad. Tras la rabia inicial por no saltar su propio récord, volvió el Bolt de siempre. Noche de reggae. Baile. Reverencias al público. El atletismo no ha tenido otro reclamo como él. Fascina al público. Se acercó a la meta de la calle 6. De rodillas la besó. E hizo lo que todo el mundo esperaba. La postura del rayo. Una de sus muchas campañas de publicidad tiene este lema: ‘El más rápido para siempre’. Esta próxima madrugada cierra del círculo con la final de 4x100. Luego partirá hacia el futuro, el lugar de origen del mejor atleta que ha pisado la Tierra.
Source : abc.es | 2016-08-19 06:40:47.0
La inmensa riqueza musical de Brasil sustenta las bases culturales que rigen la excelente acogida prevista para recibir a los miles de fans olímpicos dispuestos a gozar con la bossa nova o la samba. Río de Janeiro ejerce una fascinación internacional como lugar idílico que encuentra en los ritmos populares su desencadenante para dejarse llevar por su atmósfera tropical y su invitación al paraíso de Copacabana. La cantante Marisa Monte- ABC Los sonidos del Brasil post-Lula y post-Dilma tejen una dimensión aterciopelada o rítmica que bebe de la tradición y se proyecta hacia la modernidad sin complejos, auspiciada por la fusión con la electrónica y el hip hop. El pasado, sin embargo, está muy presente y las leyendas no cesan de transmitir sus magisterio a través de las nuevas generaciones. Nos miran desde el más allá Vinícius de Moraes, António Carlos Jobim, Tim Maia o Astrud Gilberto. Su legado puso en pie los cimientos de la nueva canción brasileña, siempre dispuesta al mestizaje con el fin de preservar la «saudade». Os Mutantes representaban la psicodelia con tintes autóctonos y hoy son reverenciados hasta por el público «indie». Tom Zé nos refrescó su propuesta gracias al impulso encarnado por el sello Luaka Bop, fundado por David Byrne. Os Ipanemas mostraron hace más de 50 años sus armas de raíz africana, principal influencia para uno de los estandartes de los últimos años, Seu Jorge, destacado protagonista de la legendaria película «Ciudad de Dios», sobre los estragos de la violencia en las favelas. Mientras Glauber Rocha consolidaba el Cinema Novo y «Orfeo Negro» ganaba la Palma de Oro en Cannes (1959) antes de hacerse con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, los tentáculos del Brasil sonoro se amplificaban como un elixir fraguado en una «Manhã de Carnaval», que diría el gran Luís Bonfá... con Gal Costa o Maria Bethânia en la recámara. El jazz se hermanaba con la bossa y el mismísimo Frank Sinatra entonaba el clásico «The girl from Ipanema». Stan Getz también caía rendido. Hermeto Pascoal, quien acaba de cumplir 80 años, y el mito del pianista Tenório Jr. se turnan en el altar. Y eso que el tropicalismo aún estaba por nacer, con Caetano Veloso ampliando los horizontes en las calles de Londres y Gilberto Gil presto incluso a echarse en brazos del «reggae», cuando todavía ni podía imaginar que sería nombrado ministro de Cultura. Arnaldo Antunes, Carlinhos Brown y la exquisita Marisa Monte revitalizaron esa estela en el arranque del siglo XXI, afianzando los postulados tribalistas. Ayer, hoy y mañana se dan la mano sin complejos en el mismo Brasil embriagador que hizo a Michael Caine meterse en un «Lío en Río» bajo la dirección de Stanley Donen o a Wagner Moura sumergirse en las aguas de la «Playa del futuro», dentro de un laberinto de pasión homosexual. La artista Roberta Sa- Fernando Torquatto Bebel Gilberto, hija del gran Joao, vio antes que nadie las insondables profundidades híbridas de la bossa nova y se apoyó en el audaz productor Suba (de origen serbio) para redefinir su esencia con toques «chill out». Por ahí transita en la actualidad Céu, deudora también del temple de Sade. Más desatada se revela Roberta Sá, culpable de dignificar las bandas sonoras de las telenovelas. Moreno Veloso recicla el magisterio de su padre, gran amigo de Pedro Almodóvar, y Daniel Jobim se remite a su abuelo, guía espiritual de Carlos Berlanga. Diogo Nogueira- ABC Precisamente, los imprescindibles Caetano y António Carlos marcan el rumbo de Celso Fonseca, otro de los nombres sobresalientes del Brasil de 2016, al tiempo que Diogo Nogueira se ha hecho fuerte presentando un show televisivo a mayor gloria de la samba y Arlindo Cruz revitaliza el subgénero popular del «pagode». Claro que es el sertanejo el estilo más atractivo a nivel comercial para los sufridos brasileños que encajan como pueden las embestidas de una inflación galopante (9,3%). Su principal representante: Wesley Safadao, rival en las listas de éxitos de la omnipresente Ivete Sangalo. Más clase destila esa inconfundible bossa nova electrónica que personifica Marcos Valle. Entre los DJs, arrasa el estrafalario MC Bin Laden, estandarte local en la onda de Skrillex o Diplo.
Source : abc.es | 2016-08-17 11:04:07.0

Alpha Blondy, místico y guerrero del reggae, la estrella más refulgente de la síncopa jamaicana desde la muerte de Marley, el artista que ha dotado de negritud al estilo (justo lo que siempre habían reivindicado los rastafaris), volvió ...

Source : elperiodicodearagon.com | 2016-07-25 03:55:00.0
Los ritmos africanos llegan a Madrid este verano de la mano del artista senegalés Baaba Maal que actuará este domingo 24 en el Circo Price junto con la guineana Paloma del Sol. Cantante y multiinstrumentista, Baaba Maal, es un o de los músicos de más éxito en su país y en toda África. Los ritmos tradicionales de su tierra se fusionan con gran originalidad con el R&B, el soul o el reggae, dando forma así a un estilo muy personal ataviado con matices de todas las culturas. Y es que para este artista «la música es capaz de emocionar de maneras muy distintas, es internacional y no tiene fronteras». «¿Cómo puedes no sentirte vivo y lleno de esperanza cuando estas en España?» Su paso por España tiene lugar poco después de haber publicado su disco «The Traveller» en el que evoca los placeres del viaje y la satisfacción del regreso al hogar. «No importa cuánto tiempo puedo estar fuera, donde esté, y que esté haciendo», explica Baaba, «Siempre volverè a Fouta para alimentar mi alma». En este disco colaborá con una gran variedad de músicos de todas las nacionalidades entre los que destacan «The Very Best» y «Mumford and Sons» y el poeta británico Lemn Sissay. Se trata de un interesante álbum con la idea del viaje como hilo conductor. Baaba Maal y España A falta de dos días para que tenga lugar su concierto en el marco de los Veranos de la Villa, Baaba Maal se muestra encantado con la cultura española «está viva, y llena de color. Me encanta el arte y la danza española.» Además reconoce que a lo largo de su carrera España ha llegado a influirle en su manera de hacer música «el flamenco me conmueve, está lleno de pasión, y he utilizado la guitarra flamenca en algunas de mis canciones». Pero no es solo la música de nuestro país lo que conmueve a este artista de fama internacional, «Picasso y Salvador Dalí, ¿Cómo puedes no sentirte vivo y lleno de esperanza cuando estás en España o en los países de habla hispana?» Ha colaborado con grandes artistas como U2, Brian Eno o Hans Zimmer, pero si algo le hace destacar aparte de su talento es su compromiso social activo con los derechos de la mujer, la lucha contra el SIDA, el rescate de la deuda, el cambio climático y la educación. Y es que para él sus responsabilidades como activista y músico van de la mano y es seguramente por ese implicación por lo que es embajador de Oxfam y Naciones Unidas.
Source : abc.es | 2016-07-22 21:27:43.0
El Lagata Festival, con Mellow Mood y Green Valley como cabezas de cartel, abre hoy sus puertas
Source : elperiodicodearagon.com | 2016-07-22 03:55:00.0
La electrónica de inspiración reggae de Major Lazer -rey supremo de reproducciones de Spotify (¡más de 22 millones!) y protagonista absoluto de las sesiones de spinning de medio planeta- jugó bien su papel el jueves en la jornada inaugural del Festival Internacional de Benicasim. Cerca de 30.000 personas, la inmensa mayoría de las cuales de nacionalidad británica, se rindieron ante el concierto de este grupo liderado por el dj y productor jamaicano Diplo. Vestidos de blanco, y luciendo en un momento dado una camiseta del Villareal Club de Fútbol para hacer un guiño a la «cultura» local, los tres miembros de la banda acompañaron su espectáculo de fuegos artificiales, confeti y coreografías. Les precedían en el escenario Las Palmas El Guincho (un maestro del tropicalismo pop, si es que eso era un género antes de que él llegara); los siempre resolutivos Soulwax y el rapero Skepta, sumo sacerdote del grime actual de cuño británico. El testigo de Major Lazer lo cogió a las tres de la madrugada otra de las grandes figuras de la electrónica contemporánea, Mr. Oizo, cerrando así una noche plenamente consagrada a los ritmos sintéticos. Leves cambios en el recinto El recinto del festival –el mismo que acoge en agosto el Rototom Sunsplash- presenta este año algunos cambios. Se ha ampliado por ejemplo la zona del South Beach tras el éxito de asistencia que registró el año pasado y que, si bien sigue lleno de distracciones a cargo de las marcas patrocinadoras, también ha perdido la monstruosa atracción de feria y ha recuperado una pequeña carpa de la mano de Radio 3 y Razzmatazz Club, concebida ahora para las bandas de rock más independiente, entre ellas muchas nacionales. Por esta pasaron el jueves los británicos Teleman presentando «Brillian Sanity», un interesante álbum en el que la joven banda nos recuerda por un momento a artistas de los ochenta como The Go-Betweens. En suma, las expectativas del festival son buenas, teniendo en cuenta que todavía se esperaba la llegada de miles de asistentes a la localidad castellonense a lo largo del viernes y de hoy sábado. En este sentido, cabe destacar la ventaja logística que ha supuesto la apertura del aeropuerto de Castellón, una infraestructura que demandaban desde hace años los promotores de eventos multitudinarios como este. En cualquier caso, todavía sigue siendo necesario recurrir al de Valencia para satisfacer la enorme actividad que genera el FIB. El pico de público está previsto precisamente para esta noche con motivo de la actuación de Muse, que previsiblemente centrarán su repertorio en su séptimo trabajo de estudio, «Drones». En este disco de corte claramente político, los británicos cargan con sus riffs de guitarra y sus letras contra la deshumanización de la guerra debido al armamento militar de nuestra era. A ver qué dicen del Brexit.
Source : abc.es | 2016-07-15 16:07:59.0
Esta semana, el ídolo del reggae-tón Yandel tuvo un éxito que pocos cantantes de todos los géneros pueden presumir: el video de su canción Encantadora llegó a 200 millones de vistas en YouTube, un logro de la industria de la música a escala global.
Source : La Jornada | 2016-07-14 10:23:17.0

El cuarteto de reggae-pop, conocido por recibir numeoros  discos de platino, MAGIC! Lanza ‘Primary Colours’, su segundo álbum, a través de...

El artículo “Primary Colors”, el nuevo álbum de MAGIC! ha sido originalmente publicado en Actualidad Musica.

Source : actualidadmusica.com | 2016-07-10 20:15:25.0
Además de erigirse como alternativa manejable y relajada a otros grandes festivales de la ciudad, si por algo ha destacado el Cruïlla en los últimos años ha sido por el acierto de cazar al vuelo a algunos nombres de peso del soul, el reggae y ponerlos al frente de una programación transversal y nutritiva. El año pasado, sin ir más lejos, el festival barcelonés contó con la presencia de Lauryn Hill, Kendrick Lamar, Damian Marley y Aloe Blacc, nombres de peso de la música negra cuya alineación no hacen más que confirmar que, en su séptima edición, la que se celebra este fin de semana en el Forum de Barcelona, el autodenominado Barcelona Summer Festival ha optado por un perfil algo más indie y rock que en otras ocasiones. Ahí está, por ejemplo, Robert Plant, volcánico vocalista de Led Zeppelin, reivindicado su nueva vida junto a The Sensational Space Shifters y encabezando con sus incursiones en el blues y el folk una programación que se encomienda a astros con tirón de aquí como Bunbury, Vetusta Morla y Love Of Lesbian, se adentra en la fértil cantera de la americana para encumbrar a Alabama Shakes y sigue apostando por los cantautores sensibles y delicados con el fichaje de Damien Rice. Con el cupo de las músicas urbanas cubierto por los británicos Rudimental y la estadounidense Esperanza Spalding reivindicándose como gran voz del jazz contemporáneo, el Cruïlla es, pese a cierta carestía, un mapamundi sonoro que viaja de los confines fronterizos de Calexico a la cumbia digital de Bomba Estéreo y de la electrónica rompepistas de Digitalism a a la fusión flamenca de Chambao. Una apuesta por la variedad y la convivencia estilística que, además de cubrir prácticamente todos los rincones de la música popular y articular un programa con el que esperan seducir acercarse a ese tope autoimpuesto de 25.000 personas por día, echa mano de la memoria para recuperar nombres de los noventa como James o Skunk Anansie, cambia de continente para picotear en rap brasileño y chileno con Emicida y Ana Tijoux y bucea en la música de raíz americana para acoger el regreso a Barcelona de Chan Marshall, ese talento indomable que pilota Cat Power. En el apartado nacional, y más allá de todos los focos que acapararán Love Of Lesbian y Bunbury, el festival acoge también la única para en la ciudad de la gira resurrección de los granadinos 091 y ahonda en la senda de la canción de autor catalana para viajar del genio rehabilitado de Adrià Puntí al potencial de Ramon Mirabet.
Source : abc.es | 2016-07-08 12:18:47.0
Una diversidad de sonidos, desde punk, metal y rock indie hasta reggae e incluso cumbia, reinó ...
Source : terra.com.ar | 2016-07-05 20:04:01.0

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