Bandas y artistas de Reggae

País : Jamaica

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Artistas o Bandas

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Noticas : Bandas y artistas de Reggae

Peter Gabriel, alma mater de WOMAD, puede estar orgulloso del regreso del festival a su sede original en España, Las Palmas de Gran Canaria. Con un cartel quizá más reducido pero no por ello menos interesante (y de hecho, sí mucho más cómodo y abarcable), la 18ª edición de esta cita ha logrado reunir a más de 45.000 personas en el Parque de Santa Catalina de la ciudad durante todo el pasado fin de semana, entre asistentes a conciertos, talleres infantiles y de adultos y a proyecciones cinematográficas. De acceso gratuito en esta ocasión, el festival ha conseguido recuperar el cariño no perdido por los grancanarios, sólo olvidado por el paso de los años, ya que hacía seis años que su isla no acogía el evento, y de paso les ha mostrado un ecléctico elenco de artistas que sonarán cada vez más en el futuro. El viernes, el festival de las músicas, las artes y las danzas del mundo fue recibiendo durante todo el día un público mayormente familiar, que asisitió a la gran oportunidad del grupo canario Papaya, aún de corto recorrido, en el escenario principal como estreno del programa. 101 Brass Band caldeó más el ambiente en el Escenario Boulevar, abriendo paso a Tu Otra Bonita, se animaron con versiones de Camarón de la Isla o El Bicho. Los sonidos insulares y atlánticos llegaron de la mano del caboverdiano Miroca Paris, y a continuación llegó el turno de los que para algunos fueron los triunfadores del fin de semana, la Orkesta Mendoza. Orkesta Mendoza - A. R. Beating Heart y la veteranía del jamaicano Horace Andy cerraron una primera jornada en la que también se dio protagonismo a los representantes de la Comisión Española de Ayuda al Refugiado (CEAR) para que dieran lectura un Manifiesto, en el que se proclamó el compromiso con los más desfavorecidos, con «familias enteras que huyen de guerras y devastación, que dejan atrás sus casas», en el que se pidió también «no ser ajenos al drama que viven aquí miles de familias víctimas de la desigualdad y de la pobreza, del desempleo de larga duración o de la injusticia que supone tener un salario de miseria que no cubre las mínimas necesidades vitales». El día de las tortugas El sábado, la fiesta se animó desde primera hora de la tarde con el reggae y dancehall del grupo canario Profecía Crew, que apareció en escena con una camiseta que decía «Straight outta West Africa», guiñando el ojo a la leyenda del hip hop estadounidense NWA y su disco de debut «Straight outta Compton». El mestizaje y compromiso de los tinerfeños Kuarembó dio paso a la cantante Hindi Zahra, que por momentos parecio una Amy Winehouse marroquí en una actuación muy sugerente, espoleada por una banda brillante. La irreverencia y la experimentación Niño de Elche cuajaron a la perfección en el Escenario Boulevard, en un show en el que como único defecto, puede decirse que algunos graves sepultaron la inteligibilidad de las letras. El nigeriano Bombino desplegó su virtuosismo a la Jimi Hendrix ante una audiencia ya multitudinaria, que poco después quedó boquiabierta ante el empuje del hip hop de la cubana La Dame Blanche, que salpica de ritmos caribeños, sonidos latinos y electrónica su propuesta. Para cerrar con bailoteo y espíritu festivo el festival, los británicos The Brand New Heavies pusieron su funk a toda máquina. Por la mañana, uno de los Brand New Heavies, acompañado por el bailarín jamaicano de talleres de adultos en WOMAD asistieron a un acto de concienciación ecologista en el que se devolvieron al mar dos tortugas en la playa de Las Canteras, donde se reunieron miles de viandantes y bañistas (se disfrutó de unos increíbles 25-30 grados a mediados de noviembre) para ver a los ejemplares. Y allí mismo, el domingo por la mañana se despidió la edición con un multitudinario pasacalles lleno de ritmo y de color, colofón perfecto para volver a reafirmar el potencial de atractivo turístico de este festival modélico, que transmite una gran comunión con los vecinos de Gran Canaria. Suelta de tortugas en Las Canteras - A. R.
Source : abc.es | 2017-11-14 02:48:48.0
Los ritmos étnicos y las melodías del mundo están a punto de llenar la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria. Miles de espectadores esperan ya para congregarse a partir de mañana, viernes 10 de noviembre, hasta el domingo, ante los dos escenarios instalados en el céntrico parque de Santa Catalina para dar la bienvenida a la 18ª edición de WOMAD Gran Canaria – Las Palmas de Gran Canaria. El festival multicultural por excelencia vuelve a la que fuera su casa tras años de ausencia para cumplir la mayoría de edad con un programa que incluye los conciertos de una veintena de artistas venidos de ocho países, así como un buen número de diversas actividades dirigidas a un público familiar deseoso de tomar parte en ellas: talleres para adultos e infantiles, ciclo de cine, Mercado global y de artesanía, Comidas del Mundo, un paseo ecosolidario, suelta de tortugas, etc. Sonidos jóvenes y veteranos que viajan desde Jamaica, Estados Unidos, Cuba, Marruecos, Cabo Verde, Reino Unido, Níger y, por supuesto, España, inundarán el Parque de Santa Catalina en esta esperada nueva edición de WOMAD Gran Canaria – Las Palmas de Gran Canaria. Grandes nombres como el del legendario cantante de reggae Horace Andy o el de la banda británica The Brand New Heavies compartirán escena con el aclamado guitarrista tuareg y cantante Bombino, el atrevimiento de la marroquí Hindi Zahra, la intimidad del caboverdiano Miroca Paris, el remix de folclore y música urbana que propone Beating Heart, el ‘indie mambo’ de la Orkesta Mendoza y el misticismo de La Dame Blanche. La creación española y canaria también estará muy bien representada gracias al arriesgado Niño de Elche, la potencia sonora de Tu Otra Bonita, el reggae y dancehall de Profecía Crew. los metales de 101 Brass Band y el mestizaje insular de Kuarembó. Esta amplia programación es gratuita para todos los públicos, pero WOMAD Gran Canaria – Las Palmas de Gran Canaria no se limita a los conciertos que llenarán de sonidos universales el parque de Santa Catalina los días 10 y 11 de noviembre. El festival propone una amplia programación, también gratuita e igualmente dirigida a todos los públicos, que incluye talleres para adultos, impartidos por los artistas jamaicanos Ripton Lindsay y Ras Happa, que desvelarán los secretos del baile y las percusiones de la danza Kumina; talleres infantiles a cargo de los experimentados Purple Moon Arts y Urban Outdoors, que construirán con los más pequeños un universo mágico de formas, objetos, disfraces, títeres y otras piezas que se mostrarán durante el pasacalles final el domingo 12 de noviembre; un ciclo de cine en colaboración con Casa África, en el que la cinematografía del vecino continente será absoluto protagonista; un Mercado Global, en el que habrá una muestra representativa de la artesanía hecha en Gran Canaria, así como también un espacio dedicado a las ONG, un taller de marionetas o una suelta de tortugas en la Playa de Las Canteras, entre otras muchas más actividades. WOMAD regresa a la ciudad capitalina promovido por el Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria y el Cabildo de Gran Canaria; tiene el respaldo del Gobierno de Canarias, de Casa África y de patrocinadores privados. Programación del viernes 10 de noviembre Escenario 1 18.00h. Papaya. (Canarias-España) 20.00h. Tu Otra Bonita. (España) 21.45h. Lectura del Manifiesto WOMAD. 22.00h. Orkesta Mendoza. (Estados Unidos) 00.00h. Horace Andy. (Jamaica) Escenario 2 19.00h.101 Brass Band. (Canarias-España) 21.00h. Miroca Paris. (Cabo Verde) 23.00h. Beating Heart. (Reino Unido) Programación del sábado 11 de noviembre Escenario 1 18.00h. Profecía Crew. (Canarias-España) 20.00h. Hindi Zahra. (Marruecos) 22.00h. Bombino. (Níger) 00.00h. The Brand New Heavies. (Reino Unido) Escenario 2 19.00h. Kuarembo?. (Canarias-España) 21.00h. Nin?o de Elche. (España) 23.00h. La Dame Blanche. (Cuba)
Source : abc.es | 2017-11-10 13:18:23.0
La densidad y groove en la música de Los Espíritus, crea atmósferas cargadas de sugestión. Esta banda, de las más singulares del under porteño de los últimos años, describe historias rabiosamente urbanas sobre peleas callejeras, chicos que aspiran pegamento en suburbios castigados por la miseria y policías que acechan inocentes, logrando conquistar a cuanto oído los escucha. Su primer larga duración «Los Espíritus» fue editado de manera independiente y les valió el título de «Banda Revelación 2013» en Argentina. En 2015 llegó «Gratitud», y este 2017 salió a la luz «Agua Ardiente», un sólido y adictivo tercer trabajo con el que vienen decididos a inundar España de la psicodelia más romántica (antes de Madrid pasarán por la sala Razzmatazz de Barcelona, el día 11 de octubre). ¿Cómo nacieron Los Espíritus? El grupo surge en 2010. Arrancamos a ensayar sin tener repertorio, aunque sí sabiendo que queríamos hacer música basada en la improvisación, el ritmo y el blues. Dedicamos gran parte de ese año a jugar e improvisar, se ensayaba de las once hasta las dos en el living de la casa de Martín Ferbat (bajo), hasta que hubo que mudarse a una sala de ensayo por una serie de huevazos e improperios lanzados desde el balcón de enfrente. Nuestra primera grabación es un registro de esos ensayos, una improvisación larga que lleva el nombre de «Hacele Caso A Tu Espíritu», y que está subida a nuestro bandcamp. En 2011 grabamos las primeras canciones que teníamos en un EP llamado «Lo Echaron Del Bar». A esa altura ya estábamos tocando en vivo en el circuito underground de Buenos Aires. ¿Cuáles son las principales influencias del grupo? Escuchamos muchas cosas y seguramente cada uno tiene distintas influencias. Todos coincidimos en la música con raíces en el blues, Robert Johnson, Muddy Waters. También cosas más cercanas en el tiempo como Nick Cave o Lou Reed. Tom Waits. También la psicodelia por el lado de Jimi Hendrix o 13th Floor Elevators, Pink Floyd. Bob Dylan, toda su gigante obra pero especialmente el sonido que logró en estos últimos tiempos. Miguel Mactas (guitarra) escucha mucho reggae y dub. En los últimos tiempos la gira nos llevó a lugares como México y Colombia, donde nos pusimos en contacto con la música salsera, que Pipe (batería) conoce bien, por tocarla desde niño en su Colombia natal. A nivel local también hay mucha música y mucha historia en el rock de nuestro país, grupos como Almendra, Pappo, Manal, Color Humano, Moris, Miguel Abuelo y Los Abuelos De La Nada, Tanguito. Toda la música nos gusta y nos influencia, no estamos interesados en reproducir puramente un sólo género o estilo, sino más bien encontrarle la vuelta a cada canción. ?Sus primeros temas ya sonabana Los Espíritus que son hoy? Cuando empezamos a ensayar y todavía teníamos ninguna canción, sabíamos que queríamos hacer música con mucho espacio para la improvisación y el ritmo, con raices en el blues. Después el sonido del grupo se fue desarrollando a través del tiempo con el aporte de todos, porque trabajamos todo en forma grupal y cada uno de nosotros aporta lo suyo, el sonido del conjunto es una suma de todas las personalidades y criterios. ¿Cuál fue la premisa de la grabación de «Agua Ardiente»? La premisa era registrar el sonido del grupo tocando en vivo de la mejor manera posible. Para eso alquilamos un estudio, el Attik, que tiene la particularidad de que se graba en cinta abierta, en forma analógica. grabamos tocando en vivo todos en la misma habitación. Estamos muy conformes con el resultado, e hicimos una edición en vinilo para que se aprecie la calidad del sonido analógico con todo su color. ¿Comonen todos en el grupo? Si bien las canciones en su mayoría las hacemos Maxi Prietto y yo, cada cual por su lado, y las llevamos hechas a la sala de ensayo, en el proceso de ensayarlas hay espacio para el aporte de todos, y muchas veces el grupo transforma las canciones, se las apropia y todo puede cambiar, el tempo, el tono, los acordes, se pueden agregar o quitar partes, etc. Todo eso es un proceso grupal, con lo cual finalmente las canciones una vez que entran a Los Espíritus, pasan a ser obra del grupo, más que de la persona que la compuso en un primer momento. ¿Se sienten parte de una escena? Preferimos no poner límites, no somos un grupo que busque hacer una música de género, nos gusta aprender a tocar los distintos géneros, porque eso nos da muchas herramientas, pero eso después se aplica mezclado con otras cosas. Estamos más bien en la búsqueda de sonidos propios, de una impronta nuestra, que por supuesto se nutre de toda la música que podemos escuchar. ¿Le dan importancia a su imagen? Trabajamos con dos diseñadores gráficos que son excelentes. Por un lado, La Vieja Flores hizo las gráficas de nuestros dos primeros discos, Los Espíritus (2013) y Gratitud (2015), y para Agua Ardiente (2017) trabajamos con Santi Pozzi, que también se encargó del diseño de la edición en vinilo. Ambos a su vez se encargan del diseño de nuestros flyers, sitios de internet y todas las piezas gráficas en distintas plataformas. ¿Que les espera tras su gira española? Vamos a estar girando por España y Francia hasta mediados de noviembre, después volvemos a Argentina y nos vamos a tocar por el norte, a Salta, Jujuy y Tucumán. Después vamos a estar en Costa Rica, México y Chile y cerrar el año en Buenos Aires, en diciembre. Después nos vamos a tomar un descancito. Estamos editando un videoclip de una canción de «Agua Ardiente» en vivo, que incluirá imágenes de la grabación del disco y del concierto de presentación. Si pudieran resucitar a un artista para hacer una canción con él o ella, ¿quién sería? Imagínate que resucitas a Jimi Hendrix, el tipo abre los ojos, se refriega un poco y me ve a mí que le digo: «Jimi, te resucité para que toques la guitarra en esta canción. Fíjate que después de la segunda estrofa no se me ocurre nada, estaría bueno si le metés un delay». Me caga a trompadas, pero si tuviera que resucitar a algún músico creo que me gustaría revivir a Jimi Hendrix, a John Lennon, a Fela Kuti, a Eduardo Mateo o a Luis Alberto Spinetta. Los Espíritus en la sala Copérnico, jueves 19, 20h. Entradas a 15 euros. Sala Copérnico Calle de Fernández de los Rios, 67
Source : abc.es | 2017-10-08 12:22:41.0
¿Qué es el reguetón? ¿Qué es el electro-latino? ¿Son la misma cosa con diferentes nombres? ¿Uno engloba al otro, o lo ha sustituido y desplazado? El fulminante boom de la nueva ola de música latina ha dejado a muchos descolocados y sin saber distinguir una cosa de la otra. Podría parecer que a simple oída no hay matices entre ambos, pero sí los hay, abundantes e importantes. Para empezar, el reguetón es mucho más antiguo y tiene un origen más coral que el electro-latino. Nació a mediados de la década de los ochenta en Panamá, cuando el productor Michael Ellis fundió las palabras «reggae» y «tone» para describir la nueva música que se hacía en su país, fruto de la combinación de ritmos traída por los miles de trabajadores caribeños llegados para construir el Canal. En cambio el electro-latino es mucho más reciente, ya que se fija su fecha de nacimiento en 2010, y tiene un «padre fundador» que, curiosamente, es catalán. Se trata del badalonés Juan Magán, quien ya comenzó a establecer las bases del género un lustro antes con el grupo los Guajiros del Puerto. Otra diferencia muy clara está en el ritmo. El reguetón se basa en un ritmo muy utilizado por el dúo jamaicano Steely & Clevie, que se dio a conocer como «dem bow» cuando la estrella Shabba Ranks lo empleó en la canción del mismo nombre. En este aspecto el electro-latino es mucho más libre, ya que puede basarse en ritmos de merengue, mambo, bachata y también reguetón, mezclados con una producción al estilo del techno y el house. Así, podría aceptarse que el reguetón queda englobado en el electro-latino. Pero los puristas del género lo niegan, pues los primeros reguetoneros rapeaban, no cantaban. Sin embargo, la evolución del género ha diluido esa frontera y hoy en día se hacen canciones tanto cantados como rapeadas, y lo mismo ocurre con los temas electro-latinos con ritmo «dem bow». Un análisis similar se podría aplicar a lo concerniente a la instrumentación. El reguetón original se tocaba con instrumentos reales, pero con el tiempo la gran mayoría de sus estrellas graban sus discos con los mismos elementos que los del electro-latino: programaciones y los samples, es decir, música casi estrictamente electrónica. Comparando las canciones «La Gasolina» y «Despacito» pueden verse estas similitudes y diferencias entre ambos géneros. Las dos canciones siguen el patrón rítmico del «dem bow», las dos se basan en la música electrónica, pero en el tema de Daddy Yankee persiste el fraseo al estilo rap del primer reguetón. Luis Fonsi, por el contrario introduce melodía cantada en «Despacito», un hit que en realidad tampoco podría considerarse un modelo de electro-latino, al carecer de elementos techno-house y estar más orientada al pop latino tradicional en cuanto a producción. Ni el reguetón triunfará sobre el electro-latino ni éste ha venido para acabar con él. Ambos estilos conviven y aprovechan elementos uno del otro para enriquecerse y acaparar cada vez más cuotas del mercado discográfico mundial. De ahí viene el nacimiento de la etiqueta «urbano latino», dos palabras con la que todas estas estrellas se identifican cuando describen su música. Y a las que, con miras a dominar el mercado anglosajón (cosa que avanza a pasos de gigante tras el interés de Justin Bieber), siempre les quitan la «o» en las entrevistas para traducirlas al inglés: «urban latin».
Source : abc.es | 2017-09-27 03:14:45.0
La primera vez que Ringo Starr tocó con los Beatles en la legendaria sala The Cavern, en agosto de 1962, tuvo que aguantar gritos del público exigiendo el regreso de su predecesor a la batería. «¡We want Pete, we want Pete!» (queremos a Pete), gritaban los fans que no querían verle en el grupo. El bueno de Ringo aguantó el chaparrón, sabía que sólo necesitaba un poco de tiempo. Cuatro años antes, Lennon, Harrison y McCartney habían probado con un chaval llamado Colin Hanton en su primer conjunto, The Quarrymen. Algo taciturno, no encajaba con la personalidad de la banda. Después con Tommy Moore, con quien hicieron una breve gira escocesa ya bajo el nombre de The Silver Beatles. No tenía grandes habilidades con el instrumento. En 1960, Norman Chapman estuvo cerca de convertirse en el primer baterista estable del grupo, pero el servicio militar boicoteó la formación. Fue entonces cuando cogió las baquetas el rocker Pete Best, un tipo de gran carisma estético pero bastante problemático. Cuando empezó a faltar a demasiados ensayos y bolos, los Beatles lo tuvieron claro. Querían a Ringo, el baterista de Rory Storm and the Hurricanes, quien ya había sustituido a Best en algunos conciertos en Liverpool y Hamburgo. Era muy bueno, simpático, derrochaba energía sobre las tablas e iluminaba la batería con su presencia, y además tenía un flamante Zephyr Zodiac. El próximo viernes, el feúcho de los Beatles regresa con «Give me more love», un nuevo trabajo con el que parece querer exprimir una vez más la energía juvenil que siempre ha corrido por sus venas. Aunque su aportación creativa a los Beatles fue limitada, el día que el grupo se separó Ringo Starr ya estaba beatificado como cuarta parte de la leyenda. Al igual que sus compañeros, arrancó con éxito una carrera en solitario que a finales de los setenta pegó un fuerte bajón. Sólo publicó cuatro discos entre 1978 y 2003, pero a partir de ahí recuperó el aliento y ha estado entregando un álbum cada dos o tres años hasta «Postcards from paradise», publicado en 2015. Cuenta Starr en «Give me more love» con la flamante colaboración de su colega Paul McCartney en dos canciones: «Show me the way», una balada de nostalgia y reencuentro, y «We’re on the road again», un auténtico cañonazo de pub-rock que abre el disco que debió haber sacado en 1985. Grabado en el estudio de su propia casa en Los Ángeles, incluye diez temas inéditos en los que colaboran otros amigos ilustres como Joe Walsh, Edgar Winter, Steve Lukather o Don Was. Curiosamente, lo más jugoso de esta entrega son los cuatro «bonus tracks»: tres son colaboraciones de las actuaciones en el evento Peace & Love que organizó por su cumpleaños en 2016 («You Can’t Fight Lightning», «Photograph», «Don’t Pass Me By»), y el otro es una versión de «Back Off Boogaloo» basada en la grabación original de la canción, descubierta recientemente durante una mudanza. Naíf y no demasiado brillante, el álbum goza sin embargo del innegable empuje que sale de forma natural cuando aún se tiene hambre. El Ringo energético, optimista y desenfadado que sedujo a los Beatles sigue con sus virtudes intactas. Hay pop, rock, country, reggae, blues… Un CD ideal para viajar por carretera, algo que el propio Ringo hará a partir de octubre cuando arranque su nueva gira con los All Starrs, la banda con la que lleva tocando desde 2012 y que integran figuras como Steve Lukather, Todd Rundgren, Gregg Rolie, Richard Page, Warren Hamm y Gregg Bissonette. Por ahora sólo tienen fechas por Estados Unidos, así que habrá que confiar en que Macca le hable maravillas de su última parada en el Calderón y se anime a visitarnos.
Source : abc.es | 2017-09-11 03:27:56.0
Este viernes 8 de septiembre a partir de las 23:00 horas se celebra en Madrid la segunda edición del concierto ?Play 4 Ethiopia? con el objetivo de re[...]
Source : noticias.info | 2017-09-06 12:46:38.0
Corría el año 1963 cuando Bob Marley reunió a varios de sus mejores amigos para formar un grupo llamado The Wailers en Kingston, la capital de Jamaica. Desde allí conquistarían el mundo a ritmo de reggae hasta que en 1980 su líder fundador murió víctima de un cáncer, y desde entonces, la banda ha mantenido vivo su mensaje con diferentes formaciones, unas más estables que otras, pero siempre con el mismo espíritu. En esta ocasión, los Wailers llegan con miembros originales como Aston «Familyman» Barret (bajista fundador), Tyrone Downie (teclista), Junior Marvin y Donald Kinsey (guitarras), músicos de la «vieja escuela» que contarán con Dennis Thompson (ingeniero de sonido del grupo desde sus inicios) y con el talento de la nueva generación: Aston Barret Junior (baterista que sustituye a su tío, el miembro fundador Carlton Barret), Shema McGregor (coros), y Noel Davey (segundo teclista). «Nos encanta estar en España y disfrutar de su música, que nos impregna con la cultura de vuestro país enriqueciendo así nuestra propia música», dice Aston Barret Junior, muy feliz «por poder seguir lanzando el mensaje de paz, amor y unidad» de Bob Marley. «Creo que su legado está siendo bien gestionado por la familia», opina. «Él y mi tío Carlton siempre están con nosotros, y mi padre, Junio Marvin y Donald Kinsey se encargan de que el movimiento nunca pare de crecer». El repertorio de esta gira está centrado en el recopilatorio «Legend-The Best of Bob Marley And The Wailers», el álbum más vendido de la historia del reggae. «Traemos todas las canciones que el público quiere escuchar, con todos los hits legendarios pero también con algo de la nueva música que está por venir, un nuevo disco con el que esperamos conectar con los jóvenes para que se mantengan en el buen camino», cuenta Barret, un artista que está siendo testigo del «regreso de grandes músicos que se habían marchado de Jamaica. Ese éxodo hizo que las raíces de nuestra música se disiparan, pero ahora están renaciendo».
Source : abc.es | 2017-08-25 12:41:51.0

Este Mundial de atletismo fue raro y ni siquiera en el último día se apegó al libreto. La despedida de ensueño de Usain Bolt no se concretó, mientras que Justin Gatlin era abucheado una y otra vez.

Pero Bolt se fue aclamado como el monarca indiscutido del atletismo al bajarse este domingo el telón tras 10 días de competencias.

Clásicos de reggae de Bob Marley y Jimmy Cliff retumbaron en el Estadio Olímpico de Londres, rendido con el fenómeno de Jamaica que les deleitó con su icónica pose del rayo 'Hacia al Mundo' en una emotiva vuelta de honor.

"Todo fue brillante", resumió Bolt en una rueda de prensa, pese a que terminó gritando de dolor en su última carrera, el sábado, cuando sufrió una lesión en el isquiotibial izquierdo al correr la última posta del relevo 4x100.

También terminó tercero en los 100 metros, superado por los estadounidenses Gatlin y Christian Coleman. Si bien su colección de títulos en las grandes citas quedó estancada en 19, con 11 en los mundiales y 8 en los Juegos Olímpicos, Bolt disfrutó la adulación del público antes de pasar el retiro.

El 21 de agosto cumplirá 31 años. Bolt insistió que no se arrepiente de haber seguido compitiendo cuando pudo haberse ido en la cima tras los Juegos de Río de Janeiro el año pasado, en los que se convirtió en el único velocista que ha conseguido el doblete 100 metros y 200 metros en tres citas olímpicas. "Todo tiene un motivo”, señaló.

What a moment for Usain Bolt!

Presented with a piece of the track from #London2012. #BeTheNext pic.twitter.com/LWFlUUnXXK

— BBC Sport (@BBCSport) 13 de agosto de 2017

En calidad, las marcas en Londres fueron mediocres en términos generales: se fijó solo un récord mundial, el de la marcha femenina sobre 50 kilómetros, prueba que debutaba en el programa.

Pero la justa fue un éxito total al montarse en la capital británica, donde el atletismo se vive con fervor. Las tribunas estuvieron copadas durante casi todas las sesiones para establecer un récord de entradas vendidas, 705 mil al cabo de 10 días.

Estados Unidos arrasó en el cuadro de medallas, terminando con un acumulado de 30, a solo una del récord fijado por Alemania Oriental. Kenia fue el otro país que superó los dobles dígitos, con 11.

Los estadounidenses doblaron en títulos a los kenianos, 10-5. El dominio se plasmó cuando Allyson Felix atrapó su segundo oro en la última fecha, ahora como integrante del relevo 4x400.

Ello le permitió convertirse en la atleta más laureada en la historia de los mundiales, inclusive por encima de Bolt.

Una enésima sorpresa se produjo en la última prueba. Trinidad y Tobago venció a Estados Unidos en el relevo masculino 4x400.

Kenia sumó dos de oro este domingo con las victorias de Hellen Oribi en los 5 mil y de Elijah Manangoi, quien lideró un 1-2 en los mil 500 metros masculinos.

Caster Semenya conquistó su tercer título mundial, apelando a su abrumador remate en la recta final para doblegar a la burundesa Francine Niyonsaba.

Semenya le dio a Sudáfrica su tercer oro de la justa.

Colombia contabilizó por tercer Mundial seguido, pero el oro no llegó con su estrella Caterine Ibargüen. Eider Arévalo se consagró en la marcha de 20 kilómetros, para emular el título alcanzado por Luis Fernando López en Daegu 2011.

Campeona del salto triple en las dos ediciones previas, Ibargüen quedó relegada a la plata en Londres, desbancada al inicio de semana por la venezolana Yulimar Rojas, por un exiguo margen de dos centímetros.

Source : prensa.com | 2017-08-14 00:41:42.0
Suena suave y melódico el «Reggae Night» de Jimmy Cliff en el cierre del Mundial de Londres. El disc jockey, la verdadera estrella del certamen, coloca otra pieza estupenda en el colofón de indudable folclore jamaicano. Con el «One love» de Bob Marley salta a la pista por última vez, en esta ocasión en ámbito privado para el público del Estadio Olímpico que lo ha aclamado durante días, su majestad Usain Bolt. Lo hace emocionado con la tercera tonadilla, el «Get up, stand up» de la otra eminencia de la isla, Bob Marley. Bolt está serio, porque es el momento de recogerse y decir hasta siempre. La IAAF, un organismo que parece revitalizado de la mano de Sebastian Coe, le rinde homenaje. Sin que se mueve un alma del estadio, le entrega una placa con un trozo de la pista del recinto donde asombró en los Juegos de Londres 2012 y abdicó en el Mundial 2017. Ha sido otra jornada de tortura para Jamaica, cuyo relevo de 4x400 no ha llegado a la meta por la lesión a lo Bolt de Aneisha McLaughlin-Whilby, que se ha retirado y con ella el equipo. Una marea de fotógrafos acompaña a Usain Bolt en su vuelta al estadio. Cientos de banderas de Jamaica ondean al cielo londinense. Solo había emblemas de Inglaterra y el país caribeño a la venta, tal era la expectación que había despertado la retirada del rey. Bolt se para en los tacos de salida de la calle 4, se santigua, choca los cinco con un niño que salta a la pista, se arrodilla en la meta de la calle 6 que no pudo traspasar el sábado en el relevo, hace el último gesto del arquero y se va. Hasta siempre. En la rueda de prensa sigue emocionado. «Hablaré con Coe, a ver qué podemos hacer por el deporte que amo», cuenta. «No, pero no me veo de comentarista cuatro horas en una silla», apostilla sobre su futura dedicación. Se molesta con una pregunta. «¿Debió retirarse después de Río?», «Siguiente», zanja. Y sí, festeja, «me iré a tomar un trago esta noche».
Source : abc.es | 2017-08-14 00:34:28.0
El festival Rototom Sunsplash ya contaba diecisiete años de vida cuando, en 2010, tuvo que abandonar su ciudad natal en Pordenone (Italia) para emigrar a España. Aquel traslado forzoso por un conflicto con las autoridades, que en principio se vivió como un drama, terminó convirtiéndose en la mejor oportunidad para encontrar una sede aún mejor: Benicasim. Desde entonces, el festival se ha afianzado como la cita dedicada a la música jamaicana más multitudinaria del mundo, reuniendo a 250.000 asistentes cada año alrededor de conciertos, talleres, mercadillos, actividades deportivas, conferencias y un sinfín de propuestas que hacen de Rototom una de las experiencias «festivaleras» más completas del panorama nacional e internacional. Además, este año se proyectará el documental «Wake Up! ¿Qué harías tú para cambiar el mundo?», que fue rodado íntegramente durante la edición de 2011. La primera jornada estará protagonizada por grupos como los catalanes La Pegatina, que despliegan una adictiva combinación de sonidos rumberos que maridan perfectamente con el estilo protagonista, un reggae que mañana tendrá a los jamaicanos Twinkle Brothers como sus principales valedores en Benicasim. Su compatriota Shaggy será el gran reclamo de la jornada del domingo, compartiendo escenario con The Heptones, The Silvertones y Seun Kuti, hijo pequeño del legendario Fela Kuti, que llega con la formidable banda que su padre dirigió en vida, Egypt 80. Durante la semana que viene irán llegando más y más héroes de la música «bluetone», como los reyes del ska británico The Specials, el «Doctor of Dancehall» Beenie Man, e incluso uno de los vástagos de Bob Marley, Ky-Mani Marley, que presentará su proyecto junto al alemán Gentleman. También estarán The Wailers, la banda fundada y liderada por el propio Marley en 1974, que interpretará sus temas más conocidos el próximo jueves 17. África, continente al que se rinde homenaje en este edición, estará representada por varios artistas que llegan liderados por la estrella de Costa de Marfil Alpha Blondy, que subirá al escenario principal el viernes 18. El sábado 19 pondrá el broche final el DJ chileno-suizo Luciano. Los datos Benicassim. Recinto de Festivales, kilómetro 986 de la carretera N-340. Del 12 al 19 de agosto
Source : abc.es | 2017-08-11 12:20:14.0

Un gol de Jordan Morris a un minuto del cierre del partido le dio a Estados Unidos una victoria de 2-1 ante Jamaica en la final de la Copa Oro 2017 de la Concacaf, en encuentro jugado este miércoles en el Levi's Stadium en Santa Clara, norte de California.

Los goles estadounidenses fueron a la cuenta de Jozy Altidore (45) y Morris (89), mientras que por Jamaica descontó Je-Vaughn Watson (50).

Estados Unidos levantó por sexta vez la Copa, y ahora está a un título de empatar con México como los máximos ganadores del torneo regional de la Concacaf. Jamaica fracasó por segunda vez en una final del torneo regional, luego de caer en la del 2015 contra México por 3-1.

Los 'Reggae Boyz' resintieron la salida de su arquero estrella Andre Blake, lesionado en la primera mitad, con una mano fracturada en una jugada bajo el arco.En semifinales, Estados Unidos había vencido 2-0 a Costa Rica y Jamaica sorprendió con un 1-0 a México.

Resultó también una dulce venganza para los estadounidenses, porque en las semifinales de la Copa Oro 2015 fueron vencidos 2-1 por Jamaica.

Fue un gran torneo para el equipo que dirige Bruce Arena, quien se mantiene invicto desde que asumió el cargo en noviembre pasado, con nueve victorias en 14 partidos.

Pese a la ausencia de México, una buena concurrencia de 63 mil 072 personas se dieron cita en el Levi's Stadium para una final inédita entre los dos mejores equipos del torneo.

No pudo faltar en la jornada el grito de "íEeehh Putooo!" que hasta ahora era propiedad exclusiva del fanático mexicano.En el minuto 20 llegó la primera jugada peligrosa de Estados Unidos, cuando un disparo lejano de Jozy Altidore que llevaba pasaporte de gol, fue tapado magistralmente por la 'Araña' Blake volando por los aires.

En la jugada, Blake se jugó el físico para sacarle de los pies el balón a Kellyn Acosta, quien había llegado a rematar el balón despejado por el jamaicano.La acción resultó costosa para Jamaica, pues Blake tuvo que abandonar el partido al lesionarse la mano derecha. Con lágrimas en lo ojos, el '1' fue sustituido en el minuto 23 por el segundo arquero, Dwayne Miller.Lejos de derrumbarse, los 'Reggae Boyz' se animaron y comenzaron a llegar con más velocidad por los carriles a los predios de Tim Howard.

En el 42, Jamaica consiguió su primer tiro libre del partido y lo cobró Kemar Lawrence, el hombre que eliminó a México con similar jugada.

Pero Howard estuvo atento y conjuró la amenaza abrazando el balón con sus manos.Tres minutos más tarde, el estadio brincó de emoción, cuando Altidore colocó un cañonazo en cobro de tiro libre, por encima de la barrera, que arrancó las telarañas del ángulo superior derecho de la puerta jamaicana.

Con la tranquilidad del 1-0 Estados Unidos se fue al descanso, mientras Jamaica ingresó a los vestidores bajo de ánimo, y Blake en la enfermería.Apenas arrancó la segunda mitad cuando a los 50 Jamaica logró el empate 1-1 con un soberbio gol de Je-Vaughn Watson, rematando un tiro de esquina algo pasado de Kemar Lawrence.

El partido se volvió a tornar trabado y Arena envió a la cancha a su amuleto de la buena suerte, el 'vaquero' Clint Dempsey, en el minuto 55. En el 72, Jordan Morris sacó fuerte disparo de pierna derecha que el portero Miller resolvió tirándola por encima del larguero, pero Jamaica replicó con un contragolpe veloz y centro peligroso de Alvas Powell, que obligó a Howard a tirarla fuera.

Dempsey estuvo a centímetro de marcar su gol 58 con la camiseta del Tio Sam, cuando su zapatazo pegó en el poste, con Miller ya vencido.

El partido cobró drama, con un Jamaica que salió respondón y tuvo en vilo a la fanaticada local, hasta que Morris definió con su zapatazo a un rebote en el área, que pasó como un bólido por entre las manos de Miller.

Source : prensa.com | 2017-07-27 06:22:45.0
La banda regia El Gran Silencio festejará 25 años con un “vibrante” espectáculo que pondrá a sus seguidores a bailar y brincar al ritmo de “puros cañonazos” que la han encumbrado con su ecléctica fusión, que va del ska, rock, polka a la cumbia, reggae o raggamuffin.
Source : La Jornada | 2017-07-26 09:34:22.0
El legendario trío vocal jamaicano debuta hoy en España dentro del festival Nowa Reggae del Vilanova i la Geltrú
Source : elperiodico.com | 2017-07-14 19:34:43.0
Si atendemos a las entrevistas realizadas recientemente por ABC a algunas de las estrellas que encabezan el cartel de La Mar de Músicas, se podría decir que este año el festival de Cartagena se ha contagiado de su espíritu. Residente contaba su viaje alrededor del mundo buscando músicos de diferentes culturas —desde China a Ghana— para grabar su primer disco en solitario, mientras Michel Camilo declaraba: «Tomatito y yo hemos absorbido sonidos y estilos muy diferentes, para hacer caer barreras y establecer diálogos con otras culturas». El concejal de Cultura del Ayuntamiento de Cartagena, David Martínez Noguera, lo explicó con sus propias palabras: «En esta 23ª edición del festival no nos vamos a ceñir a un país en concreto, sino que hemos querido reunir los diferentes estilos musicales que definen el sonido de América Latina y su cultura». En ediciones anteriores, La Mar de Músicas se centró en países como Suecia, Chile, Noruega, Perú, Italia, Colombia, Marruecos o México, pero este año ha decidido ampliar sus fronteras para dirigir su mirada hacia todo el continente sudamericano, a través de cincuenta conciertos, 13 películas, 11 exposiciones y 15 charlas literarias, que se celebrarán en la localidad murciana entre el viernes 14 y el sábado 22 de julio. Una conjunto que convierte a esta cita en, probablemente, el mayor evento cultural de Europa en torno a Latinoamérica. La programación musical, motor principal del festival, será inaugurada precisamente por Residente. El exlíder de Calle 13 llega a Cartagena para presentar su primer trabajo en solitario, gestado a través de un viaje de dos años alrededor del mundo, en el que buscó sus raíces musicales en Siberia, el Cáucaso, Pekín, Níger, Azerbaiyán o Barcelona, incluyendo zonas de guerra o escenarios de atentados como la escuela de Beslán. La actuación del puertorriqueño ganador de 21 premios Grammy será el punto de partida a ocho días de conciertos de otros grupos procedentes de Colombia, Ecuador, Perú, México, Cuba, República Dominicana, Chile, Honduras, Argentina, Brasil y Guatemala, además de Europa y África. A la cabeza, músicos respetados como Michel Camilo y Tomatito (16 de julio), Pablo Milanés (17 de julio), Rodrigo Leão y Scott Matthew (18 de julio), Franco Battiato (20 de julio), UB40 (21 de julio) y la voz femenina más importante del continente africano, Oumou Sangaré, y el rey del reggae, Alpha Blondy, cerrando esta edición el sábado 22. Todo ello con el recuerdo de Violeta Parra en el horizonte, a través del homenaje que el festival brindará a la folclorista más importante de América en el centenario de su nacimiento. Habrá propuestas de lo más variadas, entre las que también estará presente España con algunas de las nuevas voces femeninas del flamenco, como Rosalía (junto a Raül Refree) y Rocío Márquez, o bandas como la formada por Juanito Makandé y El Canijo de Jerez: Estricnina. Representando a Puerto Rico estará, además, la hermana de Residente, iLe, presentando el trabajo con el que en febrero ganó el Grammy al mejor álbum de rock: «Ilevitable». Se verán juntos, también, a grupos renovadoras de la música tradicional colombiana, como Systema Solar, El Caribefunk, Puerto Candelaria y Aterciopelados. Sorprendentes propuestas de la electrónica ecuatoriana, como Nicola Cruz y Mateo Kingman. Consagrados grupos peruanos como Bareto. Estrellas indie de México, como Carla Morrison. Joyas de la música urbana de Cuba, como La Dame Blanche, o jóvenes cantoras de Brasil como Céu y María Gadú. Sin olvidar a los invitados procedentes de Estados Unidos, como la joven cantante de jazz Kandace Springs y la chelista Leyla McCalla. Esta edición ha decidido, igualmente, pregonar la profunda renovación del cine latinoamericano en el siglo XXI con la proyección de 10 películas. Se podrán ver títulos premiados en los festivales más importantes del mundo, de directores como Santiago Mitre («Paulina»), Pablo Larraín («Neruda»), Jorge Perugorría («Fátima o el Parque de la Felicidad»), Anna Muylaert («Madre solo hay una»), Arturo Ripstein («La calle de la Amargura»), Kleber Mendoça Filho («Doña Clara»), Fernando Pérez («Últimos días en La Habana») o el recientemente premiado en el Festival de Málaga, Víctor Gaviria («La mujer del animal»): «Mis películas siempre se han centrado en aquella gente cuya visión de la vida está absolutamente distorsionada, con chavales que piensan que matar es trabajar y que drogarse es la única vía de escape», contaba el director colombiano a ABC hace tres semanas. Además de estos largometrajes, se proyectarán tres documentales musicales. Uno sobre Violeta Parra («Violeta más viva que nunca»), de Ángel Parra y Daniel Sandoval; otro sobre Paco de Lucía («La guitarra vuela»), de Javier Limón y Jorge Martínez, y un tercero dirigido por el mismo Residente sobre su viaje alrededor del mundo. La sección de arte del festival expondrá, por primera vez en España, «Diario de seis días. Un fotógrafo en La Habana». Se trata de las imágenes tomadas en la capital de Cuba por Juan Manuel Díaz Burgos —reciente Premio Bartolomé Ros de PHotoEspaña a toda su trayectoria—, durante la muerte de Fidel Castro. El fotógrafo cartagenero tuvo el privilegio de estar presente en aquel histórico momento y retratar con su cámara lo que se vivió en la ciudad, así como los días de espera hasta que el cuerpo del líder comunista salió hacia Santiago. Se expondrán también las fotografías de José Luis Vidal Coy, con las que ha tratado de ambientar visualmente una de la obras más importantes de uno de los escritores más influyentes en lengua española: «Los detectives salvajes», de Roberto Bolaño. Y podrán verse fotografías de la argentina Liliana Maresca y piezas del chileno Patrick Hamilton en «El ladrillo». En La Mar de Arte, como se conoce a esta sección del festival, hay organizadas otras 11 exposiciones de artistas latinoamericanos, a través de una muestra colectiva llamada «Ilumina nuestra frontera». El objetivo: demostrar que el arte de América Latina no es una realidad única, sino un compendio descomunal que varía entre los diferentes países e, incluso, dentro de una misma generación. Igualmente, el colombiano Nadín Ospina regresa al festival con su exposición «Del Otro mundo», mientras que Alexandre Arrecha mostrará «La seducción del fragmento», entre otras propuestas. Por último, una quincena de escritores latinoamericanos participarán en talleres, encuentros y coloquios en la sección literaria de La Mar de Músicas. Pasarán Winston Manrique, Patricio Pron, Gabriela Wiener o Juan Carlos Chirinos, entre otros, con el objetivo de acercar el panorama literario actual de Chile, Perú, Argentina, Venezuela, Colombia, México y Cuba.
Source : abc.es | 2017-07-12 04:27:39.0
Al Cruïlla se le aplaude, y con razón, su inquietud a la hora de diseñar carteles transversales y de repescar artistas poco dados a dejarse ver por aquí, y desde ahora habrá que agradecerle también haber hecho posible el regreso de Ryan Adams a Barcelona quince años después de su única actuación en la ciudad. El estadounidense estaba programado en uno de los escenarios supuestamente secundarios, pero se convirtió en el gran triunfador de la noche gracias a una soberbia y electrizante actuación que aniquiló el regusto agridulce que dejó su debut en la sala Bikini. Acompañado por una banda de primera que a ratos sonaba como los Replacements hincándole el diente al repertorio de Fleetwood Mac, troceó lo mejor de su extensa discografía y lo sirvió con una entrega admirable, alternando el poderío melódico de «Do You Still Love Me?», «To Be Young (Is To Be Sad, Is To be High)», «Doomsday» y «New York, New York» con la épica romántica de «Come Pick Me Up», «When The Stars Go Blue» o esa «My Winding Wheel» en acústico con la que se despidió. Energía pura para una actuación memorable. Antes de que Adams se coronase como prodigidio indiscutible del rock americano, Steve Van Zandt, mano derecha de Springsteen y capataz de los fogosos The Disciples Of Soul, tiró de galones para convertir el escenario principal de Cruïlla en una gran fiesta de soul y rock entre guiños a Etta James y Southside Johnny y canciones de marcad perfil springsteeniano. Un viaje al corazón del ritmo de acabado imponente -entre vientos y coristas, sobre el escenario había 14 músicos- y con puntos álgidos como «I Don’t Wanna Go Home» y «Love On The Wrong Side Of Town». Eso sí: cuando el de Nueva Jersey jugueteó con el reggae, la cosa bordeó el desastre. Otros veteranos con clase, los británicos Pet Shop Boys, tomaron el mando del control central antes de la medianoche y demostraron, una vez más, que andan sobrados de recursos para ejercer de reclamo pop con todas las garantías. Les falló el sonido, sí, pero la presencia de tres músicos extra sobre el escenario y ese repertorio moteado de rarezas como «In The Night» y «Home & Dry» añadieron nuevas lecturas a sus últimas visitas. No faltaron clásicos como «West End Girls», «It’s A Sin», «Go West» o «Always On My Mind», todos ellos reforzados por la parte electrónica y vestidos de fiesta ochentera con vistas al futuro. Antes de que el dúo británico echase el cierre y los vistosos globos de colores que coronaban el montaje se desinflasen, el ritmo ya se había trasladado (y también multiplicado) a ese escenario vecino en el que René Pérez rehacía a toda prisa arrolladores himnos de Calle 13 como «El aguante y estrenaba algunas de las piezas de su debut en solitario acompañado de una banda que si de algo andaba sobrada era de brío y de habilidad para añadirse un plus de intensidad al ya de por sí desmadrado reggaeton de «Atrévete-te-te». Baile y locura para empezar a despedir una noche a la que aún la faltaba le guinda despendolado de los siempre efectivos y feroces The Prodigy.
Source : abc.es | 2017-07-09 15:24:25.0
«Nunca fui educada en los estilos», asegura Concha Buika (Palma de Mallorca, 1972). No hace falta que lo jure, tan solo hace falta echar un vistazo al currículo que ha acumulado desde que publicó su debut en 2000, «Mestizüo», para comprobarlo. Tan pronto se junta con la intérprete india de sitar Anoushka Shankar, como es invitada a tocar en el Blue Note de Nueva York por el mismísimo Chick Corea. «Y lo peté», asegura. Puede ficharla Seal para participar en uno de sus discos o grabar un tema con Nelly Furtado. Colaborar con una cantante de fado como Mariza o subirse a un escenario con guitarristas de jazz y flamenco como el Niño Josele o Pat Metheny. O puede cantar junto al trompetista Terell Stafford y llenar también el Carnegie Hall, con Chucho Valdés, para presentar un disco de homenaje a Chavela Vargas. Concha Buika y Chuchoo Valdés publicaron «El último trago», en 2009- ABC «Mi madre bailaba todo igual, ya fuera música africana, heavy metal, la sintonía del Telediario o la música clásica. Ella venía de una tribu de Guinea y todo lo resumía en música de blancos o de negros, pero lo escuchaba todo con la misma pasión. Así es como nos educó», cuenta la cantante mallorquina, antes de presentarse en Madrid, de nuevo junto al maestro Chucho, este sábado en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII de Madrid (20.00 horas). Conoció al pianista cubano a finales de la década pasada. Buika ya había publicado cuatro discos, entre ellos, «Niña de Fuego» (2008), el mismo que catapultó su carrera internacional y que fue elogiado por medios como «The New York Times», «The New Yorker» o «Miami Herald». Fueron sus dos primeras nominaciones a los premios Grammy Latinos. Chucho Valdés, hijo del gran Bebo Valdés, ya era conocido como uno de los mejores pianistas del mundo y uno de los grandes referentes de la historia del jazz latino. Una leyenda que el pianista empezó a forjar con Irakere, el grupo que fundó a mediados de los 70 para revolucionar la música cubana, mezclándola con elementos del rock, la música clásica y la música tradicional afrocubana, además del jazz. «Me impresionó conocer al maestro. Me sentí una privilegiada», asegura Buika, sobre el hombre que, a lo largo de las últimas cuatro décadas, ha compartido giras mundiales con leyendas como Dizzy Gillespie, Herbie Hancock, Carlos Santana, Michel Legrand, Michel Camilo, Chano Domínguez, Wynton Marsalis, Joe Lovano, Max Roach, Ron Carter o Tito Puente, por citar solo a algunos. «Recuerdo la llamada de mi representante para darme la noticia: “¿Una colaboración con el maestro Chucho? ¡Ay, qué maravilla!”, grité. Ni me lo pensé, por supuesto. Fue una bendición, un regalo de Dios», confiesa Buika, en una entrevista que rezuma espiritualidad (llámenlo poesía o como prefieran) por sentencias como: «La música vive más allá del tiempo», «soy un pájaro, y los pájaros no son de ningún sitio» o «las canciones vienen del cielo y se dirigen hacia nuestro cielo personal». Las artista mallorquina de sangre guineana contesta desde Miami, la ciudad a la que se trasladó en 2011, para poder atender la fuerte demanda de conciertos que tenía en Estados Unidos. Asegura que, para ella, grabar un disco y salir a tocar con Valdés fue «como si recibiera un Grammy o un Oscar». Como un pequeño paso que dio «hacia algo que es maravilloso: la eternidad», pero que en ningún momento se puso nerviosa: «¡Ay, papi! A mí no me da miedo nadie. Tengo temor a Dios y a Hacienda, pero no a las personas. Soy soberbia de nacimiento, lo siento. Es un pecado capital que me encanta. Sentí que era algo que estaba en mi camino y que me lo merecía. Creo que las personas tenemos que valorarnos más, sobre todo en España, que nos hemos criado con la zapatilla en la colleja». Desde entonces, Buika no ha dejado de jugar con el flamenco, el jazz, el soul, el pop, el rhythm & blues, el reggae y, en la última etapa, con el rock. Ya lo destacó Pedro Almodóvar cuando, en 2011, seleccionó dos canciones suyas —«Por el amor de amar» y «Se me hizo fácil»— para la banda sonora de «La piel que habito»: «Al verla atraída por géneros musicales tan diferentes y mezclarlos todos con tanta gracia y espontaneidad, uno no puede dejar de pensar que hay un futuro más brillante mientras se pueda testificar la evolución ilimitada de esta intérprete infinita». «Mi estilo ha cambiado mucho desde que actué por última vez con Chucho Valdés —reconoce—. Me puse la chupa de cuero y me fui hacia el rock & roll, hacia el ruido. Me alejé del romanticismo y de las músicas más tradicionales… Me lo estoy pasando muy bien». «Lo único que me importa es la buena música. Si un tema me suena bonito y la persona me parece simpática, acepto cualquier colaboración. Que sea músico puede, incluso, darme igual. Si Rafa Nadal me ofreciera cantar un tema, lo canto con él. ¡Y con su tío! Todo lo que suene bien será bienvenido», añade la cantante entre risas, con una idea clara: «Lo importante es que la gente lo goce».
Source : abc.es | 2017-07-01 03:18:20.0
Con una propuesta latina y exótica, que explora diversos géneros como reggae, ska, cumbia, salsa y swing, Villa Exótica se consolida como una banda multicultural con miembros de diferentes rincones del mundo.
Source : La Jornada | 2017-06-30 08:42:48.0
Con un retraso notable pero cortés, y sobre un escenario desnudo y minimalista, Joaquín Sabina desprecintó en Madrid las canciones de su último disco y barnizó lo mejor de su repertorio. El de Úbeda dio un concierto elegante, fresco y rejuvenecido, con el que confirmó que podrá dedicarse a esto hasta que le dé la gana. Sabina entró al Palacio de los Deportes con el bombín por montera, agradecido por verse entre amigos. «No miro las fechas de las giras porque me agobio -dijo-, pero teníamos grabadas a fuego las fechas de Madrid. ¡Siempre es emocionante volver a casa!». Y con esas se cantó la mitad de su último disco sin apenas tomar aire. Empezó con «Lo niego todo», como una declaración de intenciones por lo que pudiera venir, y a la quinta canción ya había descorchado el reggae con «¿Qué estoy haciendo aquí?», el tema que evidencia que Sabina sigue ambicionando nuevos sonidos y nuevas formas de llegar. Para producir «Lo niego todo», Sabina tiró de Leiva, con quien ya había intercambiado letras, favores y acordes. De un telefonazo le sacó de una tumbona en la playa, donde el «ex» de Pereza estiraba las piernas tras la publicación de su tercer disco, pero, al contrario que en el concierto que dio en Londres, Sabina no tuvo al rockero como artista invitado. El público le perdió el respeto a las buenas formas con «Lágrimas de mármol», que es un canto al que me quiten lo «bailao». Sabina se tomó un descanso y, como si el jefe hubiese abandonado la oficina, Pancho Varona tocó «La del pirata cojo» para llevar la rebeldía y el rock canalla al WiZink Center, donde empezaron a sobrar las sillas. Aún quedaban casi dos horas de concierto, pero los himnos no entienden de fatigas. Voces aliadas Uno de los grandes aciertos de Sabina, y el que le permite poner a cantar al talludo y al adolescente, es saberse rodear. Tiene la humildad de pedir consejo y el talento para conservar una banda por la que no parece pasar el tiempo. La voz de Mara Barros hizo un cameo en el descanso del maestro, pero se destapó de manera definitiva y rotunda con «Y sin embargo te quiero», que fue el anticipo de la fase más acústica del concierto. Es ahí cuando le sale a Sabina la vena flamenca, porque uno es de Úbeda y no tiene por qué esconderlo. Él se define como un hombre de provincias y termina las canciones agarrándose el brazo izquierdo, como si el aplauso le infartara. Hubo tiempo para el «Ruido», para dejarse caer «Por el boulevard de los sueños rotos» y para gritar una vez más «19 días y 500 noches», un tema al que no le arrugan ni los días, ni las noches, ni «la voz de lija» que dijo tener Sabina antes de ceder el testigo a Antonio García de Diego, su guitarrista de cabecera. Esa fue la penúltima pausa del maestro antes de redondear un concierto en el que pareció quitarse años. Se le vio sudar como un debutante y aturdirse mirando al fondo del Palacio de los Deportes, donde están las entradas más baratas y los seguidores más gritones. «Es jodido cantar después de Jaime (Asúa)», reconoció Sabina tras la actuación de su guitarrista. Dice el de Úbeda en «Lo niego todo» que no es «ni cantante de orquesta ni el Dylan español». Y es verdad. Lo que diferencia a Sabina y su banda de una orquesta cualquiera es que todos lo hacen bien. Hizo amago de despedirse con «Y nos dieron las diez» y «Princesa», pero el público le advirtió: «Eh, Sabina, así no se termina». Acabó con «Pastillas para no soñar» cuando todavía resonaba el «Nos dijimos adiós, ojalá que volvamos a vernos». Hoy, sin ir más lejos, tienen una segunda oportunidad.
Source : abc.es | 2017-06-22 03:31:35.0
3 La cita, que contará con un amplio programa de actividades paralelas, se celebrará del 21 al 23 de julio
Source : elperiodicodearagon.com | 2017-05-30 03:55:01.0
Dirigidos a niños de 2 a 8 años, los «Mininanais» forman parte de un proyecto que propone educar en valores a través de canciones marchosas con ritmos que van desde el rock hasta el reggae. Estos temas son entonados por cuatro criaturas dibujadas en 2D con estética maorí, pero de factura española. Lanzados hace apenas dos meses, los vídeos, que abordan asuntos como el miedo a la oscuridad, se recogen en un canal de Youtube, que ya supera las 560.000 visualizaciones y 2.700 suscriptores, y en la página web www.mininanais.com Enmarcada en la celebración, el próximo 17 de mayo, del Día Internacional del Reciclaje, la última entrega es «Baila el Bura-Bura, recicla tu basura». Con este vídeo tratan de concienciar, a través de la música y el baile, a los niños acerca de la importancia que tiene tratar los desechos como corresponde, para así proteger el medio ambiente. Además, los «Mininanais» hacen campaña junto a Ecoembes y aterrizan en cerca de 800 colegios de toda España para sensibilizar a los más pequeños en la impostancia del reciclaje. Así, el Día Mundial del Reciclaje y con el hashtag #ReciclaYBaila, los alumnos de los centros educativos pertenecientes a la Red EducaEnEco (en Castilla y León, Madrid, Canarias y Extremadura) podrán alguna actividad relacionada con el reciclaje e inspirada en este último vídeo. Los pequeños podrán mandar murales, vídeos, fotos, disfraces, hacer sus propios personajes con manualidades… los trabajos serán publicados por Ecoembes en sus blog y canales dedicados a educación ambiental Rock, reggae, rap… no hay ritmo que se les resista a estas criaturitas. «Desde el principio, quisimos cuidar mucho la calidad, tanto de la animación como la producción de las canciones -explica Marta Corral, creadora e impulsora de este proyecto- pero sobre todo nos parecía muy importante el contenido y el mensaje de cada canción, por lo que no dudamos en contar con asesoramiento pedagógico especializado en el mundo infantil y que cada detalle estuviese supervisado y controlado». En lo que se refiere a las temáticas, cada canción nace pensando en los pequeños y en su desarrollo: superar un miedo, adoptar un hábito, fomentar la psicomotricidad y se completa pensando en los mayores aportando el ritmo adecuado para crear un momento de diversión familiar.
Source : abc.es | 2017-05-11 01:23:58.0

Un acuerdo de pena que declara "penalmente responsable" a Eustacio Fidel Guerra Saldaña, conocido como El Tachi, fue avalado por el juez de Garantías del Primer Circuito Judicial de Panamá, Carmelo Zambrano.

Al cantante de reggae, de 19 años de edad, se le impuso una pena principal de 60 meses de prisión, "como autor del delito contra la seguridad colectiva, en la modalidad de posesión de arma de fuego", detalla una nota del Órgano Judicial. Como pena accesoria, a Guerra Saldaña se le prohíbe portar armas de fuego.

El juez de la causa avaló también la petición de la defensa de El Tachi con base en el artículo 65 del Código Penal, que establece la sustitución de la pena principal de prisión por el trabajo comunitario de labores de ornato y aseo, que el sentenciado "deberá realizar ante la Junta Comunal de Puerto Caimito, en La Chorrera, Panamá Oeste, por un período de 120 semanas, los días lunes, miércoles y viernes".

Además, el juez Zambrano ordenó que el arma de fuego aprehendida fuera destruida.

El caso de Eustacio Fidel Guerra Saldaña se encuentra en la instancia de un juez de cumplimiento, quien "velará por la fiel ejecución del acuerdo de pena".

El reguesero fue detenido el pasado 29 de marzo, por agentes de la Policía Nacional, en el sector de la 24 de Diciembre. Dentro del vehículo que conducía, debajo de los pedales, había un arma de fuego y Guerra Saldaña no tenía permiso para portarla.

Source : prensa.com | 2017-05-10 19:34:03.0

ANIMACIÓN ESPAÑOLA
Se trata de un proyecto lanzado por un grupo de profesionales de la Comunicación y Educación que propone educar en valores a través de canciones marchosas con ritmos que van desde el rock hasta el reggae.

'Los mininananais', la animación educativa que triunfa en la Red
Source : formulatv.com | 2017-05-08 14:58:00.0
Félix Ortiz (Zion) y Gabriel Pizarro (Lennox) nacieron y se criaron en la ciudad puertorriqueña de Carolina, el caldo de cultivo donde entró en ebullición la mezcla de reggae panameño y dembow jamaicano que dio lugar al reguetón. «Muchas de las estrellas del género vivíamos allí cuando éramos niños, y nos conocíamos entre nosotros», recuerda Lennox (con banda azul en la foto). Quizá sea por eso por lo que, a pesar de su estética agresiva y chulesca, en este movimiento musical predomine la camaradería entre artistas, al contrario de lo que sucedió, por ejemplo, durante los años del boom del gangsta-rap. «Los primeros años del reguetón en Carolina eran muy underground y había que ir a sitios un poco peligrosos para escucharlo. Pero nunca ha habido rivalidad insana entre los músicos, y yo creo que eso tuvo bastante que ver con el hecho de que enseguida se convirtiera en una música de todo el pueblo», asegura Zion. A pesar de tener una trayectoria musical de más de quince años sólo cuentan con tres discos en su haber, un ritmo realmente bajo que se debe a ciertos problemas con la industria. «Estuvimos seis años sin poder publicar ninguna producción, por un problema con el contrato con nuestro anterior sello. Tuvimos que luchar muy duro para obtener nuestra libertad, hasta que en 2015 pudimos firmar con Warner», cuenta Lennox. «Sí, todo ese tiempo nos mantuvimos dando conciertos exclusivamente», añade su compañero. Zion & Lennox rechazan «las letras que degradan a la mujer», pero encajarían a la perfección en el típico perfil de reguetonero del siglo XXI, si no fuera por otro detalle que los distingue: aman los álbumes y el formato físico. «Lamentablemente hoy toda la industria y el público parecen estar orientados a los singles digitales», dice Zion. «Nosotros queremos recuperar la vieja pasión por los discos, y no sabemos cómo lo haremos, pero intentaremos convencer a la gente. Quizá haciendo discos más cortos, no lo sé...». En cualquier caso, ambos están convencidos de que tienen mucho futuro por delante, igual que el propio reguetón. «Ha habido un boom muy fuerte en los últimos diez años, que poco a poco tendrá que estabilizarse –opina Lennox–, pero lo que está claro es que es una música que llegó para quedarse». «Sí, el bombazo que ha pegado la canción ‘Despacito’, de Luis Fonsi con Justin Bieber, también ayudará», dice Zion, demostrando que lo de la camaradería es cierto: «No tenemos envidia, nos alegramos mucho por él».
Source : abc.es | 2017-05-05 03:43:12.0
The Skatalites, padres y fundadores de la música ska & reggae completan el cartel del Festival Cultura Inquieta. La banda actuará el 23 de junio, dentro del Festival Guacamayo, un festival en sí mismo dentro del Cultura Inquieta, que sumará más de 8 horas de música, interculturalidad, convivencia, vanguardia y mestizaje.
Source : europapress.es | 2017-04-25 13:04:08.0
La banda sonora de un paseo por el barrio madrileño de Carabanchel suena a reguetón. En sus calles, sus plazas y sobre todo en sus parques, los adolescentes pasan el rato escuchando los últimos hits de la música latina en sus smartphones, y no son exclusivamente hijos de inmigrantes colombianos,venezolanos, puertorriqueños o dominicanos. Muchos de ellos son jóvenes españoles que no sólo consumen música latina, también compran ropa en boutiques latinas, se cortan el pelo en peluquerías latinas, incluso les piden a sus padres que les compren productos típicamente latinos cuando van a hacer la compra. Quieren parecerse lo más posible a los ídolos del perreo, y aunque esto se ve en muchos barrios obreros de la capital, en Caribenchel no es difícil encontrar a padres desesperados porque sus hijos ya ni siquiera quieren comer comida española. El «latin urban», más que una moda, es una cultura. La industria y la prensa musical llevaban años sin verlo venir, como no vieron venir al rock’n’roll, al hip-hop o a la cultura de club hasta que ya habían conquistado a la juventud. Es ahora, tras el coqueteo de Justin Bieber con la escena latina (su colaboración con Luis Fonsi ha batido récords esta semana) cuando los efectos de este boom se han hecho más evidentes, pero fue en 2004 cuando todo empezó con el lanzamiento de una canción llamada «Gasolina» de un tal Daddy Yankee, el primer gran hit internacional de un nuevo género llamado reguetón. Un término que fue acuñado en 1988 por el productor panameño Michael Ellis, que fundió las palabras «reggae» y «tone» para describir la nueva música que se hacía en su país, descendiente directa de las músicas traídas por los inmigrantes jamaicanos. En castellano por primera vez Igual que el gospel y blues no hubieran nacido sin el traslado forzoso de esclavos africanos a América, el reguetón no habría visto la luz de no haberse construido el Canal de Panamá, que obligó a contratar a unos 150.000 trabajadores procedentes de las Antillas. Estos inmigrantes llevaron con ellos músicas como la rumba, el mambo, el chachachá y el reggae, que se fueron fusionando con la cultura local hasta que en la década de los ochenta empezaron a surgir artistas como El General, Chicho Man, Calito Soul, Nando Boom o El Apache Ness, que innovan con el reggae al interpretarlo en castellano por primera vez. Rápidamente sus canciones hacen el camino de vuelta, llegando a oídos de músicos caribeños que terminan de moldear el estilo. El puertorriqueño Luis Armando Lozada Cruz, alias Vico-C., copia la idea de usar el idioma de Cervantes para grabar el primer rap en castellano. Y por el lado estrictamente musical, los jamaicanos Steely & Clevie definen el patrón rítmico al grabar la canción «Dem Bow». De la fusión de este ritmo y de los fraseos rap en castellano surge el reggaeton. Sin apenas aparecer en los medios, el género fue creciendo casi en el «underground» hasta la publicación de la mencionada «Gasolina», que fue la canción que lo cambió todo. Desde entonces el ascenso del «latin urban» ha sido vertiginoso, aupando a sus artistas hasta lo más alto. Hoy, sus grandes figuras tienen muchos más millones de seguidores en las redes sociales que las estrellas del pop o las leyendas del rock, y acaparan los primeros puestos de las listas de descargas y casi todo el tráfico de los portales de streaming. Entre otras cosas porque sus fans nunca se despegan del móvil.
Source : abc.es | 2017-04-19 11:00:38.0
Amparo Sánchez (Alcalá la Real, 1969) llegó a Lavapiés en los años 90, cuando el barrio madrileño estaba en plena efervescencia. «Veías gente de razas y culturas diferentes, que estaba llegando a la ciudad; oías música latina, africana... y yo fui absorbiendo todo eso», recuerda la artista, jienense de nacimiento y granadina de adopción. Aquel ambiente ecléctico y multicultural le dio todo el espacio que necesitaba para crecer. «Llegué a Madrid cantando blues, soul y rock and roll. De pronto, sentí la libertad para hacer canciones de otros estilos porque nadie me conocía ni esperaba nada de mí. Empecé a escribir temas diferentes y a cantarlos en directo, siempre en lugares pequeñitos de Lavapiés y Malasaña, donde podía investigar y experimentar. A la gente le encantó. Y entonces se corrió la voz: “Hay una chica en Lavapiés, andaluza, que transmite muy buen rollo”», relata la cantante, a quien el boca a boca la lanzó a los brazos de la industria musical. En «El coro de mi gente»; detrás de cada canción hay una historia de amistad, fraternidad, admiración, respeto y cariño.Amparanoia Ahora, se cumplen 20 años desde que ella y varios músicos lanzaron «El poder de Machín» (1997), el primero de siete discos (uno de ellos recopilatorio y otro grabado en vivo) bajo el distintivo de Amparanoia —que dejaron de usar en 2008 y al que han vuelto por petición popular—. Para celebrarlo, este viernes sale a la venta «El coro de mi gente», una recopilación de los temas más emblemáticos del grupo, interpretados junto a otros artistas. Todos ellos «amigos», personas con las que ya había trabajado y compartido «vivencias personales y musicales»: «Cada uno ha elegido la canción por motivos personales y por su relación conmigo. Por ejemplo, Jairo Depedr o escogió “Somos viento” porque hicimos juntos un documental en México que también se llama así y en el que esta canción es el eje central. Manu Chao eligió “La noche”, un tema que grabamos juntos y que es el más representativo de nuestras colaboraciones y de nuestra amistad. En “El coro de mi gente”; detrás de cada canción hay una historia de amistad, fraternidad, admiración, respeto y cariño». Cada artista le da un toque especial a las canciones. Muchas veces, las transforman. «Es maravilloso el caso de Fito Cabrales [que interpreta “La Fiesta”]. Nos sorprende a todos porque hace una versión acústica a guitarra y voz, grabada en una toma. Choca porque él tiene un sonido más rock y no te lo esperas. Mari de Chambao se lleva la canción [“Mar Estrecho”] a su terreno. Ellos dos son los que destacan de alguna manera con unas versiones inesperadas. En esta ocasión, no nos hemos esforzado tanto en pensar cómo iba a ser el resultado final, sino que hemos dejado que todo fluya y nos hemos adaptado a lo que pedían los artistas. Ha sido un proceso maravilloso», afirma Amparo. El coro de mi gente Entre las quince canciones que componen el disco, hay una nueva: «El coro de mi gente». Compuesta e interpretada con Macaco, «quizás represente más a la Amparanoia de ahora», que quiere transmitir un mensaje positivo. «Tenemos que hacer propaganda de lo que queremos, no de lo que ya sabemos que tenemos. Yo creo que hay una corriente de humanidad en todo el mundo que apuesta por la paz, la unidad y la positividad. Prefiero quedarme con esos términos, que es lo que me interesa», cuenta la artista, que tampoco duda en asegurar que, «en la parte de la estrofa, también hay una visión de la realidad. Dedicada a los optimistas, a los soñadores, a los buscadores, a los desaparecidos… también refleja el mundo en que vivimos, pero mirando a la revolución que queremos hacia lo que merecemos». Videoclip en que Amparanoia y Macaco interpretan «El coro de mi gente»- YOUTUBE Al igual que en el resto del álbum —donde estilos tan variopintos como la electrónica, la cumbia, el reggae o la salsa se mezclan y se funden—, la nueva canción deja entrever la influencia de la música hispanoamericana, por la que Amparo siempre ha mostrado debilidad: «Al llegar a Madrid vi a Chavela Vargas en directo, salió el disco de música cubana “Buena Vista Social Club”… se juntaron muchos factores. Empezó a llegar otra música a mi vida y yo a sentirme identificada con su manera de comunicar: por la lengua y por los ritmos; porque la sentía muy cercana a nuestra rumba, al ska, al punk… la relacionaba con todo. La humanidad ha estado siempre viajando, así que encuentras puntos en común donde vayas. Me ha pasado en los Balcanes incluso, que es otra cultura diferente. La música es un lenguaje universal y nos une. Y, precisamente, Latinoamérica es una fuente de inspiración inagotable porque hay muchas cosas nuevas». Con la música se paraba el tiempo, mi padre sacaba a bailar a mi madre, se sonreían… todo ya fluía de otra manera. La gente estaba contenta. Amparanoia Aunque, quizás, su fijación por la música latina le venga desde casa. «Mis padres escuchaban mucho a Antonio Machín, quien nos trajo algo de fuera a una España muy gris, en la que todo era muy igual. De pronto, aparecía en la televisión, con sus maracas y su sonrisa. Era increíble», rememora Amparo, quien asegura que la música siempre ha estado muy presente en su hogar: «Tanto en la habitación de mi hermano como en la cocina había un aparato de radio. Recuerdo que desde pequeña me fascinaba ver el efecto que tenía la música en los mayores, cómo cambiaban. Siempre los veía estresados con los horarios, las responsabilidades y las obligaciones; pero con la música pasaba algo: se paraba el tiempo, mi padre sacaba a bailar a mi madre, se sonreían… todo ya fluía de otra manera. La gente estaba contenta. Creo que eso es lo que más me enamoró, aparte de la música en sí». Veinte años de premios En una sala de los estudios madrileños de Warner Music, Amparo continúa repasando la historia de su grupo; un rosario de discos, canciones, experimentos y descubrimientos en el que encuentra un punto de inflexión: el premio que les otorgó la cadena de radio británica BBC en 2005. Aunque asegura que los galardones nunca han sido su objetivo, reconoce: «En ese momento miré hacia atrás: de dónde venía, lo que me costó llegar hasta ahí siendo madre soltera desde muy joven, mi familia, mi música… Sentí felicidad y pensé que algo no habría hecho tan mal cuando me habían dado ese premio». Además, cuenta que a partir de ese momento se le abrieron las puertas de países en los que nunca había estado, nuevos mundos a los que asomar su mirada curiosa. «Vinieron años de girar muchísimo y de disfrutar de ese reconocimiento», dice, echando la vista atrás. En su libro, «La niña y el lobo», Amparo cuenta el infierno que vivió a manos de su expareja, quien la maltrataba Inquieta y emprendedora, cuenta que, a pesar de que la música no le deja mucho tiempo libre, le apasionan la Literatura, leer y escribir; que le interesan las terapias alternativas para conocer cómo la mente afecta a la salud y que lleva «casi tres años estudiando bioneuromoción, una ciencia humanista que relaciona nuestras emociones con las enfermedades». También da charlas sobre su libro, «La niña y el lobo» (2014). Una historia autobográfica sobre la violencia machista en la que narra el infierno que vivió desde los 18 hasta los 24 años junto a su expareja. También cuenta cómo logró hacerse fuerte, cortar con esa situación y salir adelante. «Cuando publiqué el libro, me dije a mi misma: “si sirve solo a una mujer, habrá valido la pena”. Somos muchas las que pasamos por esto y me encanta recibir mensajes de: "esto me da fuerzas para tomar mis decisiones", "eres un ejemplo a seguir"… cosas bonitas que dice alguien que lee una historia que es muy dura». Conciencia social Su experiencia es la que también le empujó el año pasado a viajar al Congo, de la mano de la ONG Alboan, para conocer de cerca la situación de las mujeres que, allí, son víctimas de la violencia sexual (proyecto «Synergie»). Una experiencia de califica de «increíble»: «Vas con la intención de ayudar a esa gente y, cuando vuelves, ves que son ellas las que te han ayudado a ti, las que te han enseñado y te han salvado». Las mujeres que se atreven a denunciar que las han violado acuden a una casa de acogida regentada —solo por mujeres—, donde se les atiende para que salgan «fortalecidas, con una profesión, teniendo claro que son las dueñas de su vida y de su realidad», a pesar de haber pasado por «algo muy duro y traumático». A la vuelta de su viaje, Amparo tenía que hacer una canción, «Mama Africa». «Ellas [las víctimas de la violencia sexual en el Congo] me dijeron que no podía ser triste porque ellas eran supervivientes y no víctimas. Así que hice una canción con ese mensaje», relata la artista, que, ilusionada, declara: «Es una campaña que para mí ya no va a terminar; te quedas ligado para siempre a estas mujeres. Ahora estoy deseando hacer un concierto que vamos a planear a lo largo de este año para seguir recaudando fondos. Y con el corazón prendido, porque es un ejemplo de dignidad, de fuerza, de superación. Hablar del Congo siempre me emociona». Videoclip «Mama Africa»- YOUTUBE
Source : abc.es | 2017-03-31 15:54:39.0
Franco Battiato, Residente, Alpha Blondy, UB 40, Michel Camilo y Tomatito, Rosalía, Rodrigo Leao y Scott Matthew, Juanito Makandé y el Canijo de Jérez, María Gadú y Leyla McCalla son los primeros nombres confirmados para la 23 edición de La Mar de Músicas, el festival de Cartagena que se celebrará del 14 al 22 de julio de 2017. Cuando se configure el programa al completo, cuyas entradas s pondrán a la venta a finales de abril, está previsto que sean más de cincuenta los grupos que se acerquen a este ciclo que, en esta ocasión, tendrá un Especial Sonidos Latinoamericanos con cerca de veinte grupos procedentes de doce países de Iberoamérica. Según explicó el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Cartagena, David Martínez Noguera, para esta edición es que «no nos vamos a ceñir a un país en concreto, sino que hemos querido reunir los diferentes estilos musicales que definen el sonido de América Latina y su cultura, que en muchos aspectos es muy parecida a la nuestra». El viernes 14 de julio, la inauguración correrá cargo de Residente, el exmiembro de Calle 13, que presentará su primer álbum en solitario. Franco Battiato, otro de los grandes reclamos del festival, se acercará a la ciudad murciana el 20 de julio. Michel Camilo y Tomatito darán conocer en directo, el 16 de julio, el exquisito álbum conjunto «Spain Forever», con el que componen la trilogía que comenzaron en 2000. Ese mismo día actuará Rosalía, una de las cantaoras que ha trascendido el mundo del flamenco con el disco «Los Ángeles», grabado junto a Raül Fernández Refree. La veterana banda británica UB40 comparecerá el viernes 21, con su suave sonido reggae. Un género del uno de sus mejores representantes, sobre todo en lo que tiene que ver con su vertiente africana, es Alpha Blondy. El músico de Costa de Marfil actuará el 22 de julio. Más información en la web del festival.
Source : abc.es | 2017-03-29 20:10:50.0
Sting se nos hizo mayor en cuanto empezó a juguetear con orquestas y se rindió a las bondades del pop adulto y mullido, pero la muy rentable gira de reunión de The Police le sirvió de bálsamo rejuvenecedor y desde entonces ahí sigue, pasándoselo en grande entre pellizcos de electricidad, contorsionismo reggae y clásicos revitalizantes. Ni rastro, pues, del oxigenado profeta de lo zen o del dandy del pop perfumado. No están y, de momento, tampoco se les espera. Menos aún ahora que lo que parecía un capricho de escenario se ha colado en el estudio y ha infectado (para bien) la grabación de «57th & 9th», protagonista de una noche en la que sólo los clásicos de The Police rivalizaron con su presente. Así, entretenido en darse esquinazo a sí mismo, el británico regresó a Barcelona siete años después de descorchar su ampulosa aventura sinfónica en la ciudad y, una vez más, volvió a presumir de olfato pop y de energía renovada. Es cierto que su capacidad de convocatoria no hace más que cotizar a la baja y que ha pasado de agotar sin demasiados problemas recintos como el Palau Sant Jordi a conformarse con las 4.620 personas que anoche llenaban el Sant Jordi Club, pero sus bazas siguen siendo las mismas. A saber: voz rasposa como de lija envejecida, una formación de combate poco dada a las florituras y medios tiempos como «Shape Of My Heart» y «Fields Of Gold» estratégicamente situados para modular la intensidad entre chispazo y chispazo. Encantado, pues, con esta terapia de choque que se ha autorrecetado, el británico estrenó gira europea echando mano de The Police con dos rescates de alto voltaje -«Synchronicity II» y «Spirits In The Material World»-, despachó a las primeras de cambió una fibrosa y ruda versión de «Englishman In New York» y se pasó buena parte de la noche intentando demostrar que el reciente «57th & 9th» es de lo mejorcito que ha grabado en los últimos años. Un extremo difícil de creer viéndole medirse con medianías como «I Hung My Head» y «Down, Down, Down» aunque no tan descabellado cuando llegaba el turno de «I Can’t Stop Thinking About You» y «50.000» y todo, desde el estribillo a las ganas, parecía estar en su sitio. El fantasma de Bowie apareció en el escenario para aletear tras «Message In A Bottle» y capitanear una versión acorazada de «Ashes To Ashes», prólogo de lo que buena parte del público estaba esperando desde que sonaron los primeros acordes de «Walking On The Moon» y se abrió la veda a los grandes éxitos de The Police. Una ventana con vistas al pasado por la que desfilaron, frescas y lozanas, «So Lonely» y una kilométrica «Roxanne» -también se coló por ahí una «Desert Rose» con sobredosis de exotismo- y que, ya sin frenos, abrazó en los bises los laureles del pop efervescente con «Next To You», «Every Breath You Take» y una desnuda «The Empty Chair». Lo dicho: terapia de choque para retornar al pop y quitarse unos cuantos años de encima.
Source : abc.es | 2017-03-22 11:52:42.0
El artista español que más ha marcado el último lustro de éxitos musicales en España no ha sido Pablo Alborán ni David Bisbal. El cantante y DJ Juan Magán, máximo exponente nacional del reguetón y el electro latino, ha colocado en los últimos años más canciones que ningún compatriota entre la lista de éxitos más vendidos en España. Este sábado ofrecerá un concierto en Madrid, el domingo en Barcelona, y el próximo fin de semana en La Coruña y Bilbao. Juan Magán, autor de «Bailando por ahí» y «Se vuelve loca», ha situado canciones en el top 50 todos los años desde 2008, a excepción de 2010, según el ranking elaborado por Promusicae, la asociación de productores musicales. En los últimos cinco años, 14 canciones. En 2012 y 2015 situó cuatro éxitos cada año. El año pasado, otros dos. En los últimos dos años se ha escuchado más reguetón que nunca en la última década en España. Una música de origen caribeño, influido por el reggae y el hip hop, con frecuente producción electrónica. En 2015, de las 50 canciones más vendidas, 22 eran reguetón puro o mezclado, entre ellas la número uno, «El Perdón», de Nikki Jam y Enrique Iglesias. En 2016, la cifra bajó hasta 17 canciones del top 50; aunque repitió número uno, de nuevo Enrique Iglesias, esta vez con Wisin, en «Duele el corazón». Desde 2012 ha habido 70 canciones de reguetón puro o mezclado en el top 50, mientras que, por ejemplo, del flamenco solo hay 13 de esas 250 obras. Descontando el omnipresente pop, en todas sus formas, y el rock, en todas sus variantes, solo el dance y el house, combinado con todo, ha triunfado más que el reguetón en España. Juan Magán, a pesar de ser el más presente, no ha conseguido situar ninguno de sus hits en el primer puesto. El cantante Enrique Iglesias, por el contrario, ha logrado colocar tres números uno, consecutivos los tres últimos años, siempre acompañado de artistas de reguetón: «Bailando» (2014, con Gente de Zona y Descember Bueno); «El perdón» (2015, con Nicky Jam); y «Duele el corazón» (2016, con Wisin). Ningún otro artista, nacional ni internacional, tiene más de un número uno en la última década. Enrique Iglesias y Juan Magán colaboraron juntos en «Noche y de día», uno de los éxitos de 2014. Ningún artista internacional supera tampoco a Magán en presencias en el top 50. El segundo puesto es para el músico y cantante de reguetón y electro pop Pitbull, de Miami con origen cubano, con diez canciones. Empata en número con el pop, la copla y el flamenco del malagueño Pablo Alborán. Les siguen, también al margen del reguetón, David Guetta, Rihanna y Justin Bieber. Después, artistas latinos que se han mezclado en mayor o menor medida con el reguetón: Marc Anthony (cantó «La gozadera» con Gente de Zona); Enrique Iglesias (sus últimos éxitos son puro reguetón), J Balvin («Si necesitas reguetón, dale», canta en «Ginza») o Shakira, que ha combinado con reguetoneros como el colombiano Maluma en «Chantaje».
Source : abc.es | 2017-03-16 20:35:00.0

Un año después de ser campeón de la liga de fútbol nacional por primera vez, Panamá Viejo FC desapareció. No descendió a segunda división ni cambió de nombre o de barrio. Se esfumó. Cual estrella anónima en el firmamento, se extinguió sin despedidas ni homenajes.

No había mucho qué hacer tampoco. Las bancarrotas apenas si dejan el tiempo justo para liquidar. Y así ocurrió con Panamá Viejo FC.

Otro equipo de primera división, Tauro FC, adquirió a los jugadores que le interesaban. Los demás tuvieron el camino libre para buscar nuevos contratos. Como Blas Pérez, por ejemplo, quien obtuvo su primer título nacional con Panamá Viejo en 2001 y que ante el descalabro se fue al Árabe Unido de Colón.

No se puede decir que la bancarrota llegó por sorpresa. El dueño del equipo panamaviejero era Roberto Mock, un hombre que tenía un puesto de frutas en un solar al comienzo de calle Primera, frente al océano Pacífico. También tenía una empresa de fletes y acarreos, pero en el histórico barrio lo conocían por sus naranjas y guayabas.

La absorción por el Tauro, gestionada por el hijo de Mock –quien fungía como presidente del club– suponía la desaparición definitiva de Panamá Viejo FC. Hasta ahora. Paulino Mitre, un empresario y cantante de reggae en español, decidió revivir el equipo, que hoy juega en segunda división. No es la misma franquicia, pero lleva el nombre del barrio, utilizan los mismos colores y se representan con un logo bastante similar.

La resurrección del Panamá Viejo FC se construyó en familia. Rodney Ramos era el jugador creación en el equipo ya extinto. Llevaba el número 10 en su espalda y fue quien anotó el gol que les dio su primer y único título nacional. 15 años después, su hijo, con el mismo nombre, le tocó marcar el tanto en la copa distritorial que los llevó a segunda división. Es la magia del fútbol.

UN BARRIO DE HISTORIA

Panamá Viejo fue la primera ciudad europea en el Pacífico. Fue fundada en 1519 bajo el nombre de Nuestra Señora de la Asunción. Sirvió como punto estratégico para las riquezas que venían arrebatadas desde Perú. De allí, las montaban en mulas, cruzaban 80 kilómetros en medio de la jungla espesa hasta llegar a Nombre de Dios, en el Atlántico, donde las cargaban a algún barco rumbo a España.

En 1671, la ciudad se incendió como consecuencia del ataque del pirata británico Henry Morgan, quien saqueó lo que pudo y abandonó el lugar un mes después. Dos años más tarde, los españoles fundaron una nueva ciudad a ocho kilómetros al oeste. Amurallada, esta vez. Y del viejo asentamiento solo quedaron las ruinas.

Pasaron los siglos y la ciudad de Panamá se expandió. A mediados del siglo XX, fue repoblada el área de la ciudad abandonada. Esta vez con gente pobre, que construyó unos cuantos caserones al lado del patrimonio histórico mundial.

Con los años vinieron las calles y las avenidas. Y también el fútbol.

El equipo Panamá Viejo FC se fundó alrededor de 1985 de la mano del oncólogo Álvaro Aguilar. El médico volvió aquel año de estudiar en España. Allá, cuenta, participó en cuanta liga de fútbol pudo. Regresó con un cocker spaniel, ese perro de orejas largas y pelo sedoso. Aduana lo envió a hacer cuarentena en Panamá Viejo. Aguilar, que vivía en Betania, fue a buscar un día a su can cuando vio a un grupo de jóvenes jugar fútbol entre las ruinas de la mítica ciudad. Se acercó, le gustó lo que vio y habló con otros dos hombres que observaban el partido. Les comentó que había talento, que había que hacer un equipo. “Hazlo tú, entonces”, recuerda Aguilar que le contestaron aquella tarde.

Ese día también nació el apodo del equipo. “Recuerdo que jugaban entre las ruinas y de repente aparecían cangrejos, con ese movimiento singular de ellos: salen, se entierran y aparecen por otro lado. Parecido a lo que hacían los muchachos con el balón. Por eso les comenzamos a decir los cangrejeros”, dice el oncólogo.

Pasaron los años y el club jugaba sin pena ni gloria. Hasta que llegó a la primera división de la Asociación Nacional Pro Fútbol (Anaprof) en 1990. Allí se mantuvo por varios años. A veces clasificaba a la segunda ronda de la liga. Pero hasta ahí. El equipo estaba conformado en su mayoría por gente del barrio, como casi todos los equipos del fútbol panameño en esa época.

Y de repente: problemas. Había rebeldía y hasta rumores de narcotráfico. Aguilar primero hizo una purga. Pero siguieron los conflictos. Un día le lanzaron un botín a la cara. Entonces optó por vender el club. En 1995, Roberto Mock lo compró.

Mock era de Panamá Viejo y su esposa también. Tenían la empresa de fletes y acarreos y la frutería frente al mar, con lo que supuso podría hacerse cargo de un equipo de fútbol de primera división. Lo que no tenía era tiempo, por lo que fue su hijo, Roberto Tito Mock, quien asumió la presidencia del club.

Por aquella época, el equipo costaba unos $3 mil mensuales. Casi todo se gastaba en salarios de jugadores: entre $25 y $50 por partido. La mayor parte salía de lo que aportaban los patrocinadores, que por entonces eran $15 mil anuales.

Un año después de asumir Mock, en 1996, hubo otro problema de disciplina, lo que finalmente provocó cambios. El presidente de Panamá Viejo le propuso dirigir el equipo a Gary Stempel, un británico/panameño que había estudiado educación física en Inglaterra y que se había especializado en fútbol comunitario.

Stempel acababa de llegar a Panamá a probar suerte como director técnico, después de varios años de trabajo con jóvenes ingleses. Su proyecto proponía incorporar a la comunidad un equipo e intentar cambiar la mentalidad de los pequeños futbolistas. Y a Mock le encantó la idea. El camino hacia el título comenzaba a tomar forma.

CAMINO A LA GLORIA

Durante el tiempo entre la final y el día que asumió Stempel hubo muchos cambios. Por ejemplo, dejaron de entrenar entre las ruinas de la primera ciudad europea en el Pacífico americano, donde en más de una ocasión un jugador se cayó y se rompió la cabeza con las históricas piedras. Su nuevo lugar para practicar era la cancha de la Universidad Santa María la Antigua.

En los dos escenarios, Stempel siempre se encargó de llevar a jugadores en su automóvil, un Hyundai Accent de segunda mano. “Recuerdo que metía como a seis jugadores y los iba llevando a cada uno a sus casas”, dice.

También comenzaron a contratar jugadores que no fueran del barrio: Ricardo Patón Phillips, Alberto Blanco, Anel Canales, Juan de Dios Pérez, Víctor Herrera Piggot, Óscar McFarlane y Blas Pérez. Este último, quien jugaría después en Colombia, España y Estados Unidos se convertiría en el segundo mayor goleador de la selección de Panamá.

Pero el equipo mantenía la esencia del barrio. El capitán era Juan José Julio, la recuperación en la media era asunto de Gary Ramos; y la creación, de su hermano, Rodney Ramos.

Desde pequeño, Rodney Ramos siempre fue un referente del fútbol en Panamá Viejo. Cuando todavía no estaba marcada la cancha en calle 5ta., justo a un lado de los vestigios de lo que otrora fuera el convento de San Francisco, jugaba con los vecinos en un solar detrás del antiguo convento de la Concepción. Por aquellos días el mejor era Chimbo, quien nunca jugó fútbol profesional y de quien pocos recuerdan su nombre real. Pero Ramos ya daba muestra de su talento: la pisaba, jugaba con la cabeza levantada, sabía leer el fútbol.

“Era un jugador honesto, un zurdo educado. Tenía mucha visión, mucha calidad. Siempre cumplió en la cancha, nunca llegó tarde, nunca faltó a un entrenamiento, siempre siguió instrucciones. He tenido la suerte de trabajar con miles de jugadores en Panamá. El más serio y profesional fue Rodney”, dice Stempel, quien ha sido director de todas las categorías juveniles panameñas, además de entrenar al San Francisco FC.

Por eso Ramos se convirtió en el 10 de Panamá Viejo FC; el 10 cangrejero. Era un especialista en los balones parados: anotó tres goles olímpicos en la Anaprof. Por eso le tocó cobrar el penal que le dio el único título a su club.

Aunque dicen, Mock y Stempel, que ese no fue el primero ni el único. En 1999, los cangrejeros ganaron un título extraño: ese año, la liga panameña quiso dividir el torneo anual en dos. Un apertura y un clausura. Panamá Viejo ganó el apertura, pero el clausura nunca se jugó. La liga prefirió volver a instalar el torneo largo, por lo que en las estadísticas oficiales aparece el Tauro como el campeón de la temporada 1999-2000.

La final de aquel extraño apertura fue casualmente contra el Tauro, que ganó Panamá Viejo por 2 a 0. Aquel día, recuerda Stempel, fueron a celebrar a las oficinas de Romosa, la empresa de fletes de los Mock, que estaba frente a Costa del Este, muy cerca del barrio Puente del Rey. “De repente se escucha una balacera muy cerca de allí. Todo el mundo se echó al piso. Después llegó la Dirección de Investigación Judicial. Fue mi primera balacera en Panamá. Mi bienvenida”, asegura.

Gracias a ese título, Panamá Viejo jugó la liga de campeones centroamericana. Le ganó al Saprissa de Costa Rica y avanzó hasta segunda ronda.

El torneo siguiente lo ganó el Tauro. Y entonces, la hazaña.

PROEZA CANGREJERA

Aquel 4 de febrero de 2001, el primer tiempo terminó a favor de Panamá Viejo 3 a 1. Dos goles de Erick Martínez y uno de Phillips para los cangrejeros; Luis Parra, el campeón goleador del torneo, para Tauro.

El estadio lucía verde y amarillo, los colores de Panamá Viejo. Casi tres cuartos de los fanáticos que fueron ese día eran cangrejeros. “Recuerdo ese partido por la emoción y la expectativa del barrio. Hubo un señor que pintó su casa de verde y amarillo con un cangrejo en la parte de adelante”, recuerda Stempel. El éxtasis era tanto, que habían opacado a los seguidores del Tauro, de Pedregal, un barrio mucho más grande que Panamá Viejo, y cuyo equipo ya poseía cinco títulos. En ese momento era el club más ganador del fútbol panameño. La clásica historia de David contra Goliat.

En el segundo tiempo, el gigante despertó, y con otro gol de penal de Parra y un tanto de Mario Méndez, el Tauro empató el encuentro y obligó a jugar tiempos complementarios. Aquel año, la liga introdujo otro cambio en el formato y estaba a prueba el llamado gol de oro. Una especie de muerte súbita: en el momento que un equipo anotara, allí mismo acababa el partido.

Y Panamá Viejo salió a la carga. Phillips remató desde fuera del área chica con una volea que rozó el poste derecho; Ramos cobró un tiro de esquina que pegó en el travesaño. “Mira este gol olímpico”, cuenta Ramos que le advirtió al juez de línea. Panamá Viejo avisaba.

Cuando faltaban apenas unos minutos para que terminara el primer tiempo extra, Ramos le puso un pase por arriba de la defensa a Blas Pérez, quien dominó el balón dentro del área rival y luego fue derribado. Penal. Enseguida, Ramos tomó el balón. El tiro era suyo y de nadie más.

“Todo el mundo quería patearlo. Yo tomé la bola y les dije que yo lo iba a patear. El día anterior habíamos hecho un torneo de penales, en el que eliminábamos al que fallaba, y yo lo gané. Por eso tomé la responsabilidad. [Óscar] McFarlane (arquero del equipo) quería patearlo. Estaba como desesperado. Y para ese momento se necesitaba calma. Yo no estaba nervioso. Todos los años que jugué Anaprof (12 años), solamente fallé un penal”, narra Ramos sobre ese momento.

Tomó carrera e hizo una pausa antes de patearlo. Vio que el arquero rival dio un paso hacia su derecha, así que remató hacia su izquierda. O a la derecha, si el lector prefiere visualizarlo desde atrás del arquero. Intentó llegar, pero aquel paso no le permitió alcanzar la pelota. El estadio estalló con el gol: Panamá Viejo, un barrio ínfimo, un equipo sin recursos, conseguía el máximo título del fútbol nacional.

El final no podía ser de otra manera. “Si alguien hubiera escrito una novela del equipo, de cómo un equipo de un pueblo chico ganó un campeonato, el triunfo tendría que ser con gol de Rodney. Y así sucedió. Se cumplió el romance. No había más nadie para anotar ese gol. Su papá tenía todos los recortes de periódicos del equipo guardados. Sabía cada evento, cada historia. La familia Ramos era y es Panamá Viejo”, asegura Stempel.

Afuera del estadio apareció entonces una especie de camión de Romosa. Allí subieron jugadores y fanáticos y fueron en caravana hacia Panamá Viejo, donde los pocos que no fueron al estadio los recibieron como héroes.

La euforia no duró mucho. Al comienzo de la siguiente temporada ya había rumores de la crisis económica del equipo, que luego se evidenció con algunas quincenas que se pagaron tarde. El equipo no asimiló el ambiente en lo futbolístico y no jugó bien. Hasta que llegó la noticia: al final de la temporada, serían absorbidos por el Tauro, que contrataría a los jugadores que le gustaban, y el resto tenía que resolver por su cuenta. Del cielo al infierno.

“He tenido muchos dolores en el fútbol panameño, pero ese ha sido el más grande. Ese equipo estaba para muchas más cosas, para cosas grandes”, afirma Stempel.

Mock explica el descalabro de la siguiente forma: “primero le cayó una demanda laboral a la empresa y luego una demanda civil a mí. No había ni dinero ni tiempo para esos problemas”.

Mock era amigo de varios de los accionistas del Tauro, quienes le propusieron asumir parte de la deuda del equipo a cambio de su absorción. Mock, incluso, se convirtió en el quinto accionista del Tauro. “Al final de la primera temporada después de la fusión, faltó dinero y los socios tenían que poner su cuota: $3 mil cada uno. Yo puse lo mío y les avisé que me saldría”, narra Mock.

LA RESURRECCIÓN

Panamá Viejo FC no desapareció en espíritu después del desastre. Eduardo Ponce, un panamaviejero fanático de fútbol que manejaba un taxi, organizó un equipo de futsal. Se llamaba Ambar FC, pero representaba al barrio. Usaba sus colores y era alentado por la misma fanaticada.

Pasaron varios años así hasta que Paulino Mitre –conocido en el mundo artístico como Linopau– decidió armar un equipo que jugara en la liga distritorial. Para ello llamó a los Ramos: Rodney Ramos (padre) sería el técnico, y el hijo sería el 10, el jugador insignia.

Mitre, un cantante de reggae, se asoció con su disquera, un diputado de gobierno y otro de oposición y financiaron al equipo.

El nuevo Panamá Viejo FC logró su clasificación a segunda división en un partido que le ganó por 2 a 0 a River Plate. El primer gol fue tras un pase de Rodney Ramos, hijo. El segundo, el propio Ramos remató con fuerza un balón que despejó la defensa y lo clavó en la escuadra.

Por requisitos de la segunda división, Ramos padre dejó de ser el técnico. El equipo se ubica hoy en la mitad de la tabla.

En la liga satelital, una especie de torneo alterno en el que participan juntos la primera y la segunda división, Panamá Viejo está en semifinales. Para ello eliminó al Tauro en penales. El último lo cobró Rodney Ramos, hijo. En este fútbol hay cosas que no cambian.

Source : prensa.com | 2017-03-12 06:05:00.0
Joaquín Sabina es uno de esos autores que no deja indiferente a nadie, que arrastra multitudes a golpe de versos –aquí y allende los mares– y que provoca titulares con cada declaración. Así que la publicación de su decimoctavo disco de estudio, «Lo niego todo» –a la venta el 24 de marzo–, merecía una buena puesta en escena. En las oficinas de Sony en Madrid se reunió el pasado jueves a una serie de invitados para saborear estas nuevas canciones, con la presencia del propio autor, quien explicó que se ha rodeado de gente nueva, especialmente Leiva –también agradeció la ayuda en las letras de su colaborador habitual, Benjamín Prado– porque «a mis musas les habían salido varices y les olía ya el aliento». «Hacía mucho que no sentía este entusiasmo», señaló. Tanta es su alegría que reconoció que, al contrario que otras canciones, donde no lograba materializar lo que tenía en la cabeza, con estas «no solo no me da vergüenza escucharlas, sino que estoy muy orgulloso de compartirlas». A continuación pasamos a analizarlas una a una. «Quién más, quién menos» Abre el álbum con el tono intimista y confesional que impera en el álbum. «Mi espada de Damocles era afilada,/ cortaba en dos mitades la madrugada,/ un pie en el tango y otro en el más allá», nos dice. En este comienzo se nota mucho el gusto «americano» de Leiva, guitarra «slide» incluida. «No tan deprisa» El ritmo es más vivo, abandona el aire confesional y Leiva toma también un protagonismo especial a través de la producción. La música no está tanto al servicio de la voz, sino que parece más el trabajo de una banda. Además del aire americano, hay cierto swing bluesero, como no podía ser menos en un explícito homenaje a J. J. Cale. En la letra, se alternan ripios y aciertos: «Cose mi estrella en la bandera del desertor»; «vendo una rima/ cámbiame el clima». «Lo niego todo» Primer single y tema apropiado para emocionar a sus fans. La nostalgia impregna la canción, con un piano que acentúa esa tristeza. Se van añadiendo arreglos que dan esa impresión de «crescendo» que, lógicamente, aumentan el impacto emocional. Sabina se retrata negando estereotipos, y habla de lo innombrable, de Hacienda: «He defraudado a todos/ empezando por mí». «Postdata» Otra vez el tono crepuscular, pero ahora con música tex-mex y ambiente de verbena popular, como para bailar «agarrado pero sin apretar». Describe un desamor con esos versos clásicos «sabinianos»: «De tanto ser felices se me olvidó quererte»; «ni tú eras para tanto ni yo soy para ti»; «cuando te haya olvidado aún te echaré de menos» «Lágrimas de mármol». Segundo single y una magnífica letra crepuscular. La voz llega justita y saca a colación enfermedades pasadas: «Dejé de hacerme selfies al ombligo/ cuando el ictus lanzó su globo sonda». Es preciso en sus descripciones: «El futuro es cada vez más breve y la resaca más larga». Deja el último verso, «si me tocó bailar con la más fea,/ viví para cantarlo» como un torero dando un último muletazo. «Leningrado» En este momento se recupera al Sabina vividor. Narra una conquista en un lugar tan improbable como la antigua Unión Soviética: «Me doctoré en tus labios de pasión/ en una sórdida pensión de Leningrado». Quizás sea todo una metáfora: «Porque la revolución/ tenía un talón de Aquiles al portador». «Canción de primavera» El paso del tiempo es de nuevo protagonista, pero vuelve el «estereotipo» de depredador sexual: «Conseguí llegar a viejo verde mendigando amor/ ¿qué esperabas de un pendejo como yo?»; «si se te olvidan las bragas/ en mis últimos jardines/ te regalo una biznaga de jazmines». Es un tema menos pop, y con la música puesta al servicio del fraseo peculiar de Sabina. «Sin pena ni gloria» Aquí se impone el poeta de toda la vida, en música y letra, con versos de nuevo en primera persona, hablando de todo y de nada: «Mientras subo del abismo/ mientras el miedo se enfría,/ mientras solo soy yo mismo/ de cara a la galería». «Las noches de domingo acaban mal» Vuelven los aires rockeros. Sabina utiliza el recurso de describir cada día de la semana con el humor que le es característico: «Algunos lunes duran todo el año/ algunos martes soy un animal/ los miércoles son húmedos y extraños/ de algunos jueves es mejor no hablar/ lo viernes dan películas de miedo/ los sábados te vas y yo me quedo...». «¿Qué estoy haciendo aquí?» Quizás la mayor sorpresa por el género escogido para vestir la canción: reggae. Describe varios personajes urbanos, entre ellos un bróker que «juega al primer toque con el Dow Jones, el Ibex y el Nikkei», y una pareja de relación tóxica: «Encarna y Charly han vuelto a las andadas/ vaciando una botella de coñac./ Se gritan porque ya no hay nada que hablar./ Al alba Encarna llora en la comisaría/ su ojo es una mancha de sandía». Temática dura para esos aires caribeños. «Churumbelas» A ritmo de una rumba que recuerda muy obviamente a «19 días y 500 noches», nos encontramos con la canción más fresca y divertida: «Yo que espío desde mi ventana/ cada mañana a las sultanas de Lavapiés/ me estoy muriendo de ganas/ de casarme con las tres». «Por delicadeza» Leiva comparte micrófono con Sabina en esta balada que cuenta la típica historia de desamor, sello inconfundible de la casa: «Ayer te quise por amor al arte, hoy por delicadeza». Un final apropiado.
Source : abc.es | 2017-02-18 01:22:40.0
Niega él mismo que sea el Bob Dylan español, pero Joaquín Sabina es uno de esos autores que no deja indiferente a nadie. Y menos a su sello discográfico, Sony, que sabe que tiene en sus filas a un músico muy especial, a una gema que hay que tratar con mimo. Así que este jueves organizaron en sus oficinas una escucha del disco, a un mes de su publicación, con un puñado de selectos invitados y la presencia del propio autor, que apareció como un fantasma a mitad del proceso auditivo y, una vez finalizado este, dijo unas palabras que supieron a poco en lo extenso, pero a mucho en el contenido. Al igual que en las letras de sus canciones, Sabina siempre sabe resumir toda una filosofía en una o dos frases. Según el de Úbeda, «las canciones deberían explicarse por sí solas», así que se limitó a explicar un poco el proceso de realización de su obra, y su agradecimiento infinito a Benjamín Prado y Leiva, grandes artífices, junto a él mismo, de este disco. Su mayor ilusión ha sido encontrarse renovado: «A mis musas le habían salido varices y les olía ya el aliento», así que apostó por «gente más joven». Y, por lo que se ve, el resultado ha sido satisfactorio: «Hacía mucho que no sentía este entusiasmo», avisó. Su esperanza es que esta «felicidad creadora» sea contagiosa: «Ojalá hayamos podido transmitirla». Tanta es su alegría que reconoció que, al contrario que otras canciones, donde no lograba materializar lo que tenía en la cabeza, con estas «no solo no me da vergüenza escucharlas, sino que estoy muy orgulloso de compartirlas». «Lo niego todo», que saldrá a la venta el 10 de marzo, se compone de doce canciones. Dos de ellas ya se han dado a conocer: la que da título al álbum y «Lágrimas de mármol». La primera dio bastante que hablar: un Sabina intimista se retrataba abjurando de todas las definiciones que circulan por ahí acerca de su persona. Además, su referencia al fisco sirvió para dar contenido a aquellos que se declaran sus enemigos. Por su parte, «Lágrimas de mármol» también se recreaba en la parte de los sentimientos propios, bañados en nostalgia: «El tren de ayer se aleja, el tiempo pasa, / la vida alrededor ya no es tan mía, / desde el observatorio de mi casa / la fiesta se resfría». Pero no se trata de un álbum de recreación personalista (enseguida hay quien ha identificado este trabajo como de despedida), aunque es el tono que impera, con temas como «Quien más quien menos» o «Canción de primavera». También encontramos las historias canallas de siempre. Los recuerdos de la aventura sexual efímera, aunque sea en un lugar tan poco propicio como la antigua Unión Soviética («Leningrado»); el clásico desamor («Postdata»); la divertida historia de tres gitanas de Lavapiés («Churumbelas»); o un sorprendente reggae de contenido social («¿Qué estoy haciendo aquí?»). La mano de Leiva se deja notar en ese aire americano, acentuado por alguna guitarra slide, pero también suena al Sabina de siempre, con su fraseo, su voz cascada, su guiño personal, y esos versos que de vez en cuando le salen castizos y redondos: «Yo que espío desde mi ventana / cada mañana a las sultanas de Lavapiés / me estoy muriendo de ganas / de casarme con la tres».
Source : abc.es | 2017-02-17 13:15:39.0
Este lunes 6 de febrero Robert Nesta Marley Booker, más conocido como Bob Marley, la leyenda del ...
Source : terra.com.ar | 2017-02-06 19:57:24.0
El músico francés de padres gallegos, Manu Chao, ha lanzado tres nuevas canciones a un tiempo: «No solo en China hay futuro», «Words of Truth» y «Moonlight Avenue», esta última con la colaboración de la actriz griega Klelia Renesi, bautizando al dúo con el nombre de Ti.Po.Ta. Todas ellas se pueden descargar de forma gratuita en la página web de Manu Chao. El anterior trabajo del exlíder de Mano Negra y pionero de la fusión entre el rock, el reggae, la rumba, el pop y otros estilos de procedencia sudamericana, es «La Radiolina», de 2007. Así que estas tres calmadas canciones podrían formar parte de un nuevo disco o, incluso de dos (uno de ellos bajo el nombre de Ti.Po.Ta. Las imágenes que se contemplan en el videoclip de «No solo en China hay futuro» fueron rodadas en un bar de Barcelona, durante una celebración vecinal, y representan un canto a la amistad, según informa la revista «Billboard».
Source : abc.es | 2017-01-24 00:49:36.0
Jenny and the Mexicats es una banda multicultural que reúne a Jenny (inglesa), Icho y Pantera (mexicanos) y David (español) para crear perfectos ritmos de jazz, rockabilly, folk, flamenco y reggae que aderezan con cálidas sonoridades latinas, llevándonos en un instante de México a Jamaica y de Londres al Caribe.
Source : europapress.es | 2017-01-22 11:15:21.0
El cantante africano de reggae Alpha Blondy y el teclista británico Georgie Fame actuarán en la segunda edición del BBK Music Legends Festival, que se celebrará los días 2 y 3 de junio en el municipio vizcaíno de Sondica. La organización del festival ha informado hoy de la incorporación de estos artistas, que se suman a un cartel encabezado por el músico irlandés Van Morrison. El cantante costamarfileño Alpha Blondy, que actuará en Sondika con su grupo The Solar System -doce músicos originarios de Barbados, Francia, Costa de Marfil y Jamaica-, es una de las leyendas del reggae contemporáneo y uno de los mayores exponentes mundiales de los sonidos 'roots' de las últimas décadas. El británico Georgie Fame, un precursor de los sonidos pop y rhythm and blues de los primeros años sesenta que cristalizaron con grupos como los Beatles y los Rolling Stones, y quien ha compartido escenario con otras leyendas como Muddy Waters, Gene Vincent y Eddie Cochran, desempeñó durante 12 años -de 1992 a 2004- funciones de director musical de la banda de Van Morrison. «El león de Belfast» será precisamente el cabeza de cartel de la segunda edición del BBK Music Legends Festival, que en su primera cita, en 2016, contó con Jethro Tull, Graham Nash, Bob Geldof, Los Lobos, Elliott Murphy & Band, David Lindley y Nina Hagen, entre otros. El festival, que se celebra en el Centro Ola BBK, tiene su origen en el ciclo de conciertos Music Legends, que desde 2011 ha llevado a la Sala BBK de Bilbao a artistas como John Mayall, Eric Burdon, Dr. John, Allen Toussaint, Johnny Winter, Marianne Faithfull, Ten Years After y Bob Geldof.
Source : abc.es | 2017-01-09 12:17:43.0
Año 1977, el del jubileo de plata de Isabel II de Inglaterra. Un tipo llamado Gordon Matthew Sumner, más conocido como Sting en los garitos, camina hacia la oficina de empleo de la calle Lisson Grove (Londres). Cuando pasa junto a una casa victoriana repara en un Bentley negro con chófer de librea. Del auto se bajan Sid Vicious, Johnny Rotten y Steve Jones, tres de los miembros de los Sex Pistols, con sus pantalones de cuero y su pelo de punta. El cuarto, el batería Paul Cook, está asomado a una ventana del citado edificio. «Iban muy pasados de vueltas, bebiendo latas de cerveza y gritándole a Paul, que parecía divertirse con sus payasadas», recuerda Sting en su autobiografía, Broken Music (Ediciones B). «Si hubiera tenido una cámara de fotos habría captado un retrato perfecto de Gran Bretaña en el año del jubileo, con sus irónicas contradicciones y sus díscolos e hilarantes retoños. Me gustaban los Pistols. Lo único que les envidiaba era que ellos no tenían que ir a firmar el paro aquel día y yo sí». Sting (Wallsend, Inglaterra, 1951), líder de The Police, tal vez la banda más exitosa de la década de los 80, tiene hoy aún menos que envidiar a aquellos gamberros cuya gloria fue una luz de bengala (en especial Sid Vicious, muerto de una sobredosis de heroína en 1979, a los 21 años de edad), aunque a finales de los 70 casi todos querían ser como ellos. Por ejemplo, Stewart Copeland, percusionista y auténtico fundador de The Police. «Le entusiasmaba el punk, músicos sin formación que desdeñaban la delicadeza y la técnica para decantarse por una energía pura y sin aditivos», escribe Sting. «Decía que quería formar parte de aquello, que iba a ser como una ola que se llevaría por delante todo lo demás». El carismático Sting pensó que «enarbolar la bandera de la oportunidad» para asaltar la industria discográfica era plausible. Copeland había escrito dos temas que podrían entrar en el canon punk: Fall Out y Nothing Achieving, adaptadas al pulso anfetamínico de su batería. Next to You, que abre el álbum de su debut, Outlandos d’Amour, tiene raíces punk. Pero ahí se acabaron las bromas. En agosto de 1977, en el festival de Mont-de-Marsan (Francia), Sting y sus socios patinaron porque «el público, que prefiere a los grupos de estricta observancia punk, les consideró poco menos que unos impostores que pretenden subirse al carro», señala Joan Sardá en su libro The Police (Ediciones Robinbook). Sting está a punto de componer Roxanne, «una canción romántica de amor (un anatema en aquellos momentos)», que iba a cambiar la historia de la banda. New wave, reggae blanco... Qué más da la etiqueta. The Police entró en órbita gracias al talento de Sting, la mezcla de ritmos jamaicanos con el pop-rock británico y el olfato de Miles Copeland, hermano de Stewart y mánager del grupo. El dinero y la posteridad estaban en la traición al nihilismo punk, en dejarse de postureos: eso lo entendió también The Clash, abanderado del movimiento cuyo London Calling (1979) está considerado uno de los mejores discos de la historia. Los tres acordes, los berridos y las crestas de colores no rentaban. De los rescoldos surgieron nombres (cada uno en su estilo) como Elvis Costello, Blondie, Siouxsie and the Banshees, The Cure y The Pretenders, por citar unos pocos. Chrissie Hynde (Akron, Ohio, 1951) en su incendiaria autobiografía A todo riesgo. Memorias airadas de una Pretender (Malpaso) habla de aquellos tiempos tempestuosos que precedieron al éxito, del atracón de juergas y drogas y de su relación con los Sex Pistols. Casi se convierte en la señora de Sid Vicious antes de la relación de este con Nancy Spungen, una groupie a la que Hynde despreciaba. En su opinión, había convertido al gurú del punk en un «calzonazos encoñado». «Todo había ocurrido demasiado rápido para Sid. La fama, las drogas y Nancy se habían fusionado en una sola cosa. La cara de Sid había terminado siendo una versión pringosa y distorsionada de sí misma», describe. El 12 de octubre de 1978 Spungen apareció muerta con una puñalada en el abdomen. Tenía veinte años. Vicious fue acusado de asesinato. El «caballo» se lo llevó sin que mediara juicio. Y el pálido y desgarbado guitarrista James Honeyman-Scott, antes de morir de una sobredosis de cocaína -otro hijo de su época-, rescató a Chrissie Hynde de la fiebre punk para escribir la historia grande de Pretenders.
Source : abc.es | 2017-01-02 00:16:03.0
Nel, el Chopo no necesita, aún, comunity manager; menos un planner, y quienes piensan sólo en un target dress code, no son choperos de abolengo. El Tianguis del Chopo no sólo es una plaza trendy en boga para millennials in put, también es un espacio rocanrolero con compromisos culturales; es un lugar clásico de la cultura alternativa, subterránea, no es una startup; es una propuesta nacida y mantenida durante más de 30 años por artistas de diversas expresiones creativas y sostenida por las diferentes culturas juveniles surgidas en ese mismo lapso: chavos seguidores del new wave, punk, hard, metal, progresivo, dark, posjipismo, rupestre, pop, reggae, poesía, teatro, fotografía, performance, literatura, periodismo, cine y toda la parafernalia rockera. Es la guarida/fortaleza/escaparate de grupos de rock de todas las tendencias sonoras, igual, de chavos que cada sábado salen de su barrio con estrafalarios atuendos roqueros, vestimenta indispensable de un ritual a veces heredado que sirve de carta de identificación para toparse, sin bronca, con cuates de otras colonias, pero con la misma onda, o para ligar alguna morra para ir a chelear al UTA después de pirarse del tianguis a eso de las cinco de la tarde.
Source : La Jornada | 2016-12-31 07:50:04.0
Tres años después de Al sur de la luna, Little Pepe está de vuelta con Templao (Boa/Germaica Iberia), un nuevo álbum repleto de luz y ritmos de todos los colores para llevar su mensaje de amor y vida desde su Málaga natal hasta el más alejado confín.
Source : europapress.es | 2016-12-30 14:30:43.0
El Centro Cultural Mexiquense Bicentenario (CCMB) en Texcoco se convirtió en un espacio para jóvenes con la realización del Festival de Arte Urbano, que desde el 3 y hasta el 10 de diciembre da cauce a 96 actividades artísticas y culturales, como conciertos de ska, reggae, performances, danza y talleres, así como artes plásticas.
Source : La Jornada | 2016-12-06 07:59:53.0

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